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Via Vittorio Veneto, più comunemente nota come Via Veneto, è una delle strade più celebri di Roma, simbolo della “Dolce Vita” degli anni ’50 e ’60. Situata nel rione Ludovisi, collega Piazza Barberini a Porta Pinciana e al parco di Villa Borghese.

Storia e notorietà

La strada fu realizzata alla fine dell’Ottocento e intitolata alla battaglia di Vittorio Veneto (1918), decisiva nella Prima guerra mondiale. Divenne famosa a livello internazionale nel dopoguerra, quando divenne il cuore mondano e cinematografico della città, frequentata da attori, registi, artisti e paparazzi. È indissolubilmente legata al film “La Dolce Vita” di Federico Fellini (1960), che immortalò l’atmosfera frivola, notturna e sognante della Roma di quel periodo.

Cosa vedere su Via Veneto

Caffè storici e hotel di lusso: come il Café de Paris e il Doney, punti d’incontro per star come Ava Gardner, Audrey Hepburn, Orson Welles, Frank Sinatra, e Federico Fellini. Hotel Excelsior e Hotel Regina Baglioni, capolavori di eleganza e ospitalità, ancora oggi frequentati da celebrità. Fontana delle Api di Bernini (Piazza Barberini), all’imbocco della via. Chiesa di Santa Maria della Concezione dei Cappuccini: celebre per la Cripta dei Cappuccini, decorata con le ossa di circa 4.000 frati. Villa Maraini, sede dell’Istituto Svizzero di Roma, un gioiello architettonico all’estremità settentrionale.

Shopping e atmosfera

Oggi Via Veneto conserva un fascino elegante, con boutique di alta moda, gioiellerie, ristoranti di classe e caffè all’aperto. L’area è tranquilla, curata e ricca di fascino borghese, amata anche per le sue vicinanze con Villa Borghese, Piazza di Spagna e Via del Tritone.

Curiosità

La via è stata punto d’incontro tra cultura alta e mondanità, tra scrittori (come Moravia) e divi del cinema. Era frequentata anche da fotoreporter e “paparazzi”, termine nato proprio grazie al personaggio Paparazzo del film di Fellini.

Guillermo Mariotto è uno stilista e personaggio televisivo venezuelano naturalizzato italiano, noto per la sua creatività e per il ruolo di giudice nel programma televisivo Ballando con le Stelle.

Biografia e formazione

Nato a Caracas il 13 aprile 1966 da madre venezuelana e padre italiano, Mariotto si trasferisce giovanissimo negli Stati Uniti, dove si laurea al California College of Arts and Crafts di San Francisco.

A 17 anni debutta come scenografo teatrale ne Gl’Innamorati di Carlo Goldoni, rappresentato al Vittoriale degli Italiani.

Successivamente, approfondisce la sua formazione artistica tra Parigi, Londra e Milano, collaborando con importanti maison come Basile, Krizia e Dolce & Gabbana .

Carriera nella moda

Nel 1988, Mariotto entra in contatto con l’alta moda romana grazie a Raniero Gattinoni, figlio della fondatrice Fernanda Gattinoni.

Dopo la prematura scomparsa di Raniero nel 1993, Mariotto assume la direzione creativa della Maison Gattinoni, firmando collezioni che uniscono arte, spiritualità e innovazione tecnologica.

Tra le sue creazioni più celebri, l’abito “vivo” in fibra cava Meryl Nexten e i paramenti sacri donati a Papa Benedetto XVI nel 2007 .

Attività televisiva

Dal 2005, Mariotto è uno dei giudici storici del programma di Rai 1 Ballando con le Stelle, noto per il suo stile diretto e talvolta provocatorio.

Ha partecipato anche ad altri programmi televisivi, tra cui Il cantante mascherato e ItaliaSì! .

Riconoscimenti

Nel 2020, il Presidente della Repubblica Sergio Mattarella ha conferito a Mariotto l’onorificenza di Cavaliere dell’Ordine della Stella d’Italia per il suo contributo alla promozione della moda italiana nel mondo .

Presenza online

Mariotto è attivo sui social media, in particolare su Instagram, dove condivide momenti della sua vita professionale e personale: @guillermomariottoreal.

• Venezuela

avviso “Il testo e le riflessioni contenuti in queste pagine sono parte esclusiva dell’archivio di pierovillani.com. La riproduzione non autorizzata ne altera l’integrità concettuale ed è vietata.”

è una storica casa di moda italiana fondata nel 1946 a Roma da Fernanda Gattinoni, una delle figure più influenti dell’alta moda del XX secolo.

Celebre per l’eleganza raffinata e l’artigianalità sartoriale, il marchio ha vestito icone del cinema e della politica, contribuendo a definire lo stile della “Hollywood sul Tevere”.

Le origini : Fernanda Gattinoni e l’atelier romano

Nata nel 1906 a Cocquio-Trevisago (Varese), Fernanda Gattinoni iniziò la sua carriera a Londra presso la maison Molyneux.

Rientrata in Italia, lavorò per la sartoria Ventura, fornitrice ufficiale di Casa Savoia.

Nel 1946 aprì il suo primo atelier in via Marche a Roma, vicino all’Hotel Excelsior, attirando una clientela internazionale e celebrità come Audrey Hepburn, Anna Magnani, Ingrid Bergman, Evita Perón e Clare Boothe Luce. 

Evoluzione del marchio

Negli anni ’90, la maison ha ampliato la sua offerta con linee di prêt-à-porter e accessori, grazie al contributo di Raniero Gattinoni, figlio della fondatrice, e di Stefano Dominella, attuale presidente.

Dopo la scomparsa di Raniero nel 1993, la direzione creativa è stata affidata a Guillermo Mariotto, che guida tuttora la linea Gattinoni Couture. 

Collezioni e prodotti

Oltre all’alta moda, Gattinoni propone una vasta gamma di prodotti, tra cui

Abbigliamento : linee casual e formali per donna. Borse e accessori: modelli iconici come la linea Planetarium.

Profumi e cosmetici : dal 1997, con il lancio della prima fragranza Gattinoni.

Biancheria per la casa : sotto il marchio Gattinoni Domus.

Puoi esplorare le collezioni complete sul sito ufficiale : gattinoni.com.

Tra questi :

La Gattinoni Shopping Bag Planetarium Large è particolarmente apprezzata per il suo design distintivo e la spaziosità, rendendola ideale per l’uso quotidiano.

Il Pantalone Felpa Planetarium Panna offre comfort e stile, perfetto per un look casual-chic.

La T-Shirt Bianco è un capo essenziale, versatile per ogni occasione.

Il Beauty Case Donna combina eleganza e funzionalità, ideale per organizzare i tuoi cosmetici.

La Shopping Coelum Gattinoni è una borsa capiente e alla moda, perfetta per lo shopping o il lavoro.

nato il 14 novembre 1949 a Morro d’Alba, in provincia di Ancona è un pittore, scultore e artista italiano, considerato uno dei principali esponenti della Transavanguardia italiana, movimento teorizzato da Achille Bonito Oliva alla fine degli anni ’70. Autodidatta, Cucchi ha iniziato la sua carriera artistica con un interesse per la poesia, per poi dedicarsi completamente alle arti visive, sviluppando uno stile distintivo caratterizzato da simbolismo, mitologia e un uso espressivo del colore.

• Carriera e stile

Dopo essersi trasferito a Roma negli anni ’70, Cucchi ha abbandonato la poesia per concentrarsi sulla pittura, entrando in contatto con artisti come Sandro Chia, Francesco Clemente, Mimmo Paladino e Nicola De Maria. Insieme, hanno dato vita alla Transavanguardia, un movimento che segnava un ritorno alla pittura figurativa e all’espressione soggettiva, in contrasto con l’arte concettuale dominante dell’epoca.

Le opere di Cucchi si distinguono per l’uso di simboli ricorrenti come teschi, cavalli e paesaggi onirici, spesso ispirati alla sua terra natale, le Marche.

Il suo stile è caratterizzato da una pennellata energica e da colori intensi, con una predilezione per il nero, che conferisce alle sue opere un senso di drammaticità e introspezione.

Ha anche sperimentato con materiali diversi, tra cui terra, legno bruciato, neon e ferro, come nella serie Vitebsk-Harar, dedicata a Arthur Rimbaud e Kazimir Malevič. 

Opere e installazioni. Cucchi ha realizzato numerose opere pubbliche e installazioni permanenti :

• Cappella di Monte Tamaro (1992-1994) : decorazioni interne della cappella progettata da Mario Botta vicino a Lugano.

• Chiostro della Pace (2005) : in collaborazione con Ettore Sottsass, presso l’Università degli Studi di Salerno, con sculture in terracotta e ceramica invetriata. 

• Chiesa di San Giacomo Apostolo (2021) : ciclo di opere in ceramica nera raffiguranti episodi biblici, nella chiesa progettata dallo Studio Miralles Tagliabue a Ferrara. 

• Sipario del Teatro La Fenice di Senigallia (1996) : realizzazione del sipario per il teatro della sua città natale.

Presenza nei musei. Le opere di Enzo Cucchi sono presenti in importanti collezioni museali, tra cui :

• Museum of Modern Art di New York

• Tate Gallery di Londra

• Centro Georges Pompidou di Parigi

• Guggenheim Museum di Bilbao

• Museo nazionale di Capodimonte di Napoli

• Galleria nazionale d’arte moderna e contemporanea di Roma

• Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci di Prato

• Pubblicazioni e film :

Nel 1976, Cucchi ha pubblicato il volume di poesie Il veleno è stato sollevato e trasportato.

Tra il 2000 e il 2007, il regista tedesco Georg Brintrup ha realizzato il film Enzo Cucchi, dedicato alla sua vita e alla sua opera. 

Per ulteriori informazioni su Enzo Cucchi e le sue opere, puoi visitare:

• Il sito ufficiale dell’Archivio Enzo Cucchi: www.archivioenzocucchi.com

• La pagina dedicata su Wikipedia: it.wikipedia.org/wiki/Enzo_Cucchi

si riferisce a quei fenomeni e processi sociali, artistici, identitari e comunicativi che emergono dopo la fase più intensa della globalizzazione, e ne rappresentano in parte una trasformazione, una reazione o una rielaborazione critica.

Ecco una sintesi dei principali significati :

Reazione alla globalizzazione culturale

La fase “post-globale” si apre quando le società iniziano a:

mettere in discussione l’omologazione culturale promossa dal capitalismo globale; rivalutare tradizioni locali, lingue minoritarie, forme di vita autoctone; cercare modelli alternativi allo standard “occidentale” diffuso nel mondo attraverso media, economia e tecnologia.

Ibridazione e identità multiple

Le culture post-globali non tornano semplicemente al passato, ma:

ibridano elementi locali e globali (es. musica trap con dialetti regionali); costruiscono nuove identità che non si riconoscono più nei vecchi dualismi (locale/globale, est/ovest, tradizione/innovazione); danno spazio a soggettività ibride (diasporiche, migranti, transnazionali).

Nuove forme estetiche e artistiche

Nel campo dell’arte e della cultura visiva:

emerge un’estetica che riflette la complessità geopolitica contemporanea (postcolonialismo, decentramento, ecocritica); si moltiplicano le reti culturali orizzontali, fuori dai circuiti canonici dell’arte occidentale; l’arte diventa uno strumento per ripensare i rapporti tra periferia e centro, tra Sud e Nord globale.

Cultura digitale e algoritmica

Nel contesto post-globale, le piattaforme digitali :

diffondono e frammentano contenuti culturali a velocità inedita; creano bolle identitarie e forme di “tribalismo” mediatico; trasformano la cultura in performance algoritmica, spesso guidata da logiche di visibilità piuttosto che di significato.

Esempi di ambiti in cui si parla di dinamiche culturali post-globali :

Sociologia urbana (città globali vs micro-comunità locali) Teoria dell’arte contemporanea Antropologia postcoloniale Studi culturali e post-identitari Critica dei media digitali.

Sociologo, saggista e critico d’arte Roma, 1963 vivente. Enzo Fratti-Longo è un sociologo e saggista italiano, noto per i suoi scritti sul rapporto tra estetica contemporanea, fenomenologia urbana e dinamiche culturali post-globali.

Nato nel 1963 e cresciuto a Roma ha mantenuto un legame costante con la sua città natale, pur avendo trascorso lunghi periodi all’estero, in particolare a Parigi, Buenos Aires, Montréal e Tokyo, città che hanno fortemente influenzato la sua visione interculturale dell’arte e della società.

Dopo la laurea in Sociologia alla Sapienza, si è specializzato in teoria critica presso l’École des Hautes Études en Sciences Sociales di Parigi.

Dagli anni ’90 ha collaborato con riviste italiane e internazionali di filosofia, estetica e critica d’arte, distinguendosi per un approccio ibrido tra il rigore accademico e la scrittura saggistica letteraria.

È autore di numerosi volumi, tra cui :

L’arte e l’informe

sociologia del disordine visivo (2003)

Corpi e città

estetiche della presenza nello spazio pubblico (2011)

Il silenzio delle immagini

Note per una fenomenologia critica (2019)

Critico d’arte non convenzionale, ha curato retrospettive e cataloghi in contesti museali e indipendenti, con particolare attenzione per le poetiche marginali e le espressioni visive nate fuori dal mercato ufficiale.

Fratti-Longo è considerato un intellettuale riservato, estraneo al mondo mediatico, single per scelta e noto per il suo stile di vita solitario e contemplativo.

Attualmente vive nel quartiere romano di Monti, in un appartamento colmo di libri, opere d’arte ricevute in dono e taccuini pieni di annotazioni.

Continua a scrivere e a tenere seminari privati in varie città europee.

https://pierovillani.com/2025/07/06/piero-villani-la-mia-amicizia-con-enzo-fratti-longo/

è un attore italiano originario di Bari, nato nel 1947. Con una carriera che abbraccia teatro, cinema e televisione, Montrone ha consolidato la sua reputazione come interprete versatile e di talento.

Biografia e formazione

Montrone ha iniziato la sua formazione artistica negli anni ’70, frequentando corsi di recitazione, stages e workshops. Ha perfezionato la sua dizione in italiano, acquisendo una buona pronuncia, e ha sviluppato una fluente padronanza dei dialetti pugliesi, in particolare del barese e del salentino. 

Filmografia

Nel corso della sua carriera, Montrone ha partecipato a diverse produzioni cinematografiche e televisive. Tra i suoi ruoli più noti:

Quo vado? (2016) – interpretando Don Tino Tulipani – Amore, Onore e una Bicicletta (2017) – nel ruolo di un altro abitante del villaggio Respirare stanca (2020) – come Dottor Luciani Quasi orfano (2022) nel ruolo di Don Danilo W Muozzart! (2025) – come professor Bellomo

Inoltre, ha preso parte al film drammatico La mia bella famiglia italiana (2014). 

Teatro

Oltre al cinema, Montrone ha una solida esperienza teatrale. Ha recitato in diverse produzioni, tra cui :

La Mandragola di Niccolò Machiavelli – nel ruolo di frate Timoteo Bianca Lancia di Nicola Saponaro – come Pier delle Vigne Il Candelieri di Alfred de Musset – nel ruolo di Fortunio Girotondo di Arthur Schnitzler – come Alfred

Queste esperienze dimostrano la sua versatilità e impegno nell’arte teatrale.

Televisione e pubblicità

Montrone ha anche partecipato a produzioni televisive e pubblicitarie. Ha interpretato il ruolo di Novarini nel film per la TV Il ritorno di Ulisse (2009), diretto da Pietro Loprieno. In ambito pubblicitario, è stato protagonista di uno spot per le “Gift Card” trasmesso su Telenorba nel periodo 2015-2016. 

Dove vederlo

Molte delle sue opere sono disponibili su piattaforme come Plex, IMDb e MYmovies. Per ulteriori informazioni sulla sua carriera e per visualizzare il suo showreel, puoi visitare il suo profilo su e-TALENTA. 

è stato un avvocato e politico socialista di rilievo, nato a Napoli nel 1934. Si iscrisse al Partito Socialista Italiano (PSI) nel 1954, a soli vent’anni, intraprendendo una lunga carriera politica e professionale che lo ha visto protagonista soprattutto nella città di Bari e nella regione Puglia.

Carriera politica e istituzionale

Passaro ha ricoperto numerosi incarichi pubblici: è stato consigliere comunale a Grumo Appula, presidente dell’Azienda Municipalizzata del Gas di Bari, vicesindaco e assessore all’edilizia privata e all’urbanistica del Comune di Bari. La sua attività politica si è svolta principalmente nell’ambito del PSI, dove ha militato attivamente, ricoprendo incarichi anche a livello nazionale. 

Presidente della Cassa di Risparmio di Puglia

Dal 1981 al 1994, Passaro è stato presidente della Cassa di Risparmio di Puglia (Caripuglia). Durante il suo mandato, la banca ha attraversato un periodo di trasformazioni significative, culminate nel 1993 con l’assorbimento da parte della Cariplo, in seguito a una visita ispettiva della Banca d’Italia. Questo evento si inserisce nel contesto più ampio della crisi del sistema creditizio meridionale degli anni ’90, che ha visto molte banche del Sud Italia essere acquisite da istituti con sede nel Nord. 

Attività culturale e memoria storica

Franco Passaro ha anche contribuito alla documentazione della storia politica e finanziaria del Mezzogiorno. Nel suo libro La resa, edito da Progedit, analizza gli avvenimenti che hanno portato alla crisi delle banche meridionali, escludendo che essa sia stata causata esclusivamente da episodi di cattiva gestione. Il libro offre una riflessione approfondita sulle dinamiche economiche e politiche che hanno influenzato il destino delle istituzioni finanziarie del Sud Italia. 

Impegno politico e collaborazioni

Nel corso della sua carriera, Passaro ha collaborato con figure di spicco del socialismo pugliese, come Rino Formica e Giuseppe Di Vagno. È stato attivo in numerose campagne elettorali, come testimoniato da fotografie conservate presso la Fondazione Giuseppe Di Vagno. 

Scomparsa e ricordo

Franco Passaro è scomparso nel 2021. La sua figura è stata ricordata come quella di un professionista serio e un politico appassionato, che ha lasciato un segno significativo nella storia politica e istituzionale di Bari e della Puglia. La sua carriera si è svolta parallelamente a quella di altri esponenti socialisti della regione, come l’ex sindaco di Bari Franco De Lucia, con il quale condivideva l’anno di nascita e l’impegno nel PSI. 

è una figura emblematica dello sport italiano e internazionale, noto per la sua straordinaria resilienza e determinazione.

Nato a Bologna nel 1966, ha iniziato la sua carriera come pilota automobilistico, vincendo due titoli nel campionato CART nel 1997 e 1998. Nel 2001, durante una gara al Lausitzring in Germania, ha subito un grave incidente che ha comportato l’amputazione di entrambe le gambe. Nonostante ciò, Zanardi è tornato alle competizioni, diventando un campione paralimpico nel ciclismo su handbike, conquistando quattro medaglie d’oro ai Giochi Paralimpici di Londra 2012 e Rio 2016, oltre a numerosi titoli mondiali .

Il 19 giugno 2020, durante una staffetta di beneficenza in handbike in Toscana, Zanardi è stato coinvolto in un altro grave incidente, riportando lesioni cerebrali significative. Dopo diverse operazioni e un periodo in coma farmacologico, ha iniziato un lungo percorso di riabilitazione. Nel dicembre 2021 è tornato a casa, dove continua la terapia assistito dalla famiglia e da specialisti .

Le informazioni sulle sue condizioni attuali sono limitate, poiché la famiglia mantiene un riserbo comprensibile. Tuttavia, è noto che Zanardi prosegue con determinazione il suo percorso di recupero .

Oltre alla sua carriera sportiva, Zanardi ha condotto programmi televisivi come “E se domani” e “Sfide” su Rai 3, e ha prestato la voce al personaggio di Guido nei film d’animazione “Cars” . La sua storia continua a ispirare milioni di persone in tutto il mondo.

è un quotidiano economico-finanziario italiano, fondato nel 1989 e pubblicato dal gruppo editoriale Class Editori.

Il giornale è noto per la sua copertura approfondita dei mercati finanziari, dell’economia e delle imprese, ed è particolarmente apprezzato da professionisti del settore, investitori e risparmiatori.

Frequenza di pubblicazione MF esce dal lunedì al venerdì, offrendo aggiornamenti quotidiani sui mercati finanziari. Milano Finanza, la versione settimanale, viene pubblicata il sabato, fornendo analisi e approfondimenti.

Accesso digitale È possibile leggere MF Milano Finanza in formato digitale attraverso diverse piattaforme:

Il sito ufficiale : milanofinanza.it

L’edicola digitale : edicola.milanofinanza.it L’app per dispositivi mobili disponibile su Google Play

Contenuti principali Il quotidiano offre sezioni dedicate a :

Trading online Analisi tecnica Covered warrant Immobiliare Private equity

Inoltre, pubblica inserti speciali come Gentleman, un mensile dedicato al lifestyle maschile.

Direzione editoriale

Paolo Panerai : fondatore, editore e direttore responsabile dal 1986.

Gabriele Capolino : direttore ed editore associato dal 1999.

Roberto Sommella : direttore esecutivo dal 2020, con una lunga esperienza nel giornalismo economico e nella comunicazione istituzionale.

Diffusione Secondo i dati disponibili, MF Milano Finanza ha una diffusione di circa 39.327 copie e raggiunge un’audience stimata di 217.000 lettori, posizionandosi come uno dei principali quotidiani economici in Italia.

www.milanofinanza.it.

RED@

Il cosplay (dall’inglese costume play) è una forma di espressione artistica e performativa in cui le persone indossano costumi e accessori per rappresentare un personaggio specifico, solitamente tratto da anime, manga, film, videogiochi, fumetti o serie TV. I partecipanti, chiamati cosplayer, non solo ricreano l’aspetto del personaggio, ma spesso ne imitano anche il comportamento, la voce e le pose iconiche.

Origini e cultura

Il termine nasce in Giappone negli anni ’80, ma la pratica ha radici anche negli Stati Uniti, dove già negli anni ’30 e ’40 alcuni fan si vestivano come i personaggi dei romanzi di fantascienza. Oggi il cosplay è un fenomeno globale, con eventi, convention e gare dedicate in tutto il mondo (come il Lucca Comics & Games in Italia, o il Comic-Con in USA).

Tipi di cosplay

Screen-accurate: costumi fedelissimi all’originale. Original cosplay (OC): personaggi inventati. Crossplay: quando si interpreta un personaggio di genere diverso dal proprio. Genderbend: reinterpretazioni di un personaggio cambiandone il genere.

Aspetti creativi e sociali

Molti cosplayer realizzano da sé i propri costumi, unendo sartoria, make-up, artigianato e recitazione. Le community online e gli eventi sono spazi di incontro, scambio e riconoscimento. È un’attività che promuove l’inclusività, la libertà di espressione e la celebrazione della cultura pop.

è una posa iconica associata a certi stereotipi della cultura giovanile dell’Europa dell’Est, in particolare Russia, Ucraina, Polonia e altri paesi slavi.

Consiste nello squat profondo (accovacciarsi completamente, con i talloni appoggiati a terra), spesso con:

piedi ben piantati a terra, gomiti appoggiati sulle ginocchia, sigaretta o birra in mano, tuta Adidas come outfit tipico.

Origini e contesto culturale

Nasce come posa comune tra i giovani delle periferie urbane dell’ex blocco sovietico, spesso chiamati “gopnik”. Il modo di accovacciarsi deriva anche da una postura naturale per riposarsi senza una sedia, comune tra operai o soldati. È diventato un meme globale, simbolo di una certa estetica “post-soviet”, spesso ironica e nostalgica.

Usi moderni

Diffuso nei meme, nei cosplay, nei videoclip e persino nella moda. Spesso usato in chiave ironica per rappresentare lo “Slav life”, cioè uno stile di vita duro, spartano, ma fiero.

1914/2010

è stato un importante critico d’arte, poeta e docente italiano, noto per il suo contributo alla promozione dell’arte moderna e contemporanea in Italia.

Biografia e carriera

Laureato in Filosofia presso l’Università degli Studi di Palermo, Ballo si trasferì a Milano nel 1939. Qui si legò a figure di spicco dell’arte italiana come Arnaldo Pomodoro, Lucio Fontana e Filiberto Sbardella. Fu docente di storia dell’arte presso l’Accademia di Brera e curatore di importanti mostre dedicate a artisti come Umberto Boccioni, Edvard Munch e Lucio Fontana, nonché di esposizioni sul Futurismo e sull’astrattismo .

Attività editoriale e critica

Ballo collaborò con le pagine culturali di quotidiani come l’Avanti! e il Corriere della Sera. Fu membro della redazione della rivista “Movimento Nuovo”, fondata nel 1946 come organo del Centro di Rinnovamento Culturale Italiano, insieme a intellettuali come Guido Piovene e Renato Guttuso .

Pubblicazioni principali

Tra le sue opere più significative si annoverano:

Pittori italiani dal Futurismo ad oggi (1956) Preistoria del futurismo (1960) Vero e falso nell’arte moderna (1962) La linea dell’arte italiana (1964) Boccioni (1964) Lucio Fontana, idee per un ritratto (1970) Occhio critico (data non specificata)

Nel 1994 pubblicò la raccolta poetica Il muro ha un suono, curata da Vanni Scheiwiller e Arnaldo Pomodoro, con prefazione di Stefano Agosti .

Attività musicale

Nel 1972 Ballo pubblicò il disco Metràpolis, in cui recita alcune sue poesie accompagnato da musiche di Detto Mariano, eseguite da musicisti come Gianni Leone e Gianchi Stinga de Il Balletto di Bronzo .

Famiglia

Guido Ballo era fratello del fotografo Aldo Ballo, noto per il suo lavoro nel campo del design e della fotografia d’arte .

ha annunciato la sua uscita da Dior dopo nove anni alla guida della maison, segnando la fine di un’era caratterizzata da una forte impronta femminista e da una significativa crescita commerciale. La sua ultima collezione, la Cruise 2026, è stata presentata a Roma il 27 maggio 2025, nella suggestiva Villa Albani Torlonia, con un dress code bianco e un’atmosfera evocativa del cinema italiano, accompagnata da un film diretto da Matteo Garrone. 

Chiuri è stata la prima donna a ricoprire il ruolo di direttrice creativa delle collezioni femminili di Dior, portando con sé una visione di moda impegnata e inclusiva. Il suo debutto nel 2016 è stato segnato dalla celebre t-shirt con la scritta “We Should All Be Feminists”, ispirata al saggio di Chimamanda Ngozi Adichie, che ha dato il tono alla sua direzione. Durante il suo mandato, ha collaborato con artiste come Judy Chicago e ha rivisitato icone come la Saddle Bag, contribuendo a un aumento significativo delle vendite, con un picco di 9,5 miliardi di euro nel 2023. 

Delphine Arnault, CEO di Christian Dior Couture, ha elogiato il lavoro di Chiuri, sottolineando la sua capacità di progettare collezioni altamente desiderabili, intrise dello spirito di Monsieur Dior, e di scrivere un capitolo fondamentale nella storia della maison. 

Al momento, Dior non ha annunciato ufficialmente un successore, ma le speculazioni indicano Jonathan Anderson, attuale direttore creativo delle collezioni maschili della maison, come possibile erede. 

E’ un test diagnostico utilizzato per studiare il funzionamento della vescica e dell’uretra, ossia i meccanismi di riempimento e svuotamento dell’urina.

Viene indicato nei casi in cui ci siano disturbi urinari non spiegati da altri esami (come ecografie o analisi delle urine), soprattutto in presenza di:

Incontinenza urinaria Ritenzione urinaria Minzione frequente o urgente Difficoltà a iniziare la minzione Sospetto di ostruzione urinaria o disfunzione neurologica

In cosa consiste l’esame

L’esame urodinamico può includere diverse fasi, tra cui:

Flussometria

il paziente urina in un apposito strumento che misura il flusso e il volume dell’urina.

Cistomanometria

viene introdotto un catetere nella vescica per misurare le pressioni durante il riempimento vescicale.

Studio pressione-flusso

valuta come la vescica e l’uretra lavorano insieme durante la minzione.

Elettromiografia (EMG)

in alcuni casi, registra l’attività dei muscoli del pavimento pelvico.

Uretrocistoscopia dinamica (in alcuni casi)

consente di visualizzare l’interno dell’uretra e della vescica.

Come si svolge

Preparazione

spesso non è necessaria una preparazione specifica.

A volte viene chiesto di arrivare con la vescica piena.

Durata

in genere dura tra i 30 e i 60 minuti.

Dove si fa

in ospedale o in ambulatori specialistici. Dolore: può causare fastidio, soprattutto per l’inserimento dei cateteri, ma è generalmente ben tollerato.

Dopo l’esame

Potrebbero esserci bruciori temporanei durante la minzione.

È consigliabile bere molta acqua nelle ore successive per ridurre il rischio di infezioni.

Se compaiono febbre, dolore intenso o sangue persistente nelle urine, è bene contattare il medico.

Quando è indicato

L’esame viene prescritto soprattutto da urologi o ginecologi, ad esempio nei seguenti casi:

Prima di un intervento chirurgico per incontinenza o prolasso In pazienti con malattie neurologiche (Parkinson, sclerosi multipla, lesioni spinali) Quando altri esami non chiariscono i sintomi urinari

avviso “Il testo e le riflessioni contenuti in queste pagine sono parte esclusiva dell’archivio di pierovillani.com. La riproduzione non autorizzata ne altera l’integrità concettuale ed è vietata.”

pseudonimo di Andrea Francesco Alberto de Chirico (Atene, 25 agosto 1891 Roma, 5 maggio 1952), è stato una figura poliedrica dell’arte e della cultura del XX secolo: scrittore, pittore, musicista, drammaturgo e saggista.

Fratello minore del pittore Giorgio de Chirico, condivise con lui l’interesse per la pittura metafisica, contribuendo in modo significativo alla sua teorizzazione e diffusione.

Biografia

Nato in Grecia da genitori italiani, Savinio mostrò precocemente un talento musicale, diplomandosi in pianoforte a soli dodici anni. Dopo la morte del padre nel 1905, la famiglia si trasferì in Italia e successivamente a Monaco di Baviera, dove Savinio studiò composizione con Max Reger e si avvicinò alla filosofia tedesca, in particolare alle opere di Schopenhauer, Nietzsche e Weininger .

Nel 1910 si stabilì a Parigi, entrando in contatto con le avanguardie artistiche e letterarie dell’epoca, tra cui Guillaume Apollinaire, Pablo Picasso e Jean Cocteau. Fu in questo contesto che adottò lo pseudonimo di Alberto Savinio e pubblicò nel 1914 “Les chants de la mi-mort”, testo che influenzò il movimento surrealista .

Opere e contributi

Savinio fu un artista eclettico, autore di romanzi, saggi, opere teatrali e composizioni musicali.

Tra le sue opere più note si annoverano:

“Hermaphrodito” (1918) “La casa ispirata” (1920) “Capitano Ulisse” (1934) “Narrate, uomini, la vostra storia” (1942) “Ascolto il tuo cuore, città” (1944) “Tutta la vita” (1945)

La sua pittura, inizialmente influenzata dal fratello Giorgio, si distinse per l’uso di simboli onirici e figure ibride, spesso cariche di ironia e riferimenti letterari. Negli anni ’30 e ’40, Savinio partecipò a importanti esposizioni, tra cui la Biennale di Venezia e la Quadriennale di Roma, consolidando la sua reputazione nel panorama artistico italiano ed europeo .

Eredità

Dopo la sua morte nel 1952, l’opera di Savinio ha continuato a suscitare interesse e studi. Nel 1954 gli fu dedicata una retrospettiva alla Biennale di Venezia, e nel 1955 una mostra alla VII Quadriennale di Roma, curata dal fratello Giorgio de Chirico . La sua influenza è riconosciuta in ambito surrealista e nella letteratura del Novecento.

Opere disponibili

Per approfondire l’opera di Alberto Savinio, ecco una selezione di suoi libri disponibili:

Questi testi offrono una panoramica sulla vasta produzione letteraria di Savinio, spaziando dalla narrativa alla saggistica, e sono disponibili presso diversi rivenditori online.

meglio conosciuto con lo pseudonimo di Scipione, è stato un pittore, disegnatore e scrittore italiano, figura centrale dell’arte italiana del primo Novecento.

Vita e formazione

Nato a Macerata il 25 febbraio 1904, Scipione si trasferì con la famiglia a Roma nel 1909. Nel 1919, a seguito di una polmonite, contrasse la tubercolosi, malattia che influenzò profondamente la sua vita e la sua arte. Durante il lungo periodo di convalescenza, sviluppò un’intensa attività intellettuale, dedicandosi alla lettura e allo studio dell’arte. Frequentò la Scuola Libera del Nudo presso l’Accademia di Belle Arti di Roma, dove entrò in contatto con artisti come Mario Mafai, Antonietta Raphaël e Renato Marino Mazzacurati.

La Scuola Romana e lo stile espressivo

Nel 1928, Scipione fu tra i fondatori della Scuola Romana, un gruppo di artisti attivi a Roma che si opponevano al conservatorismo del movimento Novecento e all’arte ufficiale del regime fascista. Il suo stile pittorico, influenzato da maestri come El Greco, Goya, Chaïm Soutine e James Ensor, si caratterizza per un’espressività intensa, simbolismo personale e una forte componente visionaria. Le sue opere spesso raffigurano una Roma barocca e decadente, popolata da figure ecclesiastiche e personaggi inquietanti, con colori accesi e forme distorte.

Opere principali

Tra le sue opere più significative si annoverano:

Natura morta con bombetta (1929) Il cardinale decano (1929–1930) Gli uomini che si voltano (1930) Il profeta in vista di Gerusalemme (1930)

Queste opere esprimono la sua visione tormentata e la sua critica alla società del tempo.

Attività letteraria

Oltre alla pittura, Scipione si dedicò alla scrittura di poesie e prose. Nel 1931, fondò insieme a Mazzacurati la rivista Fronte, che, sebbene durò solo due numeri, ospitò contributi di importanti intellettuali come Giuseppe Ungaretti, Alberto Moravia e Alberto Savinio.

Eredità e riconoscimenti

Nonostante la sua breve vita — morì di tubercolosi il 9 novembre 1933 ad Arco di Trento, a soli 29 anni Scipione lasciò un’impronta duratura nell’arte italiana. Le sue opere sono esposte in importanti musei, tra cui il Museo Novecento di Firenze e il Museo Palazzo Ricci di Macerata. Nel 1951, il Comune di Macerata istituì il Premio Scipione per promuovere le nuove tendenze dell’arte contemporanea. Nel 1955, le sue opere furono esposte alla prima edizione della documenta di Kassel, confermando la sua rilevanza internazionale.

Ci sono scarpe che si consumano. Altre che accompagnano. Le Church’s appartengono a questa seconda categoria: non si indossano, si portano con sé, come si fa con una buona educazione o con una memoria d’infanzia. Fondate a Northampton nel 1873, in quella zona dell’Inghilterra dove le scarpe si costruiscono come si costruirebbe una cattedrale, queste calzature non hanno mai inseguito la moda. Semmai, ne hanno segnato il confine.

Ogni paio richiede otto settimane di lavoro, più di 250 passaggi manuali, pelli selezionate una ad una, cuciture Goodyear che non temono il tempo ma lo attraversano. È una bellezza discreta, quella delle Church’s, fatta di simmetrie misurate, di lucentezze che non abbagliano, di silhouette che non cercano attenzione, ma la ottengono comunque.

Indossare una Church’s è un atto di continuità. Si cammina su una linea che collega Londra e Torino, Parigi e Tokyo, senza mai rinunciare alla propria postura interiore. La scarpa si adatta al piede, ma non cede: come ogni cosa ben fatta, pone delle regole. E chi la sceglie, le accetta.

Ci sono oggetti che parlano. Le Church’s sussurrano. Raccontano l’amore per il dettaglio, la pazienza dell’artigiano, il rispetto per ciò che dura. Sono, in fondo, una dichiarazione silenziosa: “Io non passo. Resto.”

https://pierovillani.com/2025/10/01/churchs-leccellenza-artigianale-delle-scarpe-inglesi-di-lusso/

L’Hotel Le Negresco è un’icona storica a 5 stelle situata sulla celebre Promenade des Anglais a Nizza, in Francia.

Camere e Suite

Inaugurato nel 1913, l’hotel è celebre per la sua architettura Belle Époque e per la sua collezione d’arte che spazia dal XVII secolo all’arte contemporanea.

Nel 2003, è stato dichiarato monumento storico dal governo francese .

Le 102 camere e 26 suite dell’hotel sono arredate individualmente, ispirate a epoche storiche e stili artistici francesi, dal periodo Luigi XIII all’arte moderna.

Ogni stanza è dotata di mobili d’epoca o contemporanei di alta qualità, offrendo un’esperienza unica e raffinata .

Ristoranti

L’hotel ospita due ristoranti distinti:

Le Chantecler : un ristorante stellato Michelin che propone una cucina gastronomica raffinata in un ambiente decorato con boiserie del XVIII secolo .

La Rotonde : una brasserie elegante e informale, aperta tutti i giorni per colazione, pranzo e cena, che offre piatti della cucina mediterranea .

Servizi e Posizione

Situato a soli 150 metri dalla spiaggia e a circa 900 metri dal centro di Nizza, l’hotel offre una posizione ideale per esplorare la città.

Tra i servizi disponibili vi sono una spiaggia privata, piscina, centro benessere, sauna, jacuzzi, centro fitness e connessione Wi-Fi gratuita .

Prenotazioni e Contatti

Per ulteriori informazioni o per effettuare una prenotazione, è possibile visitare il sito ufficiale dell’hotel

In alternativa, è possibile contattare l’hotel ai seguenti recapiti:

Telefono: +33 (0)4 93 16 64 00 Email per prenotazioni: reservations@lenegresco.com Indirizzo: 37, Promenade des Anglais, 06000 Nizza, Francia .

avviso “Il testo e le riflessioni contenuti in queste pagine sono parte esclusiva dell’archivio di pierovillani.com. La riproduzione non autorizzata ne altera l’integrità concettuale ed è vietata.”

è una giornalista italiana di grande rilievo, nata a Trieste il 14 giugno 1957.

Figlia del giornalista Guido Botteri, ex direttore della sede Rai del Friuli-Venezia Giulia, e di madre montenegrina, ha intrapreso una brillante carriera nel giornalismo, diventando uno dei volti più noti dell’informazione italiana.

Formazione e Carriera

Laureata in Filosofia all’Università degli Studi di Trieste, ha conseguito un dottorato in Storia del cinema alla Sorbona di Parigi.

Ha iniziato la sua carriera giornalistica nel 1985 presso la Rai di Trieste, per poi entrare nel 1988 nella redazione esteri del TG3.

Come inviata speciale, ha seguito eventi internazionali di grande importanza, tra cui il crollo dell’Unione Sovietica, le guerre nei Balcani, il conflitto in Iraq e la pandemia di COVID-19 dalla Cina. Dal 2007 al 2019 è stata corrispondente della Rai dagli Stati Uniti, successivamente in Cina e infine a Parigi fino al 2024. 

Nel giugno 2024, Giovanna Botteri è andata in pensione dalla Rai, ricevendo numerosi riconoscimenti per la sua carriera.

Tuttavia, ha dichiarato che continuerà a raccontare il mondo, sottolineando che “un mestiere così non si abbandona”. 

è un magistrato e saggista italiano, noto per il suo impegno nella lotta contro la ’ndrangheta, la potente organizzazione mafiosa calabrese. Dal 13 settembre 2023 ricopre la carica di Procuratore della Repubblica presso il Tribunale di Napoli .

Biografia

Nato il 22 luglio 1958 a Gerace, in Calabria, Gratteri proviene da una famiglia umile: suo padre era camionista e sua madre casalinga. Dopo aver conseguito la maturità scientifica, si laurea in Giurisprudenza all’Università di Catania. Nel 1983, a soli 25 anni, entra in magistratura .

Carriera e lotta alla mafia

Gratteri è considerato una delle figure di spicco nella lotta alla ’ndrangheta. Vive sotto scorta dal 1989, dopo che una sua indagine ha portato alle dimissioni dell’assessore regionale socialista Giovanni Palamara per una vicenda di corruzione, causando la crisi della Giunta regionale calabrese . Nel corso della sua carriera, ha coordinato importanti inchieste sui legami tra ’ndrangheta, politica, massoneria e sul traffico di droga e armi. Nel settembre del 1993, è sfuggito a tre attentati organizzati nel giro di tre settimane .

Attività editoriale

Oltre alla sua attività giudiziaria, Gratteri è autore di numerosi saggi, spesso scritti in collaborazione con lo storico delle mafie Antonio Nicaso. Tra i più noti:

Fratelli di sangue (2006): analizza la storia, la struttura e i codici della ’ndrangheta . La malapianta (2010): descrive la ’ndrangheta come fenomeno criminale di portata internazionale . Acqua santissima (2013): esamina le contiguità tra ’ndrangheta e Chiesa cattolica . Oro bianco (2015): tratta delle rotte internazionali del narcotraffico . Non chiamateli eroi (2021): racconta storie di lotta alle mafie, tra cui quelle di Falcone e Borsellino .

Riconoscimenti

Nel 2014, Gratteri ha ricevuto il Civil Courage Prize, un riconoscimento internazionale per il suo coraggio nella lotta contro la criminalità organizzata .

Presenza online

Gratteri è attivo sui social media, dove condivide aggiornamenti sulla sua attività e riflessioni sulla lotta alla mafia. Il suo profilo ufficiale su X (ex Twitter) è @NicolaGratteri .

Figura di spicco della cosiddetta Scuola di Piazza del Popolo, insieme a Mario Schifano, Franco Angeli e Giosetta Fioroni, ha attraversato con originalità il clima della Pop Art italiana, mantenendo sempre un tratto personale e lirico, sospeso tra citazione, memoria e immagine collettiva.

Formazione e primi anni

Nasce a Roma e si forma come fotografo, poi frequenta l’Accademia di Belle Arti nella sezione pittura.

I suoi primi lavori, a cavallo tra astrattismo e surrealismo, mostrano una precoce attenzione per lo spazio, la materia e la struttura dell’immagine.

L’arte come soglia: porte, finestre e citazioni

A partire dagli anni ’60, realizza le sue “finestre” e “porte” dipinte, elementi che diventano simboli di passaggio, soglia, mistero.

Sono oggetti evocativi, volutamente enigmatici, che mettono in scena l’assenza dell’immagine, invitando a pensare la pittura come apertura mentale.

Dialogo con la Pop Art, ma con differenze

Festa viene spesso associato alla Pop Art, ma il suo rapporto con le immagini della cultura di massa è più colto, più malinconico.

Invece della pubblicità o dei fumetti americani, cita Michelangelo, Raffaello, la pittura classica.

Celebre è la serie su la Cappella Sistina, in cui reinterpreta dettagli michelangioleschi in chiave pop: il gesto, il volto, la citazione diventano frammenti sacri nel caos visivo contemporaneo.

Un artista eclettico e inquieto

Festa è un artista di tensione interiore, dalla vita tormentata, ma sempre guidata da una profonda necessità espressiva.

Alterna pittura, fotografia, collage, scrittura poetica e installazione.

Ha anche momenti di ritiro e silenzio creativo, ma poi ritorna con cicli potenti come i “Corpi celesti” e le “Schegge”.

La parola nell’immagine

In molte opere compare la scrittura: titoli dipinti, frasi, nomi propri, parole isolate.

La parola diventa immagine, ritmo, interruzione. Una componente fondamentale nella sua estetica, quasi come in un poema visivo.

Un’arte tra ironia e sacralità

L’eclettismo di Festa si manifesta nella capacità di fondere linguaggi apparentemente opposti: l’ironia e la tragedia, il frammento e l’icona, la cultura alta e l’immaginario popolare.

Anche quando lavora su oggetti o simboli semplici, li carica di un pathos personale, trasformandoli in elementi mitici.

Morte prematura e riscoperta

Muore a soli 49 anni, segnato da anni di sofferenza e fragilità. Dopo la morte, la sua figura è stata a lungo trascurata, ma negli ultimi anni è stato ampiamente rivalutato dalla critica e dal mercato.

Oggi è considerato uno dei più originali interpreti italiani del secondo Novecento, capace di unire concettualismo e visione poetica.

Frase emblematica

“Io non ho fatto arte, ho fatto soltanto poesia visiva.”

In sintesi

Tano Festa è un artista eclettico perché ha saputo spaziare tra linguaggi diversi (pittura, fotografia, installazione, poesia), tematiche complesse (dal mito classico al contemporaneo), e stili contaminati.

La sua opera è fatta di aperture, visioni, citazioni e frammenti, sempre in bilico tra memoria e modernità.

Nato ad Homs, Libia .

E’ stato uno dei protagonisti assoluti della scena artistica italiana del secondo Novecento

Figura eclettica, controversa e potentemente visionaria ha attraversato numerosi linguaggi espressivi, anticipando tendenze e intercettando le nevrosi e le seduzioni della società dei consumi.

Origini e formazione Nato in Libia da genitori italiani, si trasferisce presto a Roma.

Il padre, restauratore al Museo Etrusco di Villa Giulia, influisce sulla sua precoce familiarità con l’arte.

Dopo una breve esperienza come restauratore, Schifano abbandona il mestiere per dedicarsi totalmente alla pittura.

Prime opere e “monocromi” Alla fine degli anni ’50 realizza i famosi monocromi, grandi superfici uniformi che superano l’informale e si collegano al concettualismo e all’astrazione post-pittorica.

Viene subito notato dalla critica, in particolare da Emilio Villa e Pierre Restany.

Anni ’60 il successo e la Pop Art Partecipa alla mitica mostra “Nuove tendenze dell’arte italiana” (1960) e alla Biennale di Venezia (1964).

Si avvicina alla Pop Art, senza copiarla: la sua è una Pop italiana, più lirica e più malinconica.

Compaiono simboli della modernità: Coca-Cola, Esso, paesaggi televisivi, segnali stradali, loghi, palme.

Lavora tra Roma, New York e Parigi, stringendo rapporti con poeti, registi e intellettuali (Pasolini, Moravia, Angeli, Festa).

Televisione, fotografia e sperimentazione Anticipa il concetto di immagine mediatica riciclata: fotografa lo schermo televisivo e lo rielabora sulla tela.

Usa emulsioni fotografiche, smalti, serigrafie, acrilici.

La pittura diventa processo mentale e fisico, contaminato da cinema, musica, pubblicità.

Lavora anche con la pellicola: gira film sperimentali e si interessa al linguaggio del video.

Anni ’70-’80 crisi, ritorni e nuove icone Alterna periodi di isolamento a momenti di intensa produzione.

Rielabora la pittura di paesaggio e cita la storia dell’arte in modo ironico o sentimentale (i “Paesaggi anemici”, le citazioni da De Chirico o Van Gogh).

È prolifico ma discontinuo, spesso al limite dell’autodistruzione (dipendenze, eccessi, isolamento).

Malgrado ciò, il mercato e le gallerie continuano a cercarlo.

Ultimi anni e morte Negli anni ’90 Schifano lavora intensamente, spesso assistito da collaboratori e tecnici.

Continua a usare mezzi tecnologici, emulsioni fotografiche, immagini digitali.

Muore a Roma nel 1998, lasciando un vasto corpus di opere, molte delle quali ancora oggetto di dispute sull’autenticità.

Stile e visione Schifano è un artista ibrido, anticipatore, trasversale.

Ha saputo intuire il potere delle immagini, la crisi della pittura, e il fascino della riproducibilità tecnica, ben prima della digitalizzazione.

È stato postmoderno prima del postmoderno, capace di accogliere contraddizioni, ironia e lirismo in un solo gesto pittorico.

Frasi celebri “La pittura è l’unica cosa che non riesco a smettere di fare.”

Il problema delle opere false attribuite a Mario Schifano è piuttosto noto e ampiamente documentato nel mondo dell’arte.

Alta incidenza di falsi

Schifano, artista prolifico e centrale nella scena italiana del secondo Novecento, è stato spesso oggetto di contraffazioni, anche a causa del valore crescente delle sue opere e della varietà dei media che utilizzava.

Ecco alcuni aspetti importanti

Dopo la sua morte nel 1998, si è registrata un’esplosione di opere sul mercato attribuite a lui, molte delle quali risultate false. L’artista aveva una produzione vasta, ma ciò è stato sfruttato da falsari che hanno imitato il suo stile, specialmente quello più riconoscibile (es. i paesaggi con palme, gli smalti su carta intelata, i cicli televisivi).

Indagini giudiziarie

Diversi sequestri sono stati effettuati dalle forze dell’ordine in Italia, specie tra gli anni 2000 e 2020. La Guardia di Finanza ha smantellato reti di falsari che producevano centinaia di opere Schifano contraffatte. Alcuni falsi erano accompagnati da certificati d’autenticità contraffatti o rilasciati da soggetti privi di autorità legittima.

Certificazione delle opere

Le opere autentiche di Schifano dovrebbero essere accompagnate da certificazioni rilasciate da archivi ufficiali, in particolare: Archivio Mario Schifano (istituito da sua moglie Monica De Cardenas). Fondazione Mario Schifano (nata successivamente, con un’altra linea di gestione). Negli anni ci sono stati conflitti tra archivi sull’autenticità di alcune opere.

Questo ha creato confusione e ambiguità nel mercato, favorendo ulteriormente l’ingresso dei falsi.

Stile imitabile

Schifano utilizzava tecniche come: emulsione fotografica su tela, acrilico, smalto, collage. Opere seriali o prodotte con assistenti, che talvolta firmava successivamente. Alcune opere autentiche appaiono “di mano leggera” o stilisticamente altalenanti, complicando la distinzione tra autentico e falso.

Cosa fare per verificare un’opera

Non affidarti solo alla firma: Schifano firmava in modi molto diversi. Controlla la provenienza: gallerie storiche, collezioni pubbliche o private rinomate. Richiedi perizia tecnico-scientifica: analisi dei pigmenti, supporti, materiali. Rivolgiti all’Archivio ufficiale o a esperti riconosciuti dal mercato.

Red@ Schifano@

Richard von Krafft-Ebing 1840–1902 – è stato un medico psichiatra e neurologo tedesco di origine austriaca, considerato uno dei pionieri nello studio della sessualità umana dal punto di vista medico e psicopatologico.

La sua opera più celebre è “Psychopathia Sexualis” (pubblicata per la prima volta nel 1886), un testo che ebbe un’enorme influenza nello sviluppo della sessuologia e della psichiatria forense.

Cenni biografici

Nascita: 14 agosto 1840, Mannheim, Germania. Morte: 22 dicembre 1902, Graz, Austria.

Studiò medicina a Heidelberg, si specializzò in psichiatria e lavorò in varie cliniche, terminando la carriera come professore all’Università di Graz.

📘 “Psychopathia Sexualis”

È un catalogo di deviazioni sessuali (allora chiamate “perversioni”) come il sadismo, il masochismo, la feticizzazione, la necrofilia, il travestitismo e l’omosessualità.

L’opera fu scritta in latino per alcune parti, nel tentativo di limitare l’accesso ai non-medici.

Krafft-Ebing considerava molte di queste “perversioni” come espressioni patologiche e cercava di inquadrarle come disturbi mentali piuttosto che come reati morali.

Fu il primo a descrivere sistematicamente termini come sadismo e masochismo, traendo ispirazione da Marquis de Sade e Leopold von Sacher-Masoch.

Contributi e contraddizioni

È stato precursore della sessuologia moderna, ma anche espressione di un tempo in cui le differenze sessuali erano medicalizzate e stigmatizzate.

Cercò di decriminalizzare l’omosessualità, sostenendo che fosse una condizione congenita e non una colpa morale — ma la descrisse pur sempre come una “degenerazione”.

La sua opera è vista oggi come ambivalente: innovativa per l’approccio scientifico, ma limitata dai pregiudizi dell’epoca.

Eredità

Krafft-Ebing aprì la strada a studiosi come Havelock Ellis, Magnus Hirschfeld e Sigmund Freud, che approfondirono e in parte riformularono le teorie sulla sessualità. “Psychopathia Sexualis” resta un documento fondamentale per comprendere la nascita della psichiatria sessuale e le sue implicazioni culturali, mediche e giuridiche.

è stato un editore italiano di rilievo, noto per aver fondato nel 1989 la Casa Editrice Palomar a Bari. La sua carriera editoriale è iniziata come agente per la casa editrice Einaudi, e nel tempo è riuscito ad aprire una libreria e a fondare la casa editrice di cui è stato il fondatore. 

Palomar si è distinta per un catalogo ricco e variegato, comprendente circa 500 titoli suddivisi in 23 collane dirette da prestigiosi nomi della cultura italiana. La casa editrice ha cercato di mantenere fede al suo nome, proponendosi come osservatorio per riscoprire e indagare i fermenti nuovi che agitano la società, pubblicando anche classici inediti e saggistica qualificata. 

Gianfranco Cosma è scomparso nel 2011. In suo ricordo, nel maggio 2013, è stato organizzato un incontro pubblico a Palazzo di Città a Bari, con la partecipazione delle sue figlie e di docenti dell’Università Aldo Moro di Bari. 

nato l’8 maggio 1967 a Venezia

E’ un noto attivista italiano, emerso come figura di spicco nel movimento no-global e successivamente impegnato nel soccorso ai migranti nel Mediterraneo.

Attivismo e Movimento No-Global

Casarini ha iniziato la sua attività politica nei centri sociali del Veneto, come il “Pedro” di Padova e il “Rivolta” di Porto Marghera.

È stato uno dei leader delle Tute Bianche, un movimento che praticava la disobbedienza civile indossando tute imbottite bianche per proteggersi durante le manifestazioni.

Nel 2001, il gruppo si è evoluto nei Disobbedienti, partecipando a proteste contro guerre, globalizzazione e politiche migratorie, tra cui le manifestazioni al G8 di Genova. 

Mediterranea Saving Humans e il Caso Mare Jonio

Nel 2018, Casarini ha co-fondato Mediterranea Saving Humans, una piattaforma della società civile che opera con la nave Mare Jonio per monitorare e soccorrere migranti nel Mediterraneo centrale.

L’organizzazione si distingue per la sua natura politica e sociale, unendo diverse realtà laiche e religiose. 

Attualmente, Casarini è imputato in un processo presso il Tribunale di Ragusa, insieme ad altri membri dell’equipaggio della Mare Jonio, per favoreggiamento dell’immigrazione clandestina.

L’accusa riguarda un’operazione del 2020, durante la quale la nave ha trasportato 27 migranti dalla petroliera danese Maersk Etienne a un porto siciliano, dopo che erano rimasti bloccati in mare per oltre un mese.

I pubblici ministeri sostengono che un pagamento di 125.000 euro da parte di Maersk a Idra Social Shipping, proprietaria della Mare Jonio, costituisse un incentivo finanziario; Mediterranea nega l’accusa, definendo il pagamento una donazione trasparente. 

Casarini ha dichiarato che il processo rappresenta un’opportunità per esaminare il comportamento delle autorità che hanno lasciato i migranti in mare. 

Altre Attività e Riconoscimenti

Nel 2008, ha pubblicato il romanzo La parte della Fortuna con Mondadori. 

Nel 2023, è stato invitato come ospite speciale al Sinodo dei Vescovi in Vaticano, su invito personale di Papa Francesco, per condividere la sua esperienza nel soccorso ai migranti. 

Nel 2025, Casarini ha rivelato di essere stato tra le 90 persone informate da WhatsApp di essere state probabilmente bersaglio di spyware militare sviluppato dalla società israeliana Paragon Solutions.

Il software sarebbe stato utilizzato da un cliente governativo non identificato. 

mediterranearescue.org.

avviso “Il testo e le riflessioni contenuti in queste pagine sono parte esclusiva dell’archivio di pierovillani.com. La riproduzione non autorizzata ne altera l’integrità concettuale ed è vietata.”

1935/1988 è stato un pittore italiano autodidatta, noto per la sua arte simbolica e politica, e figura centrale della “Scuola di Piazza del Popolo” insieme a Mario Schifano e Tano Festa.

Biografia

Nato nel quartiere San Lorenzo di Roma da una famiglia di umili origini e tradizione antifascista, Angeli prese il cognome della madre, Erminia, come i suoi fratelli Omero e Otello.

Dopo la morte del padre, iniziò a lavorare fin da giovane per sostenere la famiglia, svolgendo vari mestieri come magazziniere, tappezziere e carrozziere.

Queste esperienze influenzarono profondamente la sua arte, portandolo a utilizzare materiali come tessuti, sagome e ritagli nelle sue opere. 

Carriera artistica

Angeli iniziò a dipingere nel 1957 durante il servizio militare a Orvieto.

Tornato a Roma, frequentò lo studio dello scultore Edgardo Mannucci, dove entrò in contatto con l’opera di Alberto Burri.

Fu influenzato dalle tecniche di Burri, in particolare nell’uso di materiali poveri e combusti, che adottò nelle sue prime opere. 

Nel 1959 espose per la prima volta alla Galleria La Salita di Roma, in una collettiva con Tano Festa e Giuseppe Uncini.

Nel 1960 tenne la sua prima mostra personale nella stessa galleria, presentando opere caratterizzate da veli di pittura a olio e collocazioni di nylon e garze, che evocavano memorie e assenze. 

Stile e temi

L’arte di Angeli è intrisa di simboli politici e sociali, spesso legati a regimi e alla città di Roma.

Utilizzava materiali come garze e veli per coprire le superfici delle tele, rendendo i soggetti appena visibili, come ricordi lontani nel tempo. 

La sua opera “E da una ferita scaturì la bellezza” (1957) è basata sui suoi ricordi del bombardamento di San Lorenzo del 19 luglio 1943.

Angeli descriveva la materia come un frammento della grande ferita che devastò l’Europa, e le sue prime pitture come ferite da cui rimuoveva pezzi di una benda. 

Eredità

Franco Angeli è considerato una figura chiave nell’arte italiana del dopoguerra.

Le sue opere sono presenti in importanti collezioni e musei, e il suo stile ha influenzato numerosi artisti contemporanei.

La sua arte continua a essere oggetto di studi e mostre, sottolineando la sua rilevanza nel panorama artistico italiano.

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Dal 29 maggio al 31 agosto 2025, Palazzo Strozzi a Firenze ospita the hollow men, una mostra site-specific dell’artista italiana Giulia Cenci, curata dal Direttore Generale della Fondazione, Arturo Galansino. L’esposizione inaugura il nuovo Project Space, un ambiente dedicato all’arte emergente e alla sperimentazione contemporanea, accessibile direttamente dal cortile del palazzo. 

Un viaggio tra materia e memoria

Ispirata all’omonima poesia del 1925 di T. S. Eliot, the hollow men esplora la fragilità e le contraddizioni della condizione umana, sospesa tra naturale e artificiale, passato e presente. Cenci trasforma scarti industriali e materiali di recupero in paesaggi post-organici popolati da figure ibride, che sfumano i confini tra umano e animale. 

Tra le opere in mostra, spicca una grande scultura composta da una vite idraulica di Archimede, circondata da figure in alluminio che mescolano elementi anatomici umani, animali e vegetali. Una figura tricefala, irrigidita in una posa interrotta, e una serie di disegni che documentano la fase germinale del processo creativo completano l’allestimento. 

Informazioni pratiche

Date: 29 maggio – 31 agosto 2025 Orari: tutti i giorni 10:00–20:00; giovedì fino alle 23:00 Ingresso: gratuito Luogo: Project Space, Palazzo Strozzi, Piazza degli Strozzi, Firenze

è un sociologo, saggista e docente universitario italiano, noto per i suoi studi sul terrorismo e per le sue frequenti apparizioni televisive in programmi come PiazzaPulita e #Cartabianca.

Biografia e carriera accademica

Nato a Napoli il 14 aprile 1975, Orsini si è laureato in Sociologia presso l’Università La Sapienza di Roma e ha conseguito un dottorato presso l’Università Roma Tre.

Attualmente è professore associato nel Dipartimento di Scienze Politiche della LUISS Guido Carli, dove insegna Sociologia generale e Sociology of Terrorism and Political Violence. 

Ha fondato e diretto l’Osservatorio sulla Sicurezza Internazionale della LUISS e il quotidiano Sicurezza Internazionale dal 2016 al 2022. 

È stato anche research affiliate presso il Center for International Studies del Massachusetts Institute of Technology (MIT) dal 2011 al 2022. 

Pubblicazioni principali

Orsini ha scritto numerosi saggi e libri, tra cui:

Anatomia delle Brigate Rosse (Rubbettino, 2009), tradotto in inglese da Cornell University Press. Gramsci e Turati : le due sinistre (Rubbettino, 2012). ISIS : I terroristi più fortunati del mondo e tutto ciò che è stato fatto per favorirli (Rizzoli, 2016). Teoria Sociologica Classica e Contemporanea (UTET, 2021).

Le sue opere si concentrano sull’analisi ideologica del terrorismo e dei movimenti radicali, con un approccio sociologico e storico.

Attività di ricerca e consulenze

Orsini ha coordinato progetti di studio su conflitti in Siria, Iraq, Ucraina, Libia, Yemen, Somalia ed Etiopia. È stato invitato a presentare analisi e relazioni da istituzioni come la Presidenza del Consiglio, il Ministero degli Esteri, il Ministero della Difesa e il Parlamento Italiano. 

È diventato un volto noto al grande pubblico televisivo a partire dagli anni 2010, nel periodo che ha visto l’Europa teatro di attacchi terroristici (Parigi, Bruxelles).

Un nuovo periodo di notorietà mediatica è arrivato a partire dal febbraio 2022, dopo l’invasione dell’Ucraina da parte della Russia. 

Presenza mediatica e controversie

Vita privata

Nonostante la sua visibilità pubblica, Orsini mantiene una certa riservatezza sulla sua vita privata. 

Corrado Augias è una figura di spicco nel panorama culturale italiano: giornalista, scrittore, conduttore televisivo e politico. Nato a Roma il 26 gennaio 1935, ha origini francesi e sarde. Suo padre, Carlo Augias, era un ufficiale della Regia Aeronautica, mentre la nonna materna era ebrea. È stato battezzato cattolico, religione condivisa da entrambi i genitori. 

Carriera giornalistica

Augias ha iniziato la sua carriera in Rai nel 1960 come funzionario. Negli anni successivi, è stato corrispondente da New York e Parigi per testate come L’Espresso, Panorama e La Repubblica. Dal 2001 al 2021, ha curato la rubrica delle lettere dei lettori su La Repubblica, rispondendo a quasi seimila missive su temi quali la laicità, l’etica e i diritti civili. 

Attività televisiva

In televisione, Augias è noto per aver ideato e condotto programmi di successo come Telefono giallo (dal 1987), Babele e Città segrete (2018–2023), quest’ultimo dedicato alla scoperta di città come Parigi, Londra e Roma attraverso storie, arte e personaggi celebri. 

Opere letterarie

Come scrittore, ha pubblicato romanzi e saggi di grande impatto. Tra i suoi romanzi si annoverano Quel treno da Vienna, Il fazzoletto azzurro e Tre colonne in cronaca, quest’ultimo scritto con la moglie Daniela Pasti e adattato in un film nel 1990. 

Tra i suoi saggi più noti figurano I segreti di Londra, I segreti del Vaticano e La vita s’impara, un’autobiografia che intreccia la sua storia personale con quella dell’Italia del Novecento. 

Impegno civile e politico

Augias è stato membro del Parlamento Europeo dal 1994 al 1999 per il Partito Democratico della Sinistra. Si è sempre dichiarato ateo e ha sostenuto attivamente campagne per i diritti civili, come quella per la legalizzazione dell’eutanasia, collaborando con l’Associazione Luca Coscioni. 

Vita privata

È sposato con Daniela Pasti, con la quale ha avuto una figlia, Natalia Augias, giornalista Rai. 

Corrado Augias continua a essere una voce autorevole nel dibattito culturale e civile italiano, apprezzato per la sua capacità di coniugare rigore intellettuale e divulgazione accessibile.

avviso “Il testo e le riflessioni contenuti in queste pagine sono parte esclusiva dell’archivio di pierovillani.com. La riproduzione non autorizzata ne altera l’integrità concettuale ed è vietata.”

nato il 23 settembre 1934 a Monfalcone

è uno dei più importanti cantautori italiani.

È famoso per canzoni che sono diventate veri e propri classici della musica italiana, come “Il cielo in una stanza”, “Sapore di sale”, “Senza fine”, “Che cosa c’è” e “Quattro amici al bar”.

Gli inizi e la carriera

Paoli si trasferì da giovane a Genova, dove entrò a far parte della celebre “Scuola Genovese” insieme ad altri grandi artisti come Luigi Tenco, Bruno Lauzi e Fabrizio De André.

Firmò il suo primo contratto discografico nel 1959, ma il successo arrivò nel 1960 con la canzone “Il cielo in una stanza”, che ancora oggi è considerata un pilastro della musica leggera italiana.

Carriera e collaborazioni

Ha partecipato al Festival di Sanremo in cinque occasioni.

Ha collaborato spesso con Ornella Vanoni, con cui ha realizzato tour e album dal vivo di grande successo.

Ha scritto canzoni anche per altri artisti, adattando brani di autori francesi come Jacques Brel e Léo Ferré.

Impegno politico

Nel 1987 è stato eletto alla Camera dei Deputati con il Partito Comunista Italiano, pur non essendo formalmente un iscritto al partito.

Ha fatto parte del gruppo dei Sinistra Indipendente fino al 1992, quando è tornato a dedicarsi completamente alla musica.

Vita privata e ultimi anni

Paoli è stato sposato due volte e ha avuto quattro figli.

Nel 2023 ha pubblicato le sue memorie intitolate Cosa farò da grande.

I miei primi 90 anni, in cui racconta la sua lunga carriera e la sua vita.

Alcuni riconoscimenti

Premio Tenco (1974) Miglior testo al Festival di Sanremo (2002) Premio alla carriera al Festival di Sanremo (2004) Riccio d’Argento come miglior autore italiano (2005)

ginopaoli.it.

avviso “Il testo e le riflessioni contenuti in queste pagine sono parte esclusiva dell’archivio di pierovillani.com. La riproduzione non autorizzata ne altera l’integrità concettuale ed è vietata.”

E’ stato un cantautore, compositore e cabarettista italiano, considerato una delle figure di spicco della cosiddetta “scuola genovese” dei cantautori, insieme a Luigi Tenco, Gino Paoli, Umberto Bindi e Fabrizio De André .

Biografia

Nato ad Asmara, nell’allora colonia italiana d’Eritrea, Lauzi si trasferì a Genova in giovane età.

Durante gli anni ’50 frequentò il liceo Andrea Doria, dove fu compagno di banco di Luigi Tenco.

In quegli anni, insieme a Tenco, Paoli e Bindi, formò un gruppo musicale ispirato al jazz .

La sua carriera musicale iniziò nei primi anni ’60, con la scrittura di canzoni per altri artisti, tra cui Mia Martini e Ornella Vanoni.

Il suo primo grande successo come interprete arrivò nel 1963 con il brano “Ritornerai”, che divenne uno dei suoi pezzi più iconici .

Nel corso della sua carriera, Lauzi pubblicò numerosi album e scrisse canzoni per altri artisti, consolidando la sua reputazione nel panorama musicale italiano .

Successi principali

“Ritornerai” (1963): Il suo primo grande successo come interprete, che divenne uno dei suoi pezzi più iconici . “Amore caro amore bello” (1972): Un brano romantico che ha riscosso un grande successo in Italia. “Onda su onda” (1974): Un altro dei suoi successi più noti, che ha consolidato la sua popolarità. “Genova per noi” (1975): Un omaggio alla sua città natale, che è diventato un inno per molti genovesi.

Altre attività

Oltre alla musica, Lauzi si dedicò anche alla scrittura.

Pubblicò opere in prosa, come Il caso del pompelmo levigato (2005), e raccolte di poesie, tra cui I mari interni (1994) e Versi facili (1999) .

Riconoscimenti

Nel 2006, poco prima della sua morte, Lauzi ricevette il Premio Tenco alla Carriera, un riconoscimento importante per la sua lunga e significativa carriera musicale .

Morte

Bruno Lauzi morì il 24 ottobre 2006 a Peschiera Borromeo, in Lombardia, all’età di 69 anni, a causa di un cancro al fegato, dopo aver combattuto contro il morbo di Parkinson .

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è una nota showgirl, conduttrice televisiva, cantante e attrice italiana, nata a Roma il 23 dicembre 1966.

Con un’altezza di 1,77 metri, ha costruito una carriera poliedrica nel mondo dello spettacolo italiano.

Carriera televisiva

Orlando ha debuttato in televisione nel 1993 come valletta nel programma “Sì o no?” su Canale 5, condotto da Claudio Lippi.

Successivamente, ha partecipato a numerosi programmi televisivi, tra cui “Scommettiamo che…?” su Rai 1, “TG Rosa” su Odeon TV e “Il Boom” su Canale 5.

La sua popolarità è cresciuta grazie alla conduzione di “I fatti vostri” su Rai 2 dal 1997 al 2003, con ritorni nel 2015 e nel 2017.

Ha inoltre partecipato a programmi come “Il lotto alle otto”, “Piazza Grande”, “Unomattina in famiglia” e “Buon pomeriggio” su Telenorba.

Nel 2020, ha preso parte come concorrente al reality show “Grande Fratello VIP” su Canale 5. 

Carriera musicale

Parallelamente alla televisione, Stefania Orlando ha intrapreso una carriera musicale.

Nel 2005, ha iniziato a esibirsi con la band “Sex Machine Band” e successivamente ha formato il gruppo “Orlando Furiosi”.

Ha debuttato come solista nel 2007 con il singolo “Sotto la luna”, seguito da “Marimbabà” nel 2008.

Nel 2009, ha pubblicato il suo primo album “Su e giù”. Altri singoli includono “Crazy Dance”, “A Troia”, “Frappé”, “Vita bastarda”, “Omologazione”, “Legami al letto”, “Babilonia” e “Bandolero”. 

Attività teatrale e cinematografica

Nel teatro, Orlando ha recitato in spettacoli come “Isso, esso e ’a Mala Femmena” e “Ragioné voi dovete ragionà”, entrambi diretti da Vittorio Marsiglia.

Al cinema, ha avuto un cameo nel film “Fantozzi 2000 – La clonazione” (1999) e ha recitato nel film indipendente “Nuovo ordine mondiale” (2015).

In televisione, è apparsa in un episodio della serie “Don Matteo” e ha avuto un ruolo nella soap opera “Il paradiso delle signore” nel 2019. 

Vita privata

Stefania Orlando è figlia di Pietro Romano Orlando, magistrato e professore universitario, e di Annamaria.

Ha due fratelli maggiori: Gianni, artista residente a Parigi, e Fabio Massimo, avvocato.

Nel 1997, ha sposato l’attore Andrea Roncato, da cui si è separata due anni dopo. Successivamente, ha avuto una relazione con Paolo Macedonio.

Nel 2008, ha iniziato una relazione con il musicista Simone Gianlorenzi, con cui si è sposata nel 2019; la coppia si è separata nel 2022.

Attualmente, è legata sentimentalmente a Marco Zechini. 

Stefania Orlando continua a essere una figura di spicco nel panorama dello spettacolo italiano, distinguendosi per la sua versatilità e il suo impegno in diversi ambiti artistici.

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Jannik Sinner è un tennista italiano nato il 16 agosto 2001 a San Candido, in Alto Adige.

Attualmente è il numero 1 del mondo nel ranking ATP, diventando il primo italiano a raggiungere questa posizione, traguardo ottenuto il 10 giugno 2024. 

Carriera e Successi

Titoli del Grande Slam: Sinner ha vinto tre titoli del Grande Slam: l’Australian Open nel 2024 e 2025, e lo US Open nel 2024.  Altri Titoli Importanti: Ha conquistato le ATP Finals nel 2024 e quattro titoli Masters 1000, tra cui il Miami Open nel 2024.  Coppa Davis: Ha guidato l’Italia alla vittoria della Coppa Davis nel 2023 e 2024.

Stile di Gioco e Formazione

Sinner è noto per il suo potente gioco da fondo campo e per la sua solidità mentale. È allenato da Simone Vagnozzi e Darren Cahill, e ha iniziato a giocare a tennis all’età di 7 anni, dopo una promettente carriera nello sci alpino. 

Attualità

Al Roland Garros 2025, Sinner ha raggiunto il terzo turno dopo aver sconfitto Richard Gasquet con un netto 6-3, 6-0, 6-4, chiudendo la carriera del tennista francese. Con questa vittoria, Sinner ha esteso la sua striscia di vittorie nei tornei del Grande Slam a 16 partite consecutive, un record per un giocatore nato dopo il 1990. 

Curiosità

Parla fluentemente italiano, tedesco e inglese.  Ha lasciato la sua città natale a 13 anni per allenarsi a Bordighera, in Liguria.  È soprannominato “The Fox” per la sua astuzia in campo. 

Lea Pericoli è stata una figura emblematica del tennis italiano e un’icona di stile, la cui carriera ha attraversato decenni di successi sportivi e innovazioni culturali.

Nata a Milano il 22 marzo 1935, ha trascorso l’infanzia in Etiopia e ha iniziato a giocare a tennis durante gli studi in Kenya.

Rientrata in Italia a 17 anni, ha intrapreso una carriera sportiva che l’ha portata ai vertici del tennis nazionale e internazionale.

Carriera sportiva

Pericoli ha dominato il tennis italiano tra gli anni ’50 e ’70, conquistando 27 titoli nazionali assoluti in singolare, doppio e doppio misto, un record ancora imbattuto.

È stata la numero uno d’Italia per 14 anni consecutivi, dal 1959 al 1976.

A livello internazionale, ha raggiunto gli ottavi di finale al Roland Garros in quattro occasioni (1955, 1960, 1964 e 1971) e a Wimbledon tre volte (1965, 1967 e 1970).

In doppio, ha disputato cinque finali agli Internazionali d’Italia in coppia con Silvana Lazzarino e ha raggiunto le semifinali al Roland Garros sia nel doppio femminile che nel doppio misto.

Ha rappresentato l’Italia nella Fed Cup (oggi Billie Jean King Cup) fin dalla sua prima edizione nel 1963, disputando 30 incontri e ottenendo 15 vittorie complessive. 

Icona di stile

Oltre ai successi sportivi, Lea Pericoli è ricordata per il suo stile audace e innovativo.

Collaborando con il celebre stilista Ted Tinling, ha indossato outfit che hanno fatto storia, come abiti ornati di piume, pizzi e pellicce, sfoggiati soprattutto a Wimbledon.

Queste scelte stilistiche l’hanno resa una figura di spicco non solo nel tennis, ma anche nel mondo della moda.

Il giornalista Gianni Clerici la soprannominò “La Divina” per la sua eleganza e carisma. 

Vita dopo il tennis

Dopo il ritiro dalle competizioni, Pericoli ha intrapreso una carriera nel giornalismo e nella televisione.

Ha esordito come giornalista su “Il Giornale” nel 1974 e ha condotto programmi televisivi come “Paroliamo” su Telemontecarlo e “Caccia al tesoro” sulla Rai.

È stata anche direttrice del torneo degli Internazionali d’Italia e promotrice di iniziative per la prevenzione e la cura dei tumori. 

Riconoscimenti

Nel 2007, la ITF le ha conferito il Fed Cup Award of Excellence per il suo contributo al tennis.

Nel 2015, è stata inserita nella Walk of Fame dello sport italiano al Foro Italico di Roma, un riconoscimento riservato ai più grandi atleti della storia italiana. 

Scomparsa e tributi

Lea Pericoli è scomparsa il 4 ottobre 2024 a Milano, all’età di 89 anni. Il mondo del tennis ha reso omaggio alla sua figura leggendaria; il presidente della Federazione Italiana Tennis e Padel, Angelo Binaghi, l’ha descritta come “una madre per tutti noi”.

Anche il tennista Jannik Sinner ha ricordato con affetto un incontro con lei, definendola “una grande signora e leggenda del tennis italiano”. 

1908/1991

è stato uno dei più influenti filosofi italiani del XX secolo, noto per il suo impegno nel coniugare scienza, filosofia e politica.

Biografia e formazione

Geymonat si laureò in filosofia nel 1930 e in matematica nel 1932 presso l’Università di Torino.

Durante il regime fascista, aderì al marxismo e fu parte del gruppo di intellettuali torinesi legati all’editore Giulio Einaudi.

Dopo la guerra, divenne professore all’Università di Milano, dove insegnò filosofia della scienza e svolse un ruolo chiave nella diffusione dell’epistemologia in Italia. 

Pensiero filosofico

Il pensiero di Geymonat si sviluppò in due fasi principali. Inizialmente, fu influenzato dal neopositivismo e dal Circolo di Vienna, che reinterpretò attraverso la lente del marxismo.

Successivamente, si orientò verso un approccio più critico e dialettico, integrando elementi del materialismo storico.

Fu un sostenitore del “neoilluminismo”, una corrente che mirava a umanizzare la scienza e a storicizzare la filosofia, opponendosi a ogni forma di dogmatismo. 

Geymonat fu anche un critico dell’epistemologia di Karl Popper, che considerava incompatibile con il marxismo.

Introdusse in Italia le opere di Thomas Kuhn, contribuendo al dibattito filosofico sulla scienza. 

Opere principali

Tra le sue opere più significative:

“Storia del pensiero filosofico e scientifico”: una serie di volumi che tracciano l’evoluzione del pensiero filosofico e scientifico dall’antichità al Novecento. “Galileo Galilei”: un’analisi della figura di Galileo e del suo ruolo nella storia della scienza. “Filosofia e filosofia della scienza”: un’opera che esplora il rapporto tra filosofia e scienza. 

“Riflessioni critiche su Kuhn e Popper”: una critica alle teorie epistemologiche di Kuhn e Popper.

Impegno politico e culturale

Politicamente, Geymonat fu inizialmente vicino al Partito Comunista Italiano, ma successivamente aderì a Democrazia Proletaria e contribuì alla fondazione del Partito della Rifondazione Comunista.

Partecipò attivamente alla vita culturale italiana, promuovendo la filosofia della scienza e contribuendo alla formazione di una cultura scientifica critica. 

Ludovico Geymonat è ricordato come un pensatore che ha saputo integrare rigore scientifico, profondità filosofica e impegno politico, lasciando un’impronta duratura nella cultura italiana.

Fabrizio Franceschelli è un regista e sceneggiatore televisivo italiano con una lunga carriera nella RAI, iniziata nel 1976. Originario di Chieti, ha studiato presso il Liceo Classico Giambattista Vico e si è laureato in Storia e Scienze Umane. Nel corso degli anni, ha collaborato con diverse sedi della RAI, tra cui Rai 3 e Rai Educational, realizzando documentari e servizi giornalistici che esplorano la storia, la cultura e le tradizioni dell’Abruzzo.

Uno dei suoi lavori più noti è la collaborazione con la trasmissione “Chi l’ha visto?” su Rai 3, iniziata nel 1994, dove ha realizzato quasi 300 servizi come inviato di Federica Sciarelli, distinguendosi per la capacità di far emergere gli aspetti umani e sociali delle storie trattate. 

Insieme alla moglie Anna Cavasinni, anch’essa regista, ha prodotto numerosi documentari storici, tra cui “La guerra in casa”, una serie trasmessa su Rai Storia che racconta la Seconda Guerra Mondiale attraverso testimonianze locali. Il loro ultimo lavoro, “La Vittoria di Monte Marrone”, è andato in onda su Rai Storia nell’aprile 2024 ed è disponibile su RaiPlay. 

Franceschelli ha ricevuto oltre 40 premi di Qualità del Ministero del Turismo e dello Spettacolo per i suoi cortometraggi in 35mm, distribuiti nelle sale cinematografiche tra il 1979 e il 1992. 

Per ulteriori informazioni sulla sua carriera e i suoi progetti, è possibile visitare il suo profilo LinkedIn. 

è stata una pittrice, poetessa e personaggio iconico della scena artistica e mondana italiana del Novecento. Conosciuta non solo per la sua attività pittorica ma anche per il suo stile eccentrico e inconfondibile, Parigini ha saputo fondere arte e vita in un modo profondamente personale.

Biografia essenziale

Nata a Chiusi nel 1921, si trasferì giovanissima a Roma, dove frequentò l’Accademia di Belle Arti. La sua carriera decollò negli anni Cinquanta e Sessanta, un periodo in cui diventò celebre non solo per le sue opere, ma anche per la sua presenza nei salotti culturali e nei luoghi simbolo della Dolce Vita romana.

Stile e poetica

Lo stile pittorico di Novella Parigini è riconoscibile per l’uso di colori accesi, figure femminili dai tratti onirici e un certo lirismo fiabesco. Le sue opere sono spesso popolate da giovani donne dagli occhi grandi e sognanti, immerse in paesaggi irreali o ambientazioni floreali. Le tematiche ricorrenti sono l’amore, l’infanzia, la femminilità, trattate con un tono a volte malinconico, a volte gioioso.

Oltre alla pittura, Parigini scriveva poesie e testi che accompagnavano spesso le sue opere, contribuendo a creare un universo poetico coerente e distintivo.

L’immagine pubblica

Novella Parigini fu anche un personaggio mediatico: famosa per i suoi abiti sgargianti, il trucco teatrale, i cappelli vistosi e l’inseparabile barboncino. Partecipò a numerosi programmi televisivi e amava sfilare sui red carpet con la stessa teatralità che metteva nei suoi quadri. Fu anche musa per fotografi e stilisti.

L’eredità

Sebbene a lungo guardata con un certo snobismo dalla critica ufficiale, negli ultimi anni si è assistito a una rivalutazione del suo lavoro, anche grazie all’interesse per le figure eccentriche e anticonformiste del passato. La sua arte è oggi considerata parte di un filone importante della cultura visiva italiana del dopoguerra, che ha saputo coniugare popolarità, poesia e autobiografia.

Red@

Parigini@

Roma@

Astana è la capitale del Kazakistan, situata nel nord del paese sulle rive del fiume Ishim. Con una popolazione di oltre 1,4 milioni di abitanti, è la seconda città più popolosa del Kazakistan dopo Almaty .

Storia e sviluppo

Fondata nel 1830 come fortezza cosacca con il nome di Akmolinsk, la città ha subito diversi cambiamenti di nome nel corso della sua storia: Tselinograd durante l’epoca sovietica, Akmola dopo l’indipendenza, e infine Astana nel 1998, quando è diventata ufficialmente la capitale del Kazakistan . Tra il 2019 e il 2022, la città è stata rinominata Nur-Sultan in onore del primo presidente del paese, Nursultan Nazarbayev, per poi tornare al nome Astana nel 2022 .

Architettura e attrazioni principali

Astana è rinomata per la sua architettura moderna e futuristica, frutto di un ambizioso piano urbanistico post-indipendenza. Tra le principali attrazioni:

Torre Baiterek: simbolo della città, rappresenta l’albero della vita della mitologia kazaka ed è alta 105 metri. Dalla sua piattaforma panoramica si gode una vista a 360° sulla città . Khan Shatyr: un centro commerciale e di intrattenimento unico al mondo, ospitato all’interno di una gigantesca tenda trasparente alta 150 metri, progettata dallo studio Foster + Partners . Palazzo della Pace e della Riconciliazione: una piramide di vetro e acciaio alta 77 metri, anch’essa progettata da Foster + Partners, che ospita eventi culturali e religiosi internazionali . Moschea Hazret Sultan: una delle più grandi moschee dell’Asia centrale, inaugurata nel 2012, con un’architettura imponente e decorazioni elaborate . Kazakhstan Central Concert Hall: una sala da concerto progettata dall’architetto italiano Manfredi Nicoletti, caratterizzata da una forma che richiama i petali di un fiore e da un’acustica avanzata .

Clima e consigli di viaggio

Astana ha un clima continentale estremo, con inverni molto freddi e ventosi, e estati calde e secche. Le temperature invernali possono scendere fino a -35 °C, rendendola la seconda capitale più fredda del mondo dopo Ulaanbaatar, in Mongolia . Per questo motivo, è consigliabile visitare la città durante la primavera o l’estate, quando il clima è più mite.

Come arrivare

Astana è ben collegata grazie al Nursultan Nazarbayev International Airport, situato a circa 17 km dal centro città, che offre voli nazionali e internazionali. La città è anche un importante nodo ferroviario e stradale, facilmente raggiungibile da altre città kazake come Almaty .

Astana rappresenta un esempio affascinante di città moderna emersa nel cuore della steppa eurasiatica, simbolo del Kazakistan indipendente e della sua visione per il futuro.

1901/1999

è stato un pittore, scenografo e docente italiano, tra le figure centrali dell’arte moderna del Novecento.

Nato a Genova, si trasferì a Torino nel 1911, dove intraprese inizialmente studi in economia e giurisprudenza, ma presto la sua vera vocazione lo condusse verso l’arte.

Nel 1928 visse a Parigi per circa un anno, entrando in contatto diretto con le opere di Matisse, Dufy e Braque.

Questo soggiorno parigino fu decisivo per la formazione del suo stile, caratterizzato da un uso audace e lirico del colore, e da una libertà espressiva ispirata al fauvismo e al post-impressionismo francese.

Nel 1929, al suo ritorno a Torino, fu tra i fondatori del Gruppo dei Sei Pittori di Torino, insieme a Jessie Boswell, Gigi Chessa, Nicola Galante, Carlo Levi e Francesco Menzio.

Nel 1940 Paulucci divenne professore di pittura all’Accademia Albertina di Torino, di cui fu anche direttore dal 1954.

Il gruppo, sostenuto dal critico Lionello Venturi, rappresentava una risposta modernista e anti-fascista alle tendenze ufficiali del regime, come il Futurismo e il Novecento Italiano.

La loro pittura cercava la verità interiore dell’immagine, svincolata da ogni dogma ideologico o accademico.

Il suo insegnamento si basava sull’idea di una pittura libera, personale, aperta alla modernità ma sempre attenta alla qualità poetica dell’immagine.

Accanto all’attività pittorica, Paulucci si dedicò anche alla scenografia teatrale, collaborando con registi come Giorgio Strehler e Mario Soldati, e lavorando per teatri di prestigio come il Teatro La Fenice di Venezia.

La sua opera si concentra su paesaggi, nature morte e marine, spesso realizzati con olio, gouache e tecniche grafiche.

I suoi quadri colpiscono per la loro forza emotiva e l’equilibrio tra istinto e costruzione formale.

Enrico Paulucci ha partecipato a numerose edizioni della Biennale di Venezia e le sue opere si trovano in importanti collezioni pubbliche e private.

È ricordato come un artista che ha saputo coniugare l’amore per la pittura con un profondo senso etico e civile, restando sempre fedele a una visione libera dell’arte.

è un artista italiano nato il 29 agosto 1941 a Mosso Santa Maria, in provincia di Biella.

È noto per la sua produzione eclettica che abbraccia pittura, scultura, cinema sperimentale, arti applicate e design.

Il suo stile è caratterizzato da ironia, colore vivace e un approccio giocoso all’arte.

Formazione e primi anni

Dopo essersi trasferito a Torino, Nespolo ha studiato pittura all’Accademia Albertina di Belle Arti con Enrico Paulucci e si è laureato in Lettere Moderne all’Università di Torino, con una tesi in semiologia .

Negli anni Sessanta ha debuttato sulla scena artistica italiana, influenzato dalla Pop Art americana, dall’Arte Concettuale, dall’Arte Povera e dal movimento Fluxus .

Cinema sperimentale

A partire dal 1966, Nespolo ha realizzato numerosi cortometraggi sperimentali, coinvolgendo artisti come Lucio Fontana, Enrico Baj, Michelangelo Pistoletto e Allen Ginsberg.

Le sue opere cinematografiche sono state proiettate in istituzioni prestigiose come il Centre Pompidou di Parigi, il Philadelphia Museum of Art e la Biennale di Venezia .

Arti applicate e design

Negli anni Ottanta, Nespolo ha ampliato la sua attività artistica includendo ceramiche, vetri soffiati, manifesti e campagne pubblicitarie per marchi come Campari e Azzurra .

Ha anche collaborato con la Vetreria muranese Barovier & Toso e ha assunto la direzione artistica di Richard Ginori .

Progetti pubblici e incarichi istituzionali

Nel 2002, Nespolo è stato nominato coordinatore artistico della Metropolitana di Torino, contribuendo alla realizzazione di un “museo sotterraneo di arte moderna” con incisioni e immagini decorative nelle stazioni .

Nel 2007 ha disegnato il Drappellone per il Palio di Siena e, nello stesso anno, è diventato presidente del Museo Nazionale del Cinema di Torino, incarico mantenuto fino al 2014 .

Opere monumentali

Tra le sue opere pubbliche più note vi è il “Monumento Nespolo”, installato nel 1998 a San Benedetto del Tronto.

La scultura, alta sette metri e realizzata in acciaio dipinto, incorpora versi di Dino Campana e rappresenta una critica ironica al mondo del lavoro .

Stile e riconoscimenti

L’arte di Nespolo è riconoscibile per l’uso di colori vivaci, forme geometriche e un approccio ludico.

Ha ricevuto numerosi riconoscimenti e ha esposto le sue opere in musei e gallerie internazionali, consolidando la sua posizione come figura di spicco dell’arte contemporanea italiana.

www.nespolo.comunque.com

è una figura complessa della storia economica e politica tedesca del XX secolo, spesso definito come “il banchiere di Hitler” per il ruolo che ricoprì nella Germania nazista.

Tuttavia, il suo rapporto con il regime fu articolato e, col tempo, sempre più critico.

Chi era Hjalmar Schacht?

Hjalmar Horace Greeley Schacht (1877–1970) fu un economista e banchiere tedesco, presidente della Reichsbank (la banca centrale tedesca) e poi ministro dell’Economia sotto il regime nazista.

Prima ancora, si era distinto come tecnico brillante già durante la Repubblica di Weimar.

Il ruolo negli anni ’20: il salvatore del marco

Negli anni immediatamente successivi alla Prima guerra mondiale, la Germania fu colpita da una devastante iperinflazione.

Schacht divenne famoso per il suo intervento nel 1923-24, quando contribuì alla stabilizzazione del marco attraverso l’introduzione del Rentenmark, guadagnandosi grande stima internazionale.

Nel 1924 fu nominato presidente della Reichsbank.

L’ascesa del nazismo e la collaborazione con Hitler

Nel 1933, con l’ascesa al potere di Adolf Hitler, Schacht tornò alla guida della Reichsbank e fu nominato Ministro dell’Economia nel 1934.

Fu lui l’architetto della ripresa economica della Germania nei primi anni del regime nazista.

Le sue misure inclusero:

Programmi di lavori pubblici (come l’autostrada, Autobahn), Finanziamenti indiretti al riarmo tedesco, mascherati con ingegnose tecniche contabili (i cosiddetti “Mefo-Wechsel”), Controllo sui movimenti di capitale e sul commercio estero.

Schacht non era un nazista in senso ideologico, ma vide in Hitler uno strumento per riportare potenza e stabilità alla Germania.

Il distacco da Hitler

Dal 1936 in poi, Schacht cominciò a prendere le distanze dalla politica economica aggressiva e sempre più militarizzata del regime.

Era contrario al deficit cronico causato dal riarmo e ai metodi autoritari di gestione economica introdotti da Hermann Göring con il “Piano quadriennale”.

Nel 1939 fu costretto a lasciare sia la Reichsbank che il governo.

Anche se non fu mai attivamente coinvolto nella resistenza, Schacht ebbe contatti con ambienti conservatori ostili a Hitler, e fu brevemente arrestato dopo il fallito attentato del 20 luglio 1944.

Dopo la guerra

Schacht fu arrestato dagli Alleati e processato a Norimberga, ma fu assolto nel 1946, in quanto non ritenuto partecipe diretto dei crimini di guerra o contro l’umanità.

In seguito, lavorò come consulente economico e scrisse diverse memorie.

In sintesi

Tecnocrate e patriota, Schacht fu fondamentale nel risollevare l’economia tedesca due volte: dopo la Prima guerra mondiale e nei primi anni del nazismo.

Complice tecnico ma non ideologico del Terzo Reich, contribuì al suo consolidamento, ma se ne distaccò prima dello scoppio della Seconda guerra mondiale.

La sua figura resta ambigua: da un lato il genio finanziario, dall’altro il complice involontario (o parzialmente consapevole) di un regime totalitario.

Nato a Roma nel 1969, è noto sia per la sua carriera nel mondo della finanza sia per la sua attività letteraria e nel campo dell’intrattenimento.

Carriera

Brera ha cominciato la sua carriera nella finanza negli anni ’90, diventando uno dei fondatori del gruppo Kairos Partners, una società di gestione patrimoniale con sede a Milano. È conosciuto per la sua capacità di coniugare visione economica e analisi culturale, diventando una figura pubblica riconosciuta anche al di fuori del mondo finanziario.

Attività letteraria e mediatica

Guido Maria Brera è autore di diversi libri, tra cui:

“I diavoli” (2014): un romanzo che racconta la crisi finanziaria europea attraverso gli occhi di un insider della City di Londra. Il libro ha avuto un forte impatto e ha ispirato una serie televisiva omonima, Diavoli, prodotta da Sky, con protagonisti Patrick Dempsey e Alessandro Borghi. “La fine del tempo” (2023): un’opera che affronta i temi del cambiamento climatico, delle disuguaglianze sociali e della transizione energetica, mostrando l’intersezione tra economia, finanza e sostenibilità.

Brera è anche co-fondatore della piattaforma culturale The New Institute for the Future, che si occupa di esplorare i grandi cambiamenti sociali e culturali del nostro tempo.

Vita privata

È sposato con la conduttrice televisiva Caterina Balivo, con cui ha figli. È noto per un’immagine pubblica che mescola rigore professionale e riflessione critica sul sistema finanziario globale.

Pensiero

Brera è tra le voci italiane più attive nel promuovere una riflessione etica sulla finanza. Nei suoi scritti e nelle interviste denuncia spesso le derive speculative del capitalismo contemporaneo, auspicando una transizione verso modelli più sostenibili ed equi.

è comunemente conosciuto come Stormont, dal nome del quartiere orientale di Belfast in cui si trova l’edificio che lo ospita.

È la sede dell’Assemblea dell’Irlanda del Nord (Northern Ireland Assembly), l’organo legislativo devoluto responsabile per una serie di materie interne alla regione, tra cui sanità, istruzione, agricoltura e giustizia.

Breve panoramica storica

Costruzione

L’edificio di Stormont è stato completato nel 1932 e originariamente ospitava il Parlamento dell’Irlanda del Nord, istituito nel 1921 dopo la suddivisione dell’isola d’Irlanda.

Sospensione

Il parlamento fu sospeso nel 1972, in seguito al peggioramento della situazione politica e alla crescente violenza durante i Troubles.

Rinascita

Dopo gli Accordi del Venerdì Santo (Good Friday Agreement) del 1998, fu istituita una nuova Assemblea con poteri devoluti da Westminster (il Parlamento del Regno Unito).

Funzioni principali

L’Assemblea di Stormont

Legifera su materie devolute (non riservate a Westminster) Elegge il Primo Ministro e il Vice Primo Ministro Supervisiona il lavoro dei ministeri nordirlandesi

Architettura

L’edificio è noto per la sua maestosa facciata neoclassica e la lunga Prince of Wales Avenue, una strada alberata che conduce al parlamento.

All’interno ospita le aule dell’assemblea, gli uffici dei ministri e spazi per eventi ufficiali.

Crisi politiche ricorrenti

Stormont ha vissuto vari periodi di sospensione delle attività dovuti a tensioni politiche tra i partiti unionisti e nazionalisti.

Questi momenti riflettono la complessità della governance condivisa prevista dagli accordi di pace.

avviso “Il testo e le riflessioni contenuti in queste pagine sono parte esclusiva dell’archivio di pierovillani.com. La riproduzione non autorizzata ne altera l’integrità concettuale ed è vietata.”

situato nella frazione omonima del comune di Cassano all’Ionio (CS), è uno dei siti più significativi della Magna Grecia.

Fondato nel 720 a.C. da coloni achei, Sibari divenne una delle città più ricche e influenti dell’antichità.

Oggi, il parco conserva testimonianze delle epoche greca, ellenistica e romana, tra cui resti urbani, strade ortogonali, edifici pubblici e un teatro.

Come arrivare

Il parco si trova a circa 6 km dalla stazione ferroviaria di Sibari.

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Il Parco del Lago Trasimeno è un’area naturale protetta istituita nel 1995 per tutelare e valorizzare il lago Trasimeno e il suo territorio circostante, che comprende i comuni di Castiglione del Lago, Magione, Panicale, Passignano sul Trasimeno e Tuoro sul Trasimeno, oltre ad altri comuni della Comunità Montana Monti del Trasimeno [4]

Caratteristiche principali

• Il parco copre una superficie di circa 13.200 ettari e include il lago Trasimeno, il quarto lago più grande d’Italia per superficie, e le sue sponde [2][3]

• Comprende tre isole principali: Isola Polvese (la più grande, con un centro didattico e ambientale), Isola Maggiore (abitata tutto l’anno, con un borgo medievale e monumenti storici) e Isola Minore (privata) [1][6]

• L’area è di grande interesse naturalistico, con zone umide fondamentali per l’avifauna acquatica e habitat per numerose specie ittiche, alcune autoctone [4][6]

• Il parco è anche ricco di storia e cultura, con paesaggi, borghi storici e tradizioni legate alla pesca [4][5]

Cosa vedere e fare

• Visitare le isole con il servizio di navigazione di Busitalia, che collega i principali centri lacustri e le isole [1]

• Esplorare l’Isola Polvese, con la Rocca del XV secolo, il Giardino delle Piante Acquatiche e la spiaggia attrezzata per famiglie [1][7]

• Scoprire l’Isola Maggiore, con la chiesa di San Salvatore, la casa del Capitano del Popolo, il Museo del Merletto e i luoghi legati a San Francesco d’Assisi [1]

• Fare attività all’aperto come birdwatching, escursioni tra ulivi e vigneti, e pedalate lungo le strade di campagna che collegano i borghi storici [5]

Il Parco del Lago Trasimeno rappresenta quindi un luogo ideale per chi ama natura, storia e cultura, offrendo un ambiente protetto e ricco di attrazioni sia naturali che artistiche [4][5][6]

Fonti :
[1] Servizio di navigazione sul Lago Trasimeno – Busitalia https://www.fsbusitalia.it/it/turismo/navigazione-lago-trasimeno.html
[2] Parco regionale del Lago Trasimeno – Regione Umbria https://www.regione.umbria.it/parco-regionale-del-lago-trasimeno
[3] Parco del Lago Trasimeno: Das Naturschutzgebiet – Parks.it https://www.parks.it/parco.trasimeno/Gpar.php
[4] Parco del Lago Trasimeno – Wikipedia https://it.wikipedia.org/wiki/Parco_del_Lago_Trasimeno
[5] Parco regionale del Lago Trasimeno – Exploring Umbria https://www.exploring-umbria.com/parchi-e-laghi-in-umbria/parco-regionale-del-lago-trasimeno/
[6] Parco del Lago Trasimeno: L’Area Protetta – Parks.it https://www.parks.it/parco.trasimeno/par.php
[7] Parco del lago Trasimeno it – | http://www.umbriatourism.it https://www.umbriatourism.it/it/-/parco-del-lago-trasimeno
[8] Lago Trasimeno: cosa c’è da vedere e da fare? https://www.trasimenoland.com/lago-trasimeno/

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Le Isole Matsu sono un arcipelago di 19 isole e isolette situato nello Stretto di Taiwan, amministrate come Contea di Lienchiang dalla Repubblica di Cina (Taiwan), anche se sono geograficamente parte della provincia cinese del Fujian. La Cina continentale (RPC) rivendica l’arcipelago come parte della sua Contea di Lianjiang.

Origine del nome

Le isole prendono il nome dalla dea del mare Matsu (o Mazu), molto venerata nelle culture costiere cinesi.

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Geografia

• Localizzazione: Fujian orientale, vicino alla costa della Cina continentale
• Coordinate principali: 26°09′N 119°56′E
• Superficie totale: 29,6 km²
• Numero di isole: 19 (di cui solo alcune abitate stabilmente)
• Altitudine massima: 298 m (Beigan)
• Centro principale: Nangan
• Popolazione: Circa 12.700 abitanti (2016)
• Lingua: Dialetto di Fuzhou (Min Dong)

Isole principali

• Nangan (capoluogo)
• Beigan
• Dongyin
• Dongju e Xiju (nel comune di Juguang)

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Storia

• Migrazione storica: Gli abitanti originari provenivano dal Fujian, soprattutto dalla zona di Changle.
• Epoca Qing: Le isole furono rifugio di pirati e subirono periodi di abbandono.
• Non occupate dal Giappone: A differenza di Taiwan e Penghu, non furono cedute al Giappone nel 1895 né occupate nella Seconda guerra mondiale.
• Dopo il 1949: Rimasero sotto il controllo di Taiwan dopo la guerra civile cinese.
• Importanza strategica: Durante la Guerra Fredda, furono al centro di tensioni tra USA, Cina e Taiwan (famoso il dibattito “Quemoy e Matsu” tra Kennedy e Nixon nel 1960).

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Amministrazione

La Contea di Lienchiang è suddivisa in 4 comuni:

1. Nangan
2. Beigan
3. Juguang (che comprende Dongju e Xiju)
4. Dongyin

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Economia

• Agricoltura: Riso, canna da zucchero, tè, arance
• Pesca: Pesci, vongole, meduse
• Turismo: Crescente, grazie a siti storici, tunnel militari, fortezze e paesaggi naturali

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Attrazioni e Turismo

• Tunnel di granito (Nangan e Beigan): Costruiti a scopo militare negli anni ’60, ora visitabili.
• Forte di Ferro (Nangan): Ex postazione militare su una scogliera.
• Villaggio di Chin Be (Beigan): Architettura storica e spiaggia panoramica.
• Tempio di Matsu (Nangan): Dedicato alla dea omonima, con il sarcofago della leggendaria Lin Muoniang.
• Santuario degli uccelli: Area protetta per specie rare, tra cui la sterna di Bernstein.

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Curiosità

• Le isole sono il luogo della morte (non della nascita) della dea Matsu.
• Il clima è rigido per la latitudine (media annua 8,9°C).
• Sono facilmente esplorabili in scooter; Nangan e Beigan hanno anche aeroporti.

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Approfondimenti e link utili

• Sito ufficiale della Contea di Lienchiang
• Matsu su Wikivoyage (EN)
• Immagini su Wikimedia Commons

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Se vuoi informazioni su un aspetto specifico (storia militare, turismo, natura, trasporti), chiedi pure!

Fonti
[1] Isole_Matsu https://it.wikipedia.org/wiki/Isole_Matsu