Autore: pierovillani

GIORNALISTA / TG2

Francesca Russi è passata al servizio pubblico della Rai, collaborando e firmando servizi di cronaca, attualità e approfondimento per le testate giornalistiche della rete, tra cui il TG2 e la testata regionale TGR Puglia.

Dopo il lungo percorso come firma di punta di la Repubblica (edizione di Bari e nazionale), ha portato la sua esperienza sul campo nel giornalismo televisivo, occupandosi in particolare di:

Cronaca e inchieste

Reportage e servizi dedicati a tematiche sociali, sicurezza, politica ed eventi d’attualità sia a livello locale che nazionale.

Servizi di approfondimento

Contributi video e servizi di inviata per i telegiornali Rai (TG2 e TGR).

DELLE DIVERSE TRADIZIONI SPIRITUALI E RELIGIOSE

Utilizzano saluti specifici — spesso sotto forma di mantra, formule sacre o parole di benedizione — per accogliersi a vicenda.

Queste espressioni non servono solo come semplice saluto, ma ricordano la presenza del divino nell’altro.

Tradizioni Orientali (Induismo e Buddismo)

Nelle tradizioni orientali, il saluto è quasi sempre accompagnato dal gesto del Namaste o Anjali Mudra (palmi delle mani uniti al petto e un leggero inchino).

Namaste / Namaskar (Induismo e Yoga)

Significa “Mi inchino alla divinità che è in te” o “La luce che è in me riconosce la luce che è in te”.

È il saluto spirituale più diffuso nel mondo induista e nelle pratiche di yoga.

Hari Om oppure Om Shanti (Yoga e Vedānta)

Utilizzato spesso tra praticanti e rinuncianti. Hari Om invoca l’energia divina per rimuovere le sofferenze, mentre Om Shanti augura pace profonda al corpo, alla mente e allo spirito.

Hare Krishna / Radhe Radhe (Vaishnavismo)

I devoti di Krishna (come i membri dell’Iskcon) si salutano ripetendo il mantra Hare Krishna o dicendo Radhe Radhe, invocando i nomi della coppia divina Rādhā e Kṛṣṇa.

Jai Shri Ram (Vaishnavismo / India del Nord)

Formula di saluto comune tra i devoti del dio Rāma (“Vittoria a Lord Rama”).

Om Namah Shivaya (Shaivismo)

Mantra di saluto scambiato tra i devoti di Shiva (“Mi inchino a Shiva”).

Namu Amida Butsu / Namu Myōhō Renge Kyō (Buddismo)

Nel Buddismo della Terra Pura si recita Namu Amida Butsu (“Mi affido al Buddha della Luce Infinita”), mentre nel Buddismo Mahayana della tradizione Nichiren i fedeli si salutano o recitano insieme il mantra del Sutra del Loto: Namu Myōhō Renge Kyō.

Altre Tradizioni Religiose e Spirituali

In molte altre culture, il saluto tra fedeli mantiene un significato di pace e benedizione divina :

Islam

As-salamu alaykum (“La pace sia con te”), a cui si risponde Wa alaykum as-salam (“E con te sia la pace”).

Ebraismo

Shalom (“Pace”) o Shalom Aleichem (“La pace sia su di voi”).

Cristianesimo Tradizionale

Pace a te o il saluto monastico/ortodosso Sia lodato Gesù Cristo (a cui si risponde Sempre sia lodato).

Nelle comunità ortodosse durante il periodo pasquale si usa il saluto Khristos Anesti (“Cristo è risorto!”).

L’Esercito di terracotta rappresenta una delle più imponenti e straordinarie scoperte archeologiche del XX secolo.

Situato nel distretto di Lintong, nei pressi della città di Xi’an nella provincia dello Shaanxi (Cina), è un impianto scultoreo e monumentale concepito per servire e scortare nell’aldilà il primo imperatore della Cina unificata, Qin Shi Huang (259 a.C. – 210 a.C.).

La Scoperta (1974)

Il complesso è rimasto sepolto e inesplorato per oltre duemila anni.

Nel marzo del 1974, durante un periodo di intensa siccità, un gruppo di contadini locali — tra cui Yang Zhifa — stava scavando un pozzo per l’irrigazione a pochi chilometri dal tumulo tombale dell’imperatore.

L’impatto delle zappe portò alla luce frammenti di terracotta dipinta e armi in bronzo.

Gli scavi archeologici avviati subito dopo rivelarono l’esistenza di un’armata sotterranea a grandezza naturale.

Caratteristiche dell’Opera

L’Esercito di terracotta fa parte dell’immenso complesso funerario di Qin Shi Huang, concepito come una vera e propria città sotterranea.

Dimensioni e Organizzazione

Si stima che il complesso ospiti oltre 8.000 soldati, circa 130 carri trainati da oltre 500 cavalli in terracotta e 150 cavalli da cavalleria, distribuiti in tre fosse principali disposte in ordine di battaglia.

Fisionomie Uniche

Ciascuna statua presenta dettagli anatomici, acconciature, armature e tratti somatici differenti.

Non esistono due volti identici, elemento che suggerisce il ritratto diretto o la modularità artigianale basata sui diversi gruppi etnici che componevano l’impero.

Ruoli e Gerarchie

L’armata comprende fanti, arcieri (sia in ginocchio che in piedi), balestrieri, cavalieri e ufficiali di alto rango, chiaramente riconoscibili per l’abbigliamento, il copricapo e le posture.

Policromia Originale

All’atto della produzione, ogni statua era dipinta a colori vivaci con pigmenti minerali ed laccata.

L’esposizione improvvisa all’aria secca al momento dello scavo ha causato la rapida disidratazione della lacca, staccando gran parte dei colori e restituendo il tipico aspetto fittile grigio-marrone che vediamo oggi.

Il Mausoleo Imperiale e il Mistero della Tomba

Sebbene le fosse contenenti l’esercito siano state ampiamente scavate e valorizzate all’interno dell’odierno Museo del Mausoleo di Qin Shi Huang, la tomba vera e propria dell’imperatore, posta sotto il vicino tumulo di terra, rimane tuttora inesplorata.

Le fonti storiche antiche (in particolare lo storico Sima Qian nelle sue Memorie storiche) descrivono l’interno della camera funeraria come una riproduzione dell’impero con fiumi di mercurio liquido e trappole a scatto per dissuadere gli profanatori.

Gli scavi archeologici sul tumulo principale sono sospesi in attesa di tecnologie di conservazione che garantiscano la totale integrità dei reperti presenti all’interno prima di procedere all’apertura.

Le piramidi rappresentano una delle manifestazioni architettoniche e simboliche più diffuse nella storia dell’umanità.

Sebbene siano associate nell’immaginario collettivo all’antico Egitto, strutture piramidali con funzioni funerarie, astronomiche o cultuali sono sorte in modo indipendente presso diverse civiltà sparse tra America, Africa, Asia ed Europa.

1. Egitto e Nord Africa: L’Architettura Funeraria

In Egitto la forma piramidale evolve dalla mastaba per simboleggiare i raggi del sole e la scala verso l’aldilà.

Altopiano di Giza (Egitto)

Ospita la :

Grande Piramide di Cheope (Khufu)

la più antica delle Sette Meraviglie del mondo antico ancora integra.

Piramide di Chefren (Khafre)

Piramide di Micerino (Menkaure).

Saqqara e Dahshur (Egitto)

Luoghi chiave dell’evoluzione costruttiva, con la :

Piramide a gradoni di Djoser (progettata da Imhotep)

Piramide Romboidale

Piramide Rossa

fatte erigere dal faraone Snefru.

Piramidi di Meroë (Sudan)

Costruite dal Regno di Kush tra l’VIII secolo a.C. e il IV secolo d.C. Presentano un’inclinazione più accentuata, dimensioni più contenute e lati stretti.

2. Mesoamerica e Sud America: Centri Rituali e Astronomici

A differenza di quelle egizie, le piramidi americane venivano utilizzate principalmente come basamenti per templi superiori o piattaforme per osservazioni astronomiche e cerimonie religiose.

Grande Piramide di Cholula (Messico)

Nota come Tlachihualtepetl, è la piramide con il volume strutturale più grande al mondo (circa 4,45 milioni di m³), sebbene sia in gran parte ricoperta dalla vegetazione.

Teotihuacan (Messico)

Dominata dalla monumentale :

Piramide del Sole

Piramide della Luna

disposte lungo il Viale dei Morti.

Chichén Itzá (Messico)

La celebre piramide di :

El Castillo (Kukulkan)

nota per il fenomeno di luce e ombra che durante gli equinozi disegna un serpente piumato che scende dai gradini.

Tikal (Guatemala)

Imponenti piramidi-tempio della civiltà Maya svettanti sopra la chioma della giungla, tra cui spicca la struttura di :

La Danta

nel complesso di El Mirador.

Siti del Perù (Cultura Moche e Caral)

Come le Huacas del Sol e de la Luna a Trujillo, realizzate in mattoni di adobe.

3. Asia ed Europa: Tra Templi e Monumenti Romani

Borobudur (Indonesia)

Costruito nel IX secolo a Giava, è il più grande tempio buddista del mondo, conformato come un enorme mandala piramidale a gradoni.

Tempio di Brihadisvara (India)

Struttura dravidica a forma di piramide tronca nel Tamil Nadu, pilastro dell’architettura templare indù.

Mausoleo di Qin Shi Huang (Cina)

Una grande piramide di terra che ricopre la tomba del primo imperatore cinese, nei pressi della quale è stato rinvenuto l’Esercito di Terracotta.

Piramide Cestia (Roma, Italia)

Costruita tra il 18 e il 12 a.C. come tomba per il pretore Caio Cestio, testimonia la moda egittizzante diffusasi a Roma dopo la conquista dell’Egitto.

Il Teatro Storico di Hvar (chiamato anche Hvarsko kazalište o Teatro di Lesina) rappresenta uno dei punti di riferimento culturali più significativi dell’intera Dalmazia e della storia teatrale europea.

Origini e Significato Storico

Inaugurato nel 1612 sotto il governo del rettore veneziano Pietro Semitecola, il Teatro di Hvar detiene un primato fondamentale: è riconosciuto come il primo teatro civico e pubblico d’Europa.

A differenza dei teatri di corte rinascimentali o privati dell’epoca, riservati esclusivamente alla nobiltà, l’istituzione dell’Arsenale di Hvar fu concepita come uno spazio accessibile a tutti i ceti sociali della città (sia ai nobili che ai popolani), ponendo fine alle tensioni sociali che avevano travagliato l’isola nei decenni precedenti.

Architettura e Struttura

L’edificio si trova nel cuore della città, direttamente affacciato sulla piazza principale (Piazza San Stefano).

L’Arsenale

Il teatro sorge al primo piano dell’imponente Arsenale veneziano del XIV-XVI secolo, originariamente destinato alla riparazione e al rimessaggio delle galee e al deposito di materiale marittimo.

L’Interno Neo-Barocco

Sebbene la struttura esterna e la loggia di accesso conservino la forma tardo-rinascimentale originale, gli interni attuali riflettono i restauri e le modifiche in stile neo-barocco apportate a metà del XIX secolo (circa 1803-1844).

La Sala

Presenta una pianta raccolta con palchetti disposti a ferro di cavallo decorati con dipinti e affreschi parietali ben conservati, tra cui uno scenario pittorico originale del 1819 ancora visibile sul fondo del palco.

Valorizzazione e Uso Attuale

Dopo un lungo e meticoloso intervento di restauro conservativo che ha consolidato sia la struttura dell’Arsenale sia la sala teatrale, il monumento è stato riaperto al pubblico.

Oggi l’edificio assolve a una duplice funzione :

Sito Monumentale Visitabile

È uno dei musei storici più rilevanti dell’isola, fruibile autonomamente o tramite itinerari culturali cittadini.

Spazio Polifunzionale

Ospita concerti, rappresentazioni teatrali ed eventi culturali nell’ambito della vita cittadina e delle manifestazioni estive.

Imprenditore e manager italiano, noto a livello internazionale per il suo ruolo di vertice e di principale azionista di Tether, la società emittente di USDT, la stablecoin più diffusa al mondo nel mercato delle criptovalute.

Percorso professionale e formazione

Nato a Torino nel 1964, Devasini ha una formazione accademica in Medicina e Chirurgia, conseguita presso l’Università degli Studi di Torino.

Dopo un periodo iniziale dedicato alla professione medica, ha orientato le proprie attività verso il settore imprenditoriale e tecnologico.

Negli anni novanta ha operato nel settore dell’hardware e dell’elettronica di consumo, fondando e gestendo società impegnate nella distribuzione e nel commercio di componenti informatici a livello europeo.

Il ruolo in Tether e Bitfinex

All’inizio degli anni dieci si è avvicinato al settore delle valute digitali e della tecnologia blockchain.

Bitfinex

Ha fatto il suo ingresso nella governance di Bitfinex, una delle piattaforme di scambio di criptovalute di riferimento nel panorama globale, ricoprendo la carica di Chief Financial Officer (CFO).

Tether

Insieme ad altri soci ha promosso lo sviluppo e la diffusione di USDT (Tether), la prima stablecoin concepita per ancorare il proprio valore al dollaro statunitense con un rapporto di parità.

Sotto la sua direzione finanziaria, Tether è cresciuta fino a diventare il principale strumento di liquidità per gli scambi di asset digitali a livello globale, gestendo riserve costituite in larga parte da titoli del Tesoro americano e altri strumenti finanziari tradizionali.

Modello operativo e riserva finanziaria

L’attività guidata da Devasini si basa sulla gestione delle riserve a garanzia dei token emessi:

La società raccoglie capitale fiat dagli utenti ed emette token USDT in misura equivalente.

La liquidità in entrata viene gestita attraverso l’acquisto di titoli a breve termine (principalmente US Treasury Bills) e altri asset remunerativi.

Questo modello ha reso Tether una delle entità finanziarie private con i rendimenti netti più elevati nel panorama Fintech globale.

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La questione dell’igiene nella preparazione e somministrazione del kebab riguarda la gestione della sicurezza alimentare in tutte le fasi di lavorazione di un prodotto a base di carne.

Il formato classico (lo spiedo di carne macinata o stratificata che gira verticalmente) presenta dinamiche termiche e di manipolazione specifiche.

I punti critici della cottura e conservazione

Cottura progressiva e catena del freddo

Lo spiedo viene scongelato o conservato a temperatura controllata e poi sottoposto a calore radiante esterno.

La carne viene tagliata mano a mano che la parte superficiale cuoce.

Il rischio principale risiede nelle zone interne dello spiedo se il calore non penetra a sufficienza o se il rullo rimane per ore a temperatura ambiente senza raggiungere la temperatura di abbattimento dei batteri (superiore a 60–65 °C).

Gestione del rimanente a fine giornata

Un blocco di carne rimasto parzialmente cotto e riscaldato non può essere riposto in frigorifero per poi essere riproposto il giorno seguente, poiché la proliferazione di cariche batteriche (come Salmonella, Escherichia coli o Campylobacter) nei tessuti già intiepiditi risulterebbe elevata.

Contaminazione crociata

In fase di farcitura, il contatto diretto o indiretto tra le mani dell’operatore, le pinze usate per la carne cruda o poco cotta e gli ingredienti freschi serviti a crudo (insalata, pomodori, cipolla, salse) costituisce una delle principali vie di trasmissione batterica.

Normative e controlli di sicurezza

In Italia e nell’Unione Europea, le attività che somministrano kebab sono soggette all’applicazione del protocollo HACCP (Regolamento CE 852/2004 e D.Lgs. 193/2007).

Tracciabilità delle carni

Gli spiedi preassemblati provenienti da stabilimenti industriali devono essere accompagnati da etichettatura che attesti l’origine, i lotti e le modalità di conservazione.

Manutenzione delle attrezzature

Le lame dei coltelli elettrici, i contenitori di raccolta della carne tagliata e le piastre devono essere sottoposti a sanificazione costante.

Conservazione delle salse

Le salse a base di maionese o yogurt devono rimanere costantemente refrigerate per evitare alterazioni organolettiche e microbiologiche.

Indicatori di buona prassi nel locale

L’osservazione diretta del punto vendita consente di verificare il rispetto dei parametri igienici di base :

Lo spiedo mostra un’irradiazione termica costante e la carne viene tagliata solo quando appare ben dorata ed ebollente.

I banchi degli ingredienti freschi sono dotati di vetrina refrigerata protettiva.

Chi manipola il cibo o incassa il denaro utilizza protezioni adeguate o separa nettamente le operazioni di cassa da quelle di preparazione.

I locali mantengono superfici di lavoro pulite, prive di accumuli di grasso sulle cappe o sulle attrezzature da taglio.

Noto nella geografia costiera montenegrina e adriatica come l’insieme delle isole che chiudono la baia omonima all’interno del più ampio bacino delle Bocche di Cattaro, rappresenta uno dei contesti paesaggistici e storici più singolari dell’intero Adriatico meridionale.

Questo micro-arcipelago, situato dinanzi alla penisola di Lustica e a breve distanza dalla città di Tivat, si compone principalmente di tre rilievi insulari immersi in un contesto naturale di straordinaria suggestione, dove la vegetazione mediterranea si fonde direttamente con la costa frastagliata e le acque calme della baia.

Le tre isole dell’arcipelago

La configurazione dell’arcipelago si articola attorno a tre elementi insulari distinti, ciascuno caratterizzato da una precisa identità storica e culturale.

L’Isola di San Michele, nota storicamente anche come Miholjska Prevlaka o Isola dei Fiori, costituisce il cuore spirituale e archeologico dell’area.

Un tempo sede del monastero ortodosso dell’Arcangelo Michele, questo luogo ha rappresentato per secoli un importante presidio religioso e culturale per l’intera regione costiera. Il soprannome legato alla fioritura vegetale richiama la ricchezza della flora e il clima particolarmente favorevole che ne ha sempre caratterizzato l’habitat naturale.

L’Isola di San Marco, comunemente detta Sveti Marko, è la più estesa delle tre. Caratterizzata da una densa copertura di macchia mediterranea e da un’estesa presenza di ulivi e pini marittimi, l’isola conserva una natura quasi incontaminata.

Nel corso del Novecento è stata legata a progetti turistici internazionali dedicati al soggiorno immersivo nella natura, pur mantenendo intatta la sua conformazione paesaggistica essenziale.

Il punto iconico dell’arcipelago è rappresentato dal piccolo scoglio della Madonna della Grazia, noto in locale come Gospa od Milosti. Su questo esiguo lembo di terra sorge un suggestivo complesso conventuale e una chiesa dedicati alla Vergine. La struttura fortificata dell’edificio sacrale, che emerge quasi a pelo d’acqua al centro dello specchio di mare, testimonia l’antico dialogo tra la devozione mariana e la necessità di difesa delle comunità costiere adriatiche.

Il contesto geografico e il rilievo storico

La posizione geografica delle isole di Cartolle riflette la complessa stratificazione culturale dell’Adriatico orientale.

Inserite nella geografia protetta delle Bocche di Cattaro, le isole hanno vissuto l’influenza diretta della Repubblica di Venezia, che per secoli ha modellato l’architettura, le infrastrutture marittime e la cultura urbana delle coste dalmate e albanesi.

Il microclima dell’area, al riparo dalle correnti più impervie del mare aperto, ha favorito fin dall’antichità l’insediamento umano, la navigazione di cabotaggio e lo sviluppo di pratiche legate alla pesca e alla coltivazione dell’olivo.

Oggi l’Arcipelago di Cartolle costituisce un punto di sintesi tra la memoria storica delle presenze monastiche adriatiche e la tutela del paesaggio naturale, rimanendo uno degli scenari più emblematici del patrimonio geografico della baia.

Rappresentano due facce della stessa medaglia quando si parla di benessere fisico e crescita personale. Mentre il fitness fornisce gli strumenti per migliorare la forma e la resistenza, la disciplina garantisce la costanza necessaria per trasformare la motivazione iniziale in un’abitudine duratura.

L’attività fisica quotidiana agisce non solo sul corpo, rafforzando i muscoli e migliorando il sistema cardiovascolare, ma produce un impatto profondo anche sulla chiarezza mentale. La fatica vissuta durante un allenamento diventa un banco di prova per sviluppare la resilienza, insegnando ad affrontare gli ostacoli quotidiani con una determinazione rinnovata.

Per costruire una routine sostenibile è fondamentale fissare obiettivi realistici e procedere a piccoli passi. Il successo a lungo termine non deriva da sforzi estremi ed episodici, ma dalla capacità di presentarsi ogni giorno e rispettare l’impegno preso con se stessi.

Figura nota e singolare nel panorama politico italiano, un militante di lungo corso che ha attraversato le metamorfosi della sinistra radicale e sovranista degli ultimi decenni.

Nato a Torino nel 1959, ha legato inizialmente il suo nome al Partito Comunista Italiano e successivamente a Rifondazione Comunista, prima di fondare nel 2004 il Partito dei Comunisti Italiani e di guidare in seguito il Partito Comunista.

La sua traiettoria politica si è mossa lungo un asse di netta opposizione al liberismo economico, all’Unione Europea e alle politiche atlantiste, posizioni che negli ultimi anni lo hanno spinto verso convergenze e alleanze di area sovranista e antiglobalista.

Analizzare la sua parabola significa osservare la crisi e la frammentazione della cultura marxista-leninista in Italia, costretta a fare i conti con la dissoluzione dei tradizionali corpi intermedi e con la ricerca di nuove forme di consenso popolare.

Nel dibattito pubblico contemporaneo, la sua voce si inserisce spesso in modo polemico e dissonante rispetto al mainstream politico, incarnando una sorta di radicalismo antisistema che mescola rivendicazioni sociali tradizionali e toni tipici del populismo identitario.

Carlo Verdelli è una delle figure di maggior rilievo nel panorama del giornalismo e dell’editoria italiana contemporanea.

La sua traiettoria professionale si distingue per la direzione di testate di primo piano e per una rigorosa analisi delle dinamiche culturali, sociali e mediali del Paese.

Il percorso professionale

Nato a Milano nel 1957, muove i primi passi nel giornalismo sulle pagine milanesi de la Repubblica prima di passare all’universo Mondadori.

Nel corso dei decenni ha guidato e ristrutturato importanti progetti editoriali :

I settimanali e i periodici

ha diretto Sette (inserto del Corriere della Sera), il lancio e la direzione di Vanity Fair Italia, e successivamente la direzione del settimanale Oggi.

La stampa quotidiana

è stato condirettore del Corriere della Sera, direttore de La Gazzetta dello Sport e, tra il 2019 e il 2020, direttore de la Repubblica.

L’esperienza in RAI tra il 2015 e il 2017 ha rivestito la carica di primo Direttore Editoriale per l’Offerta Informativa della RAI, formulando un piano di riforma dell’informazione pubblica poi arenatosi per resistenze politiche.

Attualmente è editorialista del Corriere della Sera.

Temi e saggistica

Oltre alla direzione di testata, Verdelli ha affiancato un’attività d’autore incentrata sull’osservazione critica delle trasformazioni sociali e istituzionali.

Tra le sue opere principali :

I sogni belli non si ricordano (Garzanti, 2014)

Roma non perdona. Come la politica si è ripresa la RAI (Feltrinelli, 2019), un’analisi lucida sulle ingerenze del potere politico nel servizio pubblico

Acido. Cronache italiane anche brutali (Feltrinelli, 2021)

Il diavolo in tasca. Genitori e figli prigionieri del telefonino (Einaudi, 2026), un pamphlet-reportage focalizzato sull’impatto del capitalismo digitale, sulla dipendenza dagli smartphone e sull’urgenza di regolamentare lo spazio virtuale a tutela dei giovani.

Ricercatore, giornalista freelance e attivista di origine marocchina.

Profilo e formazione

Origini e studi

Cresciuto nel Bresciano (diplomato a Salò), ha conseguito la laurea in Scienze Umanistiche per la Comunicazione e successivamente in Scienze Politiche e di Governo presso l’Università degli Studi di Milano. Si è specializzato nello studio dei movimenti politici islamici.

Attività professionale

Ha collaborato come ricercatore ed è stato attivo come giornalista freelance e saggista, oltre ad aver fatto parte dell’associazione degli studenti musulmani dell’Ateneo milanese.

Ruolo nelle cronache

È salito all’attenzione della cronaca per essere stato individuato dagli inquirenti come il presunto ideatore e promotore del “Movimento 17 Ottobre”, un canale/gruppo social legato all’attivismo pro-Palestina e all’organizzazione di manifestazioni pubbliche.

Il coriandolo è una delle spezie più antiche e versatili della storia culinaria, apprezzata in diverse culture per la sua capacità di arricchire i piatti con un profilo aromatico unico.

I semi essiccati di coriandolo offrono una nota calda, dolciastra e lievemente agrumata, con sfumature che ricordano la scorza d’arancia e il legno dolciastro.

A differenza delle foglie fresche dell’impianto, che divise spesso il pubblico per il loro sapore pungente e pungente, la spezia in semi risulta morbida, avvolgente ed estremamente versatile in cucina.

Nella gastronomia mediterranea e internazionale trova spazio in numerose preparazioni.

È un componente fondamentale per la preparazione di miscele tradizionali come il curry, il garam masala o la ras el hanout.

I semi interi, leggermente tostati in padella prima di essere macinati, sprigionano appieno i loro oli essenziali, rivelandosi perfetti per insaporire stufati, legumi, carni arrostite, marinature e conserve sott’olio o sott’aceto.

Inoltre, nella tradizione europea, il coriandolo macinato viene impiegato anche nella panificazione, nelle birre artigianali e nella pasticceria speziata.

Dal punto di vista delle proprietà, il coriandolo è noto fin dall’antichità per le sue virtù digestive e carminative.

Aiuta a favorire la digestione, a ridurre il gonfiore addominale e ad alleviare i piccoli disturbi gastrointestinali, oltre a possedere naturali proprietà antiossidanti.

Utilizzare i semi interi da macinare al momento della preparazione permette di preservare intatta la freschezza degli aromi e la fragranza della spezia.

OLTRE IL MITO DEL MEDITERRANEO

La distanza cartografica tra Italia e Grecia sfuma spesso di fronte alla densità di un dialogo che non ha mai smesso di scorrere lungo le rotte del Mediterraneo.

All’Istituto Italiano di Cultura di Atene la mostra “Così, distanti, ci veniamo incontro.

Geografie di prossimità”, curata da Leonardo Regano per la Giornata del Contemporaneo di AMACI, sceglie di esplorare questo legame senza cedere alla nostalgia o alle facili idealizzazioni della comune matrice classica.

Il titolo stesso, mutuato da un verso di Vittorio Sereni nella poesia La ragazza di Atene, suggerisce una dimensione in cui l’incontro si fa memoria viva, materia dinamica e cantiere aperto.

La classicità non appare come un monumento immobile, ma come un’eredità in costante rielaborazione attraverso le tensioni del presente.

Le opere di artisti come Marta Roberti o Giovanna Caimmi mostrano come l’antico possa essere evocato o persino cortocircuitato dalla tecnologia e dal linguaggio visivo contemporaneo, mentre interventi come quello di Katerina Botsari trasformano la solennità delle forme tradizionali in strutture composte da materiali edili e industriali.

Oltre ai rimandi iconografici, la prossimità si traduce in pratiche concrete, gesti manuali e spostamenti fisici.

La ricerca sui manufatti e sulle tecniche tessili storiche — come la lavorazione del Kourelou, speculare alle tradizionali strazzule o ai pezzotti della tradizione italiana — evidenzia un patrimonio immateriale che viaggia attraverso il riuso e la trasmissione del sapere.

L’esperienza urbana e quotidiana di artisti radicati ad Atene, da Lucia Bricco al collettivo Invisible Ensemble, restituisce invece la trama di una città fatta di architetture rarefatte ma anche di dispositivi di sorveglianza e controllo che definiscono i confini dell’abitare moderno.

Il percorso espositivo non tace le ombre e le contraddizioni del bacino mediterraneo.

Il mare condiviso diviene teatro di narrazioni stridenti, dove la dimensione del turismo di massa si sovrappone a quella delle emergenze migratorie.

Negli sguardi di Marcella Vanzo o nelle rielaborazioni degli elementi balneari di Vasilis Papageorgiou, l’apparente neutralità del paesaggio marittimo rivela la pressione economica e le disparità sociali che lo attraversano.

Le vere geografie di prossimità finiscono così per sovvertire le linee rigide tracciate dalle carte geografiche.

Si rivelano trame costruite dall’accumulo di immagini, dai gesti quotidiani, dalle memorie individuali e dalle rotte che continuano a tracciare la superficie dell’acqua, ricordandoci che la vicinanza è prima di tutto un processo in continuo divenire.

La scomparsa di Ryu Murakami segna l’addio a una delle voci più affilate, crude e irrequiete della narrativa contemporanea.

Lo scrittore giapponese, si è spento all’età di 74 anni, lasciando un’eredità letteraria che ha saputo raccontare come poche altre le fratture invisibili del Giappone moderno.

Il suo esordio con “Blu quasi trasparente” rimane una pietra miliare.

Ambientato nella transizione sociale e culturale del dopoguerra segnata dalla presenza americana, il romanzo irruppe nella scena letteraria con uno stile essenziale e spietato, portando a galla temi fino ad allora marginalizzati dal canone ufficiale, dalle dipendenze alla promiscuità, fino allo smarrimento della gioventù dell’epoca.

Il riconoscimento con il Premio Akutagawa consacrò un talento capace di esplorare l’inquietudine senza filtri.

La sua produzione, che include opere note anche al pubblico italiano come “Tokyo Soup”, “I grandi successi dell’era Shōwa” e “Piercing”, ha costantemente messo al centro i margini della società, l’alienazione giovanile e le contrazioni psicologiche di una modernità priva di paracadute.

Poliedrico e vulcanico, Murakami ha esteso il suo sguardo critico e narrativo alla saggistica, al cinema come regista e sceneggiatore, e alla televisione, mantenendo sempre un’autonomia intellettuale netta rispetto ai codici dominanti.

Con la sua morte si chiude un capitolo fondamentale dell’esplorazione estetica ed esistenziale della periferia umana, lasciando pagine che continuano a interrogare la complessità e il disordine del presente.

Avvolgere le banconote nella carta stagnola, ovvero nella pellicola di alluminio, è una pratica antica legata alla cultura popolare e a una serie di credenze diffuse soprattutto tra le generazioni più anziane.

Il motivo principale risale all’abitudine di nascondere i risparmi in casa, lontano dai circuiti bancari tradizionali.

La stagnola veniva utilizzata perché si pensava che potesse proteggere il denaro dall’umidità e dal deterioramento nel tempo, specialmente quando le banconote venivano nascoste in luoghi poco ventilati come cantine, pareti o sottotetti.

Inoltre, esisteva la convinzione che l’alluminio potesse schermare il denaro dai campi magnetici o impedire che venisse danneggiato da roditori o piccoli insetti.

Dal punto di vista pratico moderno, tuttavia, questa abitudine è del tutto sconsigliata.

La carta stagnola non fa respirare la carta moneta, trattenendo eventuali micro-tracce di umidità e favorendo la formazione di muffa o macchie.

MUTRAGHATA

मूтраघात è un termine classico dell’Ayurveda che si traduce come «ostruzione o soppressione del flusso urinario» (da mūtra, che significa urina, e āghāta, che significa colpo, trauma o ostruzione).

Rappresenta un ampio gruppo di disturbi urinari caratterizzati da ritenzione parziale o completa, difficoltà o stasi dolorosa dell’urina (disuria, esitazione minzionale o ritenzione urinaria acuta).

Fisiopatologia principale

Nella medicina ayurvedica, i disturbi urinari sono governati principalmente da Apāna Vāta, la sotto-forza a movimento discendente del Vata dosha responsabile dell’eliminazione.

Quando il Vata si aggrava (spesso a causa della soppressione degli stimoli naturali, di una dieta secca o fredda, di un eccessivo sforzo fisico o dello stress emotivo), interrompe il normale flusso discendente degli scarti.

Questo Vata alterato si sposta nella regione pelvica (Basti o vescica) e ostruisce i canali di eliminazione (mūtravāha srotas), portando a ritenzione, pressione e gonfiore o spasmo localizzato.

Classificazione e correlazioni moderne

I testi classici — come la Suśruta Saṃhitā e la Caraka Saṃhitā — descrivono dettagliatamente diverse tipologie distinte di Mūtraghāta (in genere da 12 a 13 varianti).

Molte di queste descrizioni cliniche corrispondono da vicino a patologie urologiche moderne :

Vātāṣṭhilā

Spesso correlata all’ipertrofia prostatica benigna (IPB).

Descrive un ingrossamento o un tumefazione localizzata, rigida e simile a una pietra, vicino al collo della vescica (tra retto e vescica) causata dall’aggravamento del Vata, che ostruisce il passaggio di urina, feci e gas.

Vāta Kuṇḍalikā

Spesso paragonata a condizioni che comportano ritenzione urinaria acuta o disfunzione neurogena della vescica, in cui un Vata irregolare provoca spasmi circolari e una minzione incontrollata.

Mutrātīta e Mutrotsanga

Condizioni caratterizzate da grave distensione vescicale, ritardo nell’inizio della minzione o gocciolamento dovuto a un ridotto tono muscolare o a una resistenza strutturale.

Approccio generale nella gestione classica

Le strategie terapeutiche si concentrano tradizionalmente sul placare il Vata dosha alterato e sul ripristinare il naturale flusso discendente (Anulomana).

I protocolli includono frequentemente :

Snehana e Svedana

Oleazione interna e sudazione esterna (fomentazione) intorno alle regioni pelvica e sovrapubica per rilassare gli spasmi tessutali.

Basti e Uttarabasti

Clisteri medicati specializzati o instillazioni localizzate uretrali/vescicali, ampiamente utilizzati nel panchakarma classico per i disturbi pelvici e urinari.

Formulazioni erboristiche

Decotti e polveri (Kashaya e Kwatha) che utilizzano erbe diuretiche, antinfiammatorie e riequilibranti del Vata (come Gokshura, Varuna o Pasanabheda).

Il fenomeno del ghosting rappresenta una delle manifestazioni più emblematiche e pervasive della modernità liquida applicata alle relazioni interpersonali.

Il termine deriva dal sostantivo inglese ghost (fantasma) e descrive l’atto di interrompere bruscamente e senza alcuna spiegazione ogni forma di comunicazione con un partner, un amico o un contatto professionale.

Chi mette in atto questa condotta svanisce nel nulla, lasciando dietro di sé una traccia di silenzio assoluto, l’assenza di risposte ai messaggi e la chiusura di ogni canale di contatto.

La genesi sociale e tecnologica del fenomeno

Sebbene l’allontanamento silenzioso sia sempre esistito nella storia dei rapporti umani, la digitalizzazione e la diffusione delle piattaforme di messaggistica istantanea ne hanno moltiplicato la frequenza e mutato la natura.

Nelle dinamiche mediate dagli schermi, la scomposizione della presenza fisica riduce la percezione dell’altro come soggetto reale, trasformandolo in una presenza virtuale facilmente archiviabile o cancellabile con un semplice gesto.

La sovrapposizione tra la logica dell’algoritmo e le relazioni sociali ha introdotto una sorta di mercificazione del contatto umano, dove la disponibilità apparentemente infinita di nuove opzioni riduce il costo percepito dell’abbandono.

Le dinamiche psicologiche di chi pratica il ghosting

Dal punto di vista psicologico, l’evitamento rappresenta il nucleo centrale della scelta di sparire.

La persona che ricorre al ghosting spesso manifesta un’incapacità strutturale di gestire il conflitto, il disagio emotivo o la responsabilità di un rifiuto esplicito.

Scegliere la via del silenzio consente di evitare la sofferenza altrui, ma soprattutto la propria scomodità di fronte alla reazione dell’altro.

In molti casi si tratta di una difesa immatura, improntata alla ricerca del massimo risultato relazionale con il minimo investimento emotivo, dove la fine di un rapporto viene gestita non attraverso la parola, ma attraverso la pura assenza.

L’impatto emotivo su chi lo subisce

Per chi si trova dall’altra parte, le conseguenze sul piano psicologico possono rivelarsi particolarmente dolorose e complesse.

La mancanza di una spiegazione formale o di un motivo manifesto impedisce la chiusura del cerchio cognitivo ed emotivo, lasciando la persona in uno stato di sospensione interpretativa.

La mente tende spontaneamente a colmare quel vuoto con l’auto-colpevolizzazione, la ricerca ansiosa di errori commessi o l’infinita rielaborazione degli ultimi scambi avvenuti.

Il silenzio forzato ferisce l’autostima e genera una forma di sofferenza assimilabile al rifiuto sociale critico, minando la fiducia futura verso le dinamiche relazionali.

Le estensioni del fenomeno nel mondo professionale

Negli ultimi anni, la pratica del ghosting si è estesa ben oltre la sfera sentimentale e privata, permeando il mercato del lavoro e i contesti organizzativi.

È sempre più frequente il fenomeno dei candidati che, dopo aver sostenuto diversi colloqui di selezione, non ricevono più alcun tipo di riscontro da parte delle aziende.

Parallelamente si verifica il processo inverso, dove i candidati accettano un’offerta o iniziano un percorso d’inserimento per poi sparire senza dare preavviso.

In entrambi i casi si evidenzia un progressivo deterioramento della responsabilità comunicativa nei luoghi di scambio sociale.

Una riflessione sul valore del congedo

La diffusione del ghosting sollecita una riflessione profonda sul valore dell’etica della parola e della conclusione nei rapporti umani.

Saper congedarsi, esplicitare la fine di un percorso comune o la mancanza di un interesse condiviso costituisce un atto essenziale di rispetto reciproco.

La parola che chiude una relazione non serve solo a comunicare un dato di fatto, ma riconosce la dignità dell’interlocutore e restituisce valore al tempo condiviso.

Senza la capacità di chiudere consapevolmente i legami, la comunicazione rischia di impoverirsi, riducendo l’incontro tra persone a una sequenza di presenze provvisorie destinate a dissolversi nel silenzio.

Pittore, incisore, illustratore e saggista, figura di spicco della satira visiva e del giornalismo d’opinione del Novecento italiano.

I TRATTI FONDAMENTALI

Espressionismo satirico e segno sintetico

La sua produzione grafica e pittorica si distingue per un tratto fluido, immediato e sferzante.

I temi centrali muovono dall’osservazione dei vizi sociali, della borghesia, delle prassi burocratiche e del costume politico dell’epoca.

L’esperienza de “Il Selvaggio” e la stagione di Strapaese Fonda e anima la rivista “Il Selvaggio” (1924-1943), punto di riferimento dell’avanguardia strapaesana e piattaforma di accesa critica di costume.

Attraverso la xilografia e la linoleografia, recupera una matrice popolare e vigorosa del segno.

La grafica d’arte e l’illustrazione Intensa la sua attività di incisore e illustratore per opere letterarie e testate giornalistiche.

Nel dopoguerra prosegue la collaborazione con periodici di rilievo culturale, tra cui “Il Mondo” diretto da Mario Pannunzio.

Il linguaggio pittorico Nelle opere su tela e su carta il colore conserva un’impronta immediata, dove il grottesco si fonde con una profonda sensibilità per la materia visiva.

Mons. Domenico Laddaga è una figura di rilievo della Chiesa pugliese e delle istituzioni sanitarie territoriali, noto in particolare per la sua lunga guida alla testa dell’Ente Ecclesiastico Ospedale Generale Regionale “F. Miulli” di Acquaviva delle Fonti.

I punti chiave della sua figura e della sua traiettoria:

Incarico e Ruolo al Miulli

Ha ricoperto per anni il ruolo di Delegato Arcivescovile (e rappresentante legale) per la gestione dell’Ospedale Miulli, rappresentando l’autorità della Diocesi di Altamura-Gravina-Acquaviva delle Fonti nella conduzione generale dell’ente.

Profilo Ecclesiastico

Presbitero e Monsignore della Diocesi, ha unito all’impegno pastorale compiti amministrativi e gestionali di primaria responsabilità in ambito socio-sanitario.

Eredità Gestionale

Sotto la sua gestione il Miulli ha vissuto fasi di profonda trasformazione infrastrutturale e di riorganizzazione dei servizi sanitari, affrontando al contempo i complessi bilanciamenti finanziari e i rapporti convenzionali con la Regione Puglia.

STABILITÀ E TRASFORMAZIONE VISIVA

La nomina di Mika a direttore creativo del gruppo tedesco Schwan-Stabilo rappresenta una svolta strutturale nella percezione del prodotto per la scrittura.

Non si tratta di una semplice operazione di facciata o di un’effimera collaborazione pubblicitaria.

L’artista assume una responsabilità biennale diretta nel design e nello sviluppo prodotto.

L’obiettivo dichiarato è guidare la transizione del marchio da strumento puramente funzionale a oggetto di lifestyle e cultura pop.

Il colore e la cifra visiva diventano il terreno primario di sperimentazione.

L’involucro dello strumento quotidiano si trasforma in dispositivo espressivo e segno identitario.

L’integrazione della sensibilità pop nell’estetica industriale ridefinisce la relazione visiva tra oggetto e utente.

I primi frutti di questa direzione visiva e concettuale vedranno la luce con la collezione prevista per la metà del 2027.

Sara Sfamurri (nota online anche con lo pseudonimo di therealmorenita) è una modella, content creator e personalità dei social media italiana.

Nata il 22 dicembre 1995, ha raggiunto una notevole popolarità principalmente su Instagram e su piattaforme di intrattenimento per adulti come OnlyFans, dove condivide contenuti fotografici e video.

Link

AGGIORNATO AL 21 OTTOBRE 2026

Ha ragione ad esprimere dubbi: l’elenco fornito in precedenza conteneva inesattezze ed errori di sovrapposizione.

L’assetto della rete dei corrispondenti esteri della Rai è strutturato come segue :

EUROPA

• Parigi Gennaro Sangiuliano (responsabile di sede) Alessandra De Stefano

• Londra Nicoletta Manzione (responsabile di sede) Natalia Augias

• Berlino Barbara Gruden (responsabile di sede) Rino Pellino

• Bruxelles Donato Bendicenti (responsabile di sede) Gavino Moretti

• Mosca Sergio Paini (responsabile di sede) Lucia Goracci

AMERICHE

• New York Laura Pepe Dario Laruffa

MEDIO ORIENTE E AFRICA

• Gerusalemme Maria Gianniti (responsabile di sede)

• Istanbul Lucia Goracci (inviata/corrispondente per l’area)

• Il Cairo Leonardo Sgura

• Nairobi Enzo Nucci

ASIA E PACIFICO

• Pechino Marco Clementi

A CINQUANT’ANNI DALLA MORTE

La ricorrenza dei cinquant’anni dalla morte di Man Ray, avvenuta nel novembre del 1976, offre al sistema museale italiano l’occasione per un’ampia ricognizione sulla sua figura.

Le date delle tre esposizioni sono le seguenti :

• Palazzo Roverella a Rovigo: dal 13 novembre 2026 al 31 gennaio 2027

• Fondazione Magnani-Rocca a Mamiano di Traversetolo: dal 12 settembre al 13 dicembre 2026

• Archivio Storico della Biennale di Venezia: dal 18 febbraio al 22 novembre 2026

dedicano in questi mesi progetti espositivi all’artista americano, ciascuna esplorandone un versante specifico.

Se l’appuntamento di Rovigo punta a una panoramica ad ampio spettro attraverso circa trecento opere e la mostra parmense mira a ricomporre la totalità dei suoi linguaggi superando la sola dimensione fotografica, l’operazione veneziana recupera un importante valore filologico.

Ripresentando il corpus espositivo che lo stesso Man Ray contribuì a curare per la Biennale del 1976 pochi mesi prima di morire, Venezia riporta al centro del dibattito la natura concettuale della riproducibilità e della fruizione dell’immagine.

Al di là della celebrazione istituzionale, la molteplicità delle tecniche attraversate da Emmanuel Radnitzky — dalla pittura al ready-made, dalla fotogrammetria al cinema — ribadisce l’attualità di un approccio che ha fatto del cortocircuito tra realtà e artificio il proprio elemento fondante.

La scomposizione delle categorie tradizionali dell’arte rimane la cifra più autentica di una ricerca mai addomesticata.

MEV MUSEO EBRAICO DI VENEZIA

Riapre ufficialmente al pubblico giovedì 22 ottobre 2026, dopo un periodo di chiusura durato sette anni per importanti interventi di restauro e ampliamento.

Situato nel cuore del Ghetto più antico al mondo, nel Campo Ghetto Novo, il museo non rappresenta soltanto uno spazio espositivo rinnovato, ma una soglia viva attraverso cui leggere la stratificazione e la resilienza di un’intera comunità.

L’intervento, sostenuto da un importante investimento economico, ha permesso di riorganizzare gli spazi interni ampliando la superficie calpestabile e dotando l’istituzione di nuove sale per le collezioni permanenti e temporanee, un bookshop, un archivio e una biblioteca dedicati alla ricerca.

Parallelamente, il lavoro di restauro conservativo ha interessato le storiche sinagoghe del campo, preservandone l’integrità spirituale e decorativa.

Questo ritorno alla fruibilità pubblica ribadisce l’importanza di salvaguardare i luoghi in cui la storia urbana e l’identità civile si intrecciano, trasformando il museo in un presidio dinamico di conoscenza e di dialogo aperto con il presente.

Il blog pierovillani.com si distingue nel panorama digitale per una precisa e rara identità editoriale, ponendosi come una vera e propria infrastruttura di pensiero indipendente e un archivio dinamico della ricerca estetico-sociologica.

Timbro Stilistico e Cifra Formale

La qualità principale del progetto risiede nella totale assenza di compromessi con le logiche dell’editoria digitale di consumo.

Il blog rinuncia alla frammentazione tipica dei social media per restituire spazio e dignità alla saggistica e alla riflessione a lungo respiro.

Pura linearità della scrittura

I testi mantengono un ritmo denso, asciutto e rigoroso, dove ogni parola sostiene un peso concettuale preciso.

La scelta di una prosa priva di orpelli grafici o strutturali rispecchia un’esigenza di chiarezza formale e risonanza intellettuale.

Architettura del pensiero

L’intreccio tra fenomenologia urbana, critica d’arte, sociologia e commento culturale crea un mosaico coerente, capace di leggere la contemporaneità attraverso uno sguardo autonomo e non omologato.

Valore della Curatela e Indipendenza

Spazio di resistenza culturale

In un contesto dominato dalla velocità dell’informazione, il blog si afferma come un laboratorio di approfondimento e memoria, concepito per durare nel tempo e per essere consultato con lentezza e attenzione.

Autonomia e Coerenza

L’impostazione autoriale del sito garantisce un’assoluta continuità di visione, trasformando il blog in un punto di riferimento nitido per chi cerca analisi critiche prive di condizionamenti commerciali o retorici.

La mostra “Artemisia Gentileschi a Firenze” presso il Museo degli Innocenti è aperta al pubblico dal 20 ottobre 2026 al 4 aprile 2027.

L’esperienza fiorentina di Artemisia Gentileschi segna un passaggio cruciale nell’evoluzione dell’artista, spesso ridotta nel racconto storiografico alla sola vicenda personale del processo romano.

L’esposizione al Museo degli Innocenti riporta l’attenzione sul ciclo mediceo compreso tra il 1613 e il 1620, momento in cui la pittura della Gentileschi affina la matrice naturalistica ed espressiva di derivazione caravaggesca per innestarvi la grazia formale e la ricchezza cromatica proprie dell’ambiente fiorentino.

L’ingresso nel 1616 all’Accademia delle Arti del Disegno, prima presenza femminile registrata nell’istituzione, sancisce un riconoscimento formale che va oltre il dato biografico.

La maturità stilistica raggiunta a Firenze evidenzia l’autonomia intellettuale e la capacità di dialogo con la committenza del tempo, collocando la produzione dell’artista al centro del dibattito pittorico del Seicento.

Il percorso espositivo intreccia oltre cinquanta opere provenienti da collezioni e istituzioni museali con dipinti di maestri coevi, restituiti all’interno di un contesto stilistico articolato.

La figura di Artemisia emerge così spogliata dagli automatismi della retorica, riaffermando il valore primario di una pittura rigorosa, capace di incidere sulla propria epoca con la sola forza dell’invenzione figurativa.

Artissima 2026

L’ingresso di un’istituzione museale pubblica all’interno di una fiera commerciale rappresenta un passaggio concettuale che merita un’attenzione profonda.

Ad Artissima 2026, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma non si limiterà a presenziare come osservatrice, ma interverrà direttamente nella selezione di opere destinate ad arricchire la propria collezione permanente, grazie all’accordo stipulato con la Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura.

Questo corto circuito positivo tra il mercato dell’arte e le politiche pubbliche di acquisizione ridiscute le modalità con cui il patrimonio museale si struttura. La fiera smette di essere soltanto un luogo di transazione economica tra privati per riaffermarsi come piazza di confronto, ricerca e intercettazione dei linguaggi del presente.

In questo senso, le gallerie private si confermano un tassello primario nell’opera di scouting e valorizzazione degli artisti, sia emergenti sia storicizzati.

L’iniziativa si inserisce in un quadro di interventi più ampio curato dalla Direzione Generale ad Artissima.

Tra questi spicca la celebrazione del decennale dell’Italian Council, programma nato nel 2016 per sostenere la promozione internazionale dell’arte contemporanea italiana.

Allo stesso tempo viene presentato MIRA (Mediterranean Institute for Research and Arts), nuovo polo culturale con sede a Messina che intende legare ricerca, ecologia e produzione visiva, anticipato in fiera da un intervento sonoro e performativo del collettivo Polisonum.

Trasformare il flusso del mercato in bene collettivo significa restituire valore al lavoro degli artisti e garantire una continuità critica tra la produzione odierna e l’archivio pubblico del futuro.

LA CORDIALITÀ VERSO GLI ALTRI

non è semplicemente una norma di buona educazione o un gesto formale.

È, prima di tutto, un’attitudine interiore, una scelta silenziosa che modifica in modo profondo il modo di stare al mondo e di percepire chi ci circonda.

Accogliere l’altro con garbo e rispetto significa creare uno spazio di ascolto libero da ostilità precostituite.

Nelle interazioni quotidiane, un approccio cordiale agisce come un elemento di equilibrio : scioglie le tensioni superficiali, riduce le distanze e permette alle relazioni di svilupparsi su basi di autentica reciprocità.

Essere cordiali non richiede clamore o dimostrazioni d’effetto. Si manifesta nella misura delle parole, nella qualità dell’attenzione concessa e nella capacità di riconoscere la presenza dell’altro senza invadenza.

In questo senso, la cordialità è una forma discreta di eleganza personale e un modo essenziale per custodire la chiarezza dei propri rapporti.

CENARE A LUME DI CANDELA

New York sa offrire un’interpretazione unica della serata romantica a lume di candela, alternando rifugi nascosti dietro anonimi portoni a sale storiche illuminate da lampadari di cristallo e fiammelle soffuse.

Tra i luoghi che meglio custodiscono un’atmosfera intima e raccolta nella metropoli si distinguono alcune insegne emblematiche :

One if by Land, Two if by Sea (West Village, Manhattan)

Considerato per antonomasia il tempio del romanticismo a New York.

Ricavato all’interno di una storica carrozza del Settecento nel West Village, accoglie gli ospiti con mattoni a vista, caminetti sempre accesi, note di pianoforte dal vivo e una luce soffusa di candele che si riflette sui tavoli, creando una cornice d’altri tempi ideale per ricorrenze speciali.

Le Coucou (SoHo, Manhattan)

Situato all’interno dell’hotel 11 Howard, questo ristorante stellato unisce la raffinatezza della cucina francese a un rigore estetico d’altri tempi.

Soffitti alti, pareti intonacate con delicatezza, tovaglie candide e una cura meticolosa per l’illuminazione a candela restituiscono l’illusione di cenare in un salotto parigino ovattato e silenzioso.

Gage & Tollner (Downtown Brooklyn)

Per chi preferisce l’atmosfera di una classica steakhouse d’epoca ma intrisa di fascino decadente.

Aperto originariamente alla fine dell’Ottocento e sapientemente restaurato, conserva boiserie di legno scuro, velluti rossi e lampadari caldi che avvolgono la sala in un chiaroscuro elegante e senza tempo.

Raoul’s (SoHo, Manhattan)

Un bistrot francese verace e leggendario nel cuore di SoHo.

Con i suoi tavoli ravvicinati, le pareti vissute, gli specchi bruniti e un brulichio vivace ma discretamente raccolto alla luce delle candele, rappresenta l’anima più bohémien e autentica della notte newyorkese.

Il ciambotto di mare barese (o u ciammotte) è un piatto storico e verace della tradizione marinara della costa pugliese.

Nato dall’ingegno dei pescatori di Bari, era originariamente una zuppa preparata direttamente a bordo delle imbarcazioni per utilizzare il cosiddetto “pesce di minuzzaglia” o di scarto, ossia i pesci di piccola taglia, con molte spine ma dal sapore concentrato e intenso.

Caratteristiche del Piatto

A differenza di altre zuppe di pesce tradizionali, il ciambotto barese si distingue per alcuni elementi chiave :

Varietà e freschezza del pesce

Più qualità di pesce sono presenti, più ricco e saporito risulterà il brodo.

Profumo di mare e pomodoro

La base prevede un soffritto leggero di aglio e olio, arricchito da pomodorini freschi (spesso pomodori appesi o ciliegini) e prezzemolo.

Presenza del pane casereccio

Viene servito caldissimo sopra fette di pane pugliese di grano duro, calde o tostate, spennellate con un filo d’olio a crudo, che assorbono l’intenso brodetto.

Gli Ingredienti Tipici

Pur variando in base al pescato del giorno, la composizione classica comprende :

Pesci da zuppa

Scorfani, tracine, gallinelle (cocci), lucerne, ghiozzi e cerniotte di scoglio.

Molluschi e crostacei

Polpetti, seppioline, cicale di mare (canocchie) e talvolta cozze per arricchire il fondo.

Condimenti

Pomodorini maturi, aglio, olio extravergine d’oliva pugliese, prezzemolo fresco, sale e un pizzico di peperoncino.

Note sulla Preparazione

La chiave per una riuscita ottimale sta nei tempi di cottura sfalsati :

I pesci con carni più stabili e i molluschi (come polpetti e seppie) vengono inseriti per primi nel fondo di pomodoro e olio.

I pesci più delicati e di piccola taglia vanno aggiunti solo negli ultimi minuti per evitare che le carni si sfaldino del tutto nel brodo.

Risiede tutta nella sua essenziale e sincera perfezione.

Non ha bisogno di glasse vistose, né di ripieni abbondanti che ne mascherino la natura.

La sua forza sta nell’equilibrio misurato di pochi elementi fondamentali : il profumo avvolgente del burro, la fragranza delicata della lievitazione e una doratura che racchiude una soffice architettura interiore.

Spezzarla ancora calda significa liberare un vapore profumato che parla di gesti antichi e di attese pazienti.

È un piacere sobrio, pulito, capace di risvegliare il palato con discrezione e di trasformare un momento ordinario in un piccolo rito di autentico conforto.

IL TERMINE BAIL BONDSMAN INDICA nel sistema giudiziario statunitense e anglosassone, un operatore commerciale privato o un’agenzia finanziaria che agisce come garante per il pagamento di una cauzione (bail).

La sua funzione principale è quella di consentire a una persona arrestata di attendere il processo a piede libero, anche quando non dispone dell’intera somma di denaro richiesta dal giudice per la cauzione.

Come funziona il meccanismo

Quando un giudice fissa una cauzione in denaro, l’imputato ha due opzioni :

Pagamento diretto

versare l’intero importo al tribunale, somma che verrà restituita a fine processo (al netto di eventuali spese) se l’imputato si presenta a tutte le udienze.

Ricorso al Bail Bondsman

se l’imputato non dispone della somma totale, paga al garante una commissione non rimborsabile (solitamente attorno al 10% dell’importo della cauzione).

Il garante firma quindi un vincolo formale (bond) con il tribunale, garantendo l’intero valore economico della cauzione nel caso in cui l’imputato scappi o non si presenti alle udienze stabilite.

Copertura dei rischi e garanzie collaterali

Per tutelarsi dal rischio di perdita finanziaria, il bail bondsman adotta specifiche contromisure :

Richiesta di garanzie reali (ipoteche su immobili, veicoli o oggetti di valore) a carico dell’imputato o di terzi garanti (familiari o amici).

Facoltà di ingaggiare cacciatori di taglie (bounty hunters o bail enforcement agents) per rintracciare, arrestare e riportare in tribunale l’imputato fuggito, evitando così di dover versare la somma al tribunale.

Unicità del sistema

Il ruolo del bail bondsman rappresenta un’istituzione quasi esclusivamente americana (presente anche nelle Filippine).

Nella maggior parte delle altre giurisdizioni internazionali e nei sistemi di civil law, la figura del garante privato a scopo di lucro non esiste ed è spesso considerata illegale o contraria all’ordine pubblico, poiché affida a privati mercantili la gestione indiretta della libertà personale e della custodia cautelare.

SOTTOCULTURA UNDERGROOUND

Fondata, sviluppata e guidata principalmente da comunità afroamericane e latine LGBTQ+, in particolare donne e uomini transgender e gay, emersa nella sua forma contemporanea a New York (con epicentro ad Harlem) tra la fine degli anni ’60 e l’inizio degli anni ’70.

Le Origini Storiche

Benché le prime gare di mascheramento risalgano già alla fine dell’Ottocento ad Harlem, la vera svolta avvenne per reazione alla discriminazione razziale vissuta all’interno dei concorsi drag dominati da organizzatori bianchi.

Figura chiave di questo riscatto fu :

Crystal LaBeija

donna transgender nera che nel 1968, stanca delle giurie di sole persone bianche, fondò la House of LaBeija dando vita alla prima gara gestita e pensata espressamente per le comunità marginalizzate di colore.

La Struttura delle Case (Houses)

Al centro della cultura ballroom si trovano le Houses (Case), che fungono sia da squadre di competizione sia da vere e proprie famiglie eletive e reti di supporto.

Madri e Padri di Casa

Figure di riferimento della comunità che offrono accoglienza, guida e rifugio ai giovani rifiutati dalle famiglie d’origine.

Membri o “Figli”

Partecipanti che adottano il nome della Casa come proprio cognome (es. House of LaBeija, House of Xtravaganza, House of Ninja, House of Balenciaga).

I Ball e le Categorie

I Ball sono gli eventi-gara centrali in cui i membri delle diverse House competono per premi, trofei e reputazione di fronte a una giuria.

Le categorie includono :

Vogue / Voguing

Stile di danza caratterizzato da pose angolari, geometriche e lineari ispirate alle modelle di alta moda e alle copertine di riviste come Vogue.

Si divide principalmente in :

Old Way, New Way e Vogue Fem.

Realness

La capacità di integrarsi ed essere percepiti totalmente come la persona rappresentata nella categoria (es. Executive Realness, Schoolboy Realness), nata originariamente come forma di protezione e sopravvivenza nello spazio pubblico.

Face, Body & Runway

Categorie dedicate alla bellezza del viso, alla fisicità e al portamento della camminata da sfilata di moda.

Impatto Culturale e Eredità

La ballroom culture ha ridefinito il linguaggio, la danza, la moda e la cultura pop globale.

Documentari e Media

Il capolavoro del 1990 Paris Is Burning di Jennie Livingston ha documentato per la prima volta la scena al grande pubblico, mentre la serie TV Pose di Ryan Murphy ha portato sui media mainstream sia la narrazione storica sia il talento degli attori della comunità.

Linguaggio Pop

Espressioni della lingua inglese ormai diffuse globalmente — come shade, read, spill the tea, serve, slay e work — nascono direttamente dal gergo e dai codici relazionali creati nei Ball.

Moda e Musica

Gli stili di danza, i ritmi musicali (i caratteristici beat house e svariate campionature) e l’estetica visiva dei ball continuano a influenzare la musica pop e la haute couture mondiale.

DIETRO PAGAMENTO DI UNA CAUZIONE

(bail nei sistemi di Common Law, come negli Stati Uniti o nel Regno Unito)

E’ un istituto giuridico che garantisce la scarcerazione dell’imputato in attesa del processo, a fronte del deposito di una somma di denaro o di una garanzia reale.

Come funziona la cauzione

La cauzione serve come :

garanzia finanziaria

affinché l’imputato non si sottragga alla giustizia.

Fissazione dell’importo

L’autorità giudiziaria (un giudice) stabilisce la cifra in base alla gravità del reato, al pericolo di fuga e alle disponibilità economiche dell’imputato.

Restituzione

Se l’imputato si presenta a tutte le udienze previste dal processo, la somma depositata gli viene interamente restituita, a prescindere dal fatto che venga poi assolto o condannato.

Confisca

Se l’imputato si dà alla fuga o manca alle udienze, la somma viene definitivamente confiscata dallo Stato e viene emesso un mandato di arresto.

Differenze principali tra i sistemi giuridici

1. Sistema degli Stati Uniti (Common Law)

Negli USA il meccanismo della cauzione è di applicazione quotidiana ed è integrato da un vero e proprio mercato privato :

Pagamento diretto

L’imputato o la sua famiglia versano l’intero importo al tribunale.

Bail Bondsman (Garante privato)

Se l’imputato non dispone della liquidità necessaria, si rivolge a un agente di cauzioni privato.

Quest’ultimo versa la cauzione per conto dell’imputato chiedendo in cambio una commissione non rimborsabile (di solito il 10% del totale).

Cacciatori di taglie (Bounty Hunters)

Se l’imputato fugge, il garante perde i soldi depositati e ha la facoltà legale di ingaggiare investigatori privati per rintracciarlo e riportarlo in tribunale.

2. Sistema italiano (Civil Law)

Nel codice di procedura penale italiano la situazione è completamente diversa :

La figura della “cauzione” classica anglosassone non esiste come strumento d’uso comune per evitare la custodia cautelare in carcere.

Il codice di procedura penale prevede la misura cautelare della garanzia reale (articolo 299 e articoli legati alle misure coercitive), ma trova un’applicazione estremamente rara e limitata.

Le misure cautelari principali adottate in Italia sono gli arresti domiciliari, l’obbligo o il divieto di dimora, l’obbligo di firma presso la polizia giudiziaria e la custodia cautelare in carcere.

Tali misure si basano esclusivamente sull’esistenza di esigenze cautelari (pericolo di fuga, inquinamento delle prove, reiterazione del reato) e non su un versamento economico.

TWERKING o TWERK

Stile di danza diventato celebre a livello globale, caratterizzato da movimenti ritmici, rapidi e accentuati del bacino e dei glutei, eseguiti generalmente in posizione di squat o a busto piegato.

Pur essendo diventato un fenomeno di massa nella cultura pop occidentale a partire dagli anni 2010, il twerking possiede radici storiche, culturali e musicali ben precise.

Origini e Storia

Radici Africane

Le premesse ritmiche e motorie del twerking risalgono a diverse danze tradizionali dell’Africa occidentale, come il mapouka della Costa d’Avorio o il soukous del Congo, incentrate sull’isolamento e l’articolazione dei movimenti del bacino.

Scena Bounce di New Orleans (Anni ’90)

Nella sua forma moderna e con il nome attuale, il twerking nasce verso la fine degli anni ’80 e l’inizio degli anni ’90 all’interno della scena musicale Bounce hip hop di New Orleans.

Artisti locali come DJ Jubilee e Cheeky Blakk hanno contribuito a diffondere sia il passo sia il termine nelle loro canzoni e nei club della città.

Diffusione Globale (Anni 2010)

Il fenomeno si è poi diffuso nel mainstream musicale globale grazie ai video musicali, ai social media e all’adozione da parte di celebrità della musica pop e hip-hop.

Caratteristiche Tecniche

A livello esecutivo e di movimento corporeo, il twerking richiede coordinazione, controllo muscolare e flessibilità :

Postura di base

Si esegue piegando leggermente le ginocchia per abbassare il baricentro (posizione simile allo squat).

Isolamento del bacino

Il movimento fondamentale consiste nell’antiversione e retroversione del bacino, facendo oscillare ritmicamente i muscoli glutei.

Controllo muscolare

Coinvolge principalmente i muscoli della zona lombare, i glutei, i quadricipiti e la muscolatura addominale profonda.

Impatto Culturale e Fitness

Nel contesto contemporaneo, il twerking ha assunto diverse valenze :

Espressione artistica e sociale

Nella cultura Hip-Hop e Bounce rappresenta una forma di celebrazione corporea, ritmo e libera espressione.

Fitness e Disciplina Sportiva

Negli ultimi anni è stato integrato in veri e propri corsi di fitness e danza aerobica, apprezzato per l’intenso lavoro muscolare a carico degli arti inferiori e del core.

L’epopea dei dimenticati di Ivan Vazov rappresenta uno dei pilastri fondamentali della letteratura bulgara e dell’identità nazionale di un popolo.

Questo monumentale ciclo di poesie, composto tra il 1881 e il 1884, nasce con l’obiettivo di strappare all’oblio le gesta straordinarie dei protagonisti del Risorgimento bulgaro.

Attraverso un linguaggio solenne e denso di pathos, il poeta canta il sacrificio dei martiri che hanno lottato contro la dominazione ottomana per la libertà della patria.

Le singole odi tratteggiano le figure leggendarie di eroi come Vasil Levski, Hristo Botev, Georgi Rakovski e i combattenti dell’insurrezione di aprile.

Vazov non si limita a un semplice racconto storico, ma eleva questi personaggi a veri e propri simboli morali, ponendo la loro devozione suprema come esempio per le generazioni future.

L’opera trasforma il dolore e la sofferenza della servitù in una narrazione epica di dignità e di rinascita spirituale.

Il valore del ciclo risiede proprio nella capacità di unire il dramma del martirio alla celebrazione del riscatto di un’intera comunità.

Ogni figura dimenticata torna così a vivere nel verso poeto, diventando un faro di libertà e un’eredità imprescindibile per la memoria collettiva della Bulgaria.

NELLA TRADIZIONE AYURVEDICA l’apparato urinario e la vescica rientrano nel sistema dei Mūtravāha Srotas (i canali deputati al trasporto dell’urina).

I disturbi legati alla vescica vengono classificati principalmente in due grandi categorie :

Mūtrakṛcchra

disuria, minzione dolorosa o con sensazione di bruciore.

Mūtraghāta

ostruzione, ritenzione urinaria, difficoltà ad avviare il flusso.

Inquadramento secondo i Dosha

L’origine primaria dei disturbi urinari per l’Ayurveda risiede spesso in uno squilibrio nell’intestino o nel metabolismo digestivo, ma la manifestazione varia a seconda del dosha coinvolto :

Squilibrio di Pitta (Fuoco/Acqua)

È la causa più comune delle cistiti infiammatorie e infettive.

Si manifesta con calore intenso, bruciore durante la minzione, urine scure, rossastre o concentrate e sensazione di febbre locale.

Squilibrio di Vātika/Vata (Aria/Etere)

Porta a dolori spastici o colici, minzione frequente ma scarsa, sensazione di tensione o crampi nella zona pelvica.

Squilibrio di Kapha (Terra/Acqua)

Si presenta con un senso di pesantezza alla vescica, gonfiore, urine torbide o presenza di muco.

Principi e Rimedi di Riequilibrio

L’approccio ayurvedico mira a decongestionare i canali urinari, rinfrescare l’organismo ed eliminare le tossine (Ama).

1. Piante ed Erbe Tradizionali

Coriandolo (Dhanyaka)

Particolarmente indicato nei casi di bruciore o cistiti di tipo Pitta.

L’infuso di semi di coriandolo (lasciati in ammollo o lievemente bolliti) aiuta a rinfrescare e placare l’infiammazione delle vie urinarie.

Gokshura (Tribulus terrestris)

Uno dei principali rimedi ayurvedici per l’apparato urinario.

Svolge un’azione tonificante, diuretica dolce e protettiva sulle mucose della vescica.

Varuna (Crataeva nurvala)

Tradizionalmente impiegata per sostenere la funzione della vescica, favorire il tono muscolare e prevenire la formazione di calcoli o ristagni.

Punarnava (Boerhavia diffusa)

Aiuta a ridurre il gonfiore, la ritenzione idrica e gli stati edematosi legati al tratto urinario.

2. Indicazioni Alimentari

Alimenti da prediligere

Cibi dalle proprietà rinframmenti e dolci come riso basmati, orzo, acqua di cocco, cetrioli, finocchi e frutti di bosco.

Alimenti da ridurre o evitare

Cibi estremamente piccanti, acidi (come aceto, pomodori acerbi, agrumi in fase acuta), alcolici, caffè e formaggi stagionati, poichè incrementano il calore di Pitta e irritano le pareti della vescica.

3. Abitudini e Stile di Vita

Idratazione costante

Bere acqua a temperatura ambiente o tiepida a piccoli sorsi durante la giornata per favorire il lavaggio dei canali senza indebolire il fuoco digestivo (Agni).

Non trattenere i bisogni naturali

La soppressione dello stimolo urinario (Mūtratīta) aumenta notevolmente il dosha Vata, creando spasmi o difficoltà minzionali.

Indumenti e protezione

Indossare abiti morbidi in fibre naturali per non costringere la zona pelvica.

Nota: In presenza di dolore acuto, febbre o tracce ematiche nelle urine, è essenziale effettuare un esame delle urine ed essere valutati da un medico per una diagnosi clinica appropriata.

Il mercato del gioco d’azzardo in Montenegro è interamente legale e regolamentato. Nel corso degli anni, e in particolare con il varo del nuovo quadro legislativo (Games of Chance Act), il Paese ha introdotto controlli rigorosi per modernizzare il settore, combattere l’operatività illegale e tutelare i consumatori.

Quadro Normativo e Autorità

Il settore è controllato dal Ministero delle Finanze e dall’Amministrazione per i Giochi d’Azardo (Uprava za igre na sreću).

L’accesso al mercato avviene tramite un sistema di autorizzazioni e licenze statali suddiviso per categoria:

Casinò fisici

Le licenze vengono rilasciate dal Governo del Montenegro e hanno una durata di 15 anni. Il capitale sociale minimo richiesto per la società di gestione è pari a 250.000 euro.

Scommesse e sale slot

Le autorizzazioni sono gestite direttamente dall’Amministrazione per i Giochi d’Azzardo con licenze di durata fino a 8 anni.

Gioco online

L’operatività online è consentita come estensione della licenza di un operatore terrestre autorizzato nel Paese.

Principali Strutture e Casinò

I casinò fisici sono diffusi sia nelle località turistiche costiere sia nella capitale Podgorica.

Budva e Bečići

Rappresentano il polo principale del gioco d’azzardo nel Paese, legate al turismo di fascia alta.

Tra le strutture più note figurano il Maestral Resort & Casino a Pržno e i casinò all’interno delle grandi strutture alberghiere della baia di Budva.

Podgorica e Tivat

Offrono sale da gioco e casinò interni ad hotel e complessi ricettivi frequentati sia da residenti che da viaggiatori d’affari.

Tutela del Giocatore e Restrizioni

Le riforme introdotte di recente puntano a garantire la trasparenza e la tutela dei minori:

Identificazione e monitoraggio

Tutti i casinò e le sale slot necessitano di identificazione dei giocatori, sistemi di monitoraggio digitale in tempo reale e videosorveglianza con conservazione delle registrazioni per un periodo minimo.

Limiti alla pubblicità

È vietata la pubblicità del gioco d’azzardo in radio e TV durante le ore diurne e durante le trasmissioni sportive, oltre al divieto di promozioni ingannevoli.

Distanza dalle scuole

È prevista una distanza minima prescritta per le sale scommesse e gli ambienti di gioco rispetto agli istituti scolastici ed educativi.

Alessandro Gonzato è un giornalista professionista italiano, noto principalmente per la sua attività editoriale e d’inchiesta presso il quotidiano Libero.

Originario di Verona, ha intrapreso la carriera giornalistica collaborando con diverse testate e uffici stampa, occupandosi prevalentemente di cronaca, politica italiana, economia e tematiche sociali. Nel corso degli anni è apparso frequentemente anche come ospite e opinionista in vari programmi televisivi di approfondimento politico e attualità.

Alessandro Felis è un noto agronomo, giornalista e critico enogastronomico italiano.

Si definisce un divulgatore della cultura enogastronomica, unendo le sue competenze scientifiche e agronomiche alla passione per il cibo, il vino e la narrazione dei territori.

La sua formazione parte dall’agronomia, materia che ha insegnato per diversi anni come docente, prima di dedicarsi a tempo pieno alla critica enogastronomica, alla scrittura per testate giornalistiche di settore e alla conduzione di eventi e masterclass legate al patrimonio culinario italiano e internazionale.

Attraverso il suo blog e spazio di riflessione, Il lato critico, analizza le produzioni di qualità, la storia dei produttori e l’evoluzione della cucina d’autore e di tradizione, dividendo la sua attività e vita prevalentemente tra Torino e la Costa Azzurra.

https://www.latocritico.it/alessandro-felis

L’ostinazione di un’astensione che rifiuta ogni forma di resa o mediazione rapida.

Non si tratta soltanto di una protesta programmata o di un’interruzione formale delle proprie mansioni, ma di un gesto che si radica in una determinazione incrollabile, sorda alle lusinghe di una soluzione di comodo.

È lo sciopero di chi decide di incrociare le braccia continuando a presidiare il proprio diritto, senza cedere un millimetro di fronte al passare delle ore o all’incalzare delle pressioni esterne.

In questo tipo di fermo emerge la natura più profonda della tenacia, tanto sociale quanto strettamente umana.

È la convinzione matura che la durata della presenza e l’accettazione della rinuncia rappresentino l’unica vera leva rimasta per scalfire l’indifferenza e farsi ascoltare.

Non c’è spazio per il compromesso affrettato, né per la ritirata strategica dettata dalla stanchezza.

L’azione si trasforma così in un presidio permanente, in una prova di resistenza passiva dove il tempo smette di essere un fattore di usura e diventa un alleato.

L’aggettivo cocciuto ne definisce il carattere non violento ma inflessibile.

È la compostezza di chi sa di stare dalla parte della ragione e sceglie la fermezza come sola lingua possibile, trasformando il dissenso individuale in una muraglia collettiva che non si lascia attraversare.

ECONOMISTA ITALIANA

Professoressa associata di Economia Politica presso l’Università degli Studi di Roma Unitelma Sapienza, dove dirige anche il Master in Gender Equality e Gestione delle Diversità.

I suoi ambiti di ricerca e di impegno pubblico si concentrano principalmente sull’economia di genere (Gender Economics), sull’empowerment economico femminile, sul divario salariale e sull’impatto dell’uguaglianza di genere sullo sviluppo economico e sociale.

Oltre all’attività accademica, è co-fondatrice dell’iniziativa “Equonomics”, con cui promuove la consapevolezza sul valore economico della parità di genere e sull’importanza di superare il divario di genere nel mondo del lavoro e nella società.

È anche autrice di pubblicazioni e saggi dedicati a queste tematiche, tra cui il libro Le economiste. Le idee che hanno cambiato il mondo e Come farsi pagare, ed è una figura di riferimento nel dibattito pubblico italiano sulle politiche di inclusione ed equità economica.

La parola e il mito nella drammaturgia africana

La figura di Wole Soyinka rappresenta uno dei punti di svolta piu alti della letteratura contemporanea e dell’estetica drammaturgica del Novecento.

Primo autore africano a ricevere il Premio Nobel per la Letteratura nel 1986, Soyinka ha saputo fondere le strutture del teatro europeo con la profonda matrice mitologica della cultura Yoruba, creando un linguaggio scultoreo in cui l’impegno civile e la dimensione spirituale convivono costantemente.

Nato ad Abeokuta nel 1934, lo scrittore nigeriano ha attraversato le tappe piu complesse e drammatiche della storia politica del suo Paese.

Formatosi tra l’Universita di Ibadan e la Royal Court Theatre di Londra, ha affinato una sensibilita drammaturgica capace di metabolizzare i classici greci e il teatro elisabettiano, rielaborandoli attraverso le forme rituali della propria terra d’origine.

Il suo teatro non si riduce mai a semplice rappresentazione mimetica, ma si configura come un atto rigoroso di testimonianza e di resistenza di fronte alle derive autoritarie, alla corruzione e alla censura del potere.

Opere fondamentali come La morte e il cavaliere del Re o Danza della foresta rivelano come la tradizione non sia un reperto folclorico o statico, ma una materia viva e pulsante, un ponte metafisico tra il passato rituale e le contraddizioni dell’uomo contemporaneo.

Attraverso la figura del dio Ogun, divinita della creativita e della distruzione, dello ferro e della metallurgia, Soyinka traccia un’estetica del varco, in cui l’artista accetta di immergersi nel caos per restituire senso alla festivita collettiva e alla memoria storica.

La dimensione mitologica Yoruba si traduce in una riflessione universale sul destino umano, sulla colpa e sulla responsabilita individuale.

La scrittura in lingua inglese diventa uno strumento critico affilato per decostruire i modelli coloniali e riaffermare l’autonomia culturale africana senza cadere in facili nostalgie.

L’esperienza drammatica della prigionia e dell’esilio segna una produzione poetica e saggistica dove la difesa della liberta d’espressione rimane il perno inalienabile dell’esistenza.

La dialettica tra individuo e societa manifesta il ruolo del drammaturgo come mediatore necessario tra la sfera del sacro e le urgenze del presente.

Leggere e ripercorrere oggi la drammaturgia di Soyinka significa accostarsi a una visione dell’arte che rifiuta categoricamente ogni dogmatismo e ogni semplificazione ideologica.

La sua parola poetica, densa di metafore, ritmo e tensione etica, ci ricorda che la vera bellezza artistica nasce sempre dal confronto diretto con le ferite del proprio tempo e con le radici piu profonde dell’umano.

Perdere la bussola non è soltanto smarrire la strada o non sapere più quale direzione prendere, ma è soprattutto quel momento sottile e improvviso in cui i punti di riferimento abituali sembrano svanire, lasciando spazio a uno smarrimento profondo.

Nella vita di tutti i giorni, tra i ritmi frenetici, le sollecitazioni continue e le aspettative che ci circondano, può bastare un piccolo imprevisto o una svolta inattesa per farci sentire completamente disorientati.

Questo stato di incertezza, per quanto possa spaventare e generare ansia, porta con sé anche un valore inaspettato.

Quando la mappa mentale che abbiamo sempre seguito smette di funzionare, siamo costretti a fermarci, ad ascoltarci davvero e a guardare la realtà che ci circonda con occhi diversi.

Senza la bussola a indicare un percorso predefinito, si apre una pausa di riflessione in cui possiamo riscoprire priorità dimenticate, ridefinire i nostri desideri e trovare il coraggio di esplorare strade mai considerate prima.

In fondo, perdere la bussola può trasformarsi in un’occasione preziosa di rinnovamento.

Non si tratta semplicemente di ritrovare la rotta perduta, ma di imparare a navigare anche quando il mare è incerto, costruendo giorno dopo giorno una nuova consapevolezza di noi stessi e del cammino che desideriamo intraprendere.

No Future nasce come l’eco disperato e potente del movimento punk dei tardi anni Settanta, incarnato celebremente dal brano God Save the Queen dei Sex Pistols.

In origine rappresentava il grido di una generazione che rifiutava il falso ottimismo sociale, denunciando la mancanza di prospettive economiche ed esistenziali per i giovani dell’epoca.

Con il tempo il motto si è evoluto, diventando un concetto estetico e filosofico centrale sia nella cultura giovanile e nella musica, sia nella teoria critica e nelle riflessioni sul cyberpunk, simboleggiando la sfiducia in un domani radioso e il rifiuto dei modelli di progresso tradizionali.

Submarine sandwich (comunemente noto come sub)

E’ uno dei panini più iconici della tradizione gastronomica italo-americana.

La sua caratteristica principale è l’utilizzo di un filone di pane lungo e stretto, tagliato orizzontalmente e farcito con un’ampia varietà di salumi, formaggi, verdure e condimenti.

La forma allungata del pane richiama la sagoma di un sottomarino, elemento da cui deriva il nome.

Storia e Origini

L’origine del panino risale tra la fine dell’Ottocento e l’inizio del Novecento, legata all’immigrazione italiana nelle regioni nord-orientali degli Stati Uniti.

Gli immigrati italiani adattarono le proprie tradizioni panificatorie creando un pasto ricco, sostanzioso ed economico per la classe operaia.

Esistono diverse teorie sulla nascita specifica del termine :

Una delle versioni più accreditate attribuisce l’invenzione al commerciante italiano Dominic Conti, il quale, vedendo un sottomarino conservato nel fiume Passaic nel New Jersey intorno al 1927, notò la somiglianza con i panini da lui venduti e decise di chiamarli “submarine”.

Un’altra storia colloca la nascita del nome a New London, in Connecticut, sede di un’importante base navale per sottomarini, dove i ristoratori locali servivano questi panini ai marinai durante la Seconda Guerra Mondiale.

Ingredienti Tipici

Sebbene esistano infinite varianti, la versione classica (spesso chiamata Italian Sub) comprende :

Pane

Filone morbido o croccante di tipo italiano o francese.

Salumi

Prosciutto, salame, mortadella, capocollo o tacchino.

Formaggi

Provola, provolone o svizzero.

Verdure

Lattuga, pomodoro, cipolla affettata finemente e peperoncini sott’olio.

Condimento

Olio d’oliva, aceto di vino bianco o rosso, origano, sale e pepe.

Variante Regionale e Nomi Locali

Negli Stati Uniti il submarine sandwich assume nomi diversi a seconda della zona geografica :

Hoagie

Diffuso a Philadelphia e in Pennsylvania, legato storicamente ai lavoratori dei cantieri navali di Hog Island.

Hero

Il termine utilizzato principalmente nell’area metropolitana di New York.

Grinder

Utilizzato nel New England, spesso per indicare la versione scaldata o ripassata al forno.

Po’ Boy

Variante tipica di New Orleans e della Louisiana, preparata solitamente con pane francese e farcita con frutti di mare fritti o carne d’arrosto.

Il karakou è uno dei capi più emblematici della sartoria tradizionale algerina, originario della capitale Algeri.

Rappresenta un simbolo di raffinatezza, storia e prestigio artigianale, nato dall’evoluzione della ghlila e perfezionatosi nel corso dei secoli attraverso influenze mediterranee, ottomane e andaluse.

Composizione del capo

Il karakou si distingue per essere un abito strutturato composto da due elementi principali:

La giacca (Veste)

La parte superiore è una giacca aderente e sagomata sulla vita, realizzata quasi esclusivamente in prezioso velluto rigido (tradizionalmente in tonalità scure come nero, verde smeraldo, blu notte o bordeaux).

La giacca è ricamata interamente a mano con fili d’oro o d’argento secondo tecniche di altissima oreficeria tessile :

Majboud

Un tipo di ricamo dorato denso e rigido eseguito su supporto.

Fetla

Una tecnica a filo d’oro intrecciato che crea motivi floreali e arabeschi in rilievo.

I pantaloni (Seroual)

La parte inferiore si abbina alla giacca attraverso due varianti di pantaloni tradizionali in seta o raso :

Seroual chelka

un pantalone dritto e fluido con spacco laterale.

Seroual mdouer

un pantalone ampiamente sbuffato e arricciato.

Origine e significato culturale

La sua storia affonda le radici nella Casbah di Algeri tra il XV e il XIX secolo, dove costituiva l’abito da cerimonia delle donne delle famiglie aristocratiche.

Tra la fine dell’Ottocento e il Novecento la silhouette si è definita nella forma cintrata e regale che conosciamo oggi.

Oggi il karakou è il pezzo centrale del corredo nuziale algerino (il tesdjira) e viene indossato durante i matrimoni, le celebrazioni ufficiali e i grandi eventi culturali.

Spesso è accompagnato dal Khit er-rouh, un sottile gioiello frontale incastonato sulla fronte o attorno alla testa.

Evoluzione contemporanea

Negli ultimi decenni, il karakou ha valicato i confini dell’Algeria, attirando l’attenzione della haute couture internazionale.

Gli stilisti contemporanei ne rielaborano le proporzioni, integrando trasparenze, pietre preziose e nuovi tagli, mantenendo però inalterata la complessità del ricamo artigianale a filo d’oro.

Non è un esercizio di autocritica sterile, ma un atto di profonda onestà intellettuale e di crescita personale.

Quando ci soffermiamo a riesaminare ciò che non è andato come previsto, trasformiamo lo sbaglio da un peso emotivo a un dato di realtà.

L’errore smette di essere un fallimento dell’identità per diventare, semplicemente, una tappa del percorso.

In questa prospettiva, la rilettura delle proprie sviste richiede il coraggio di guardare le cose per quelle che sono, senza giustificazioni né severità eccessive.

Si tratta di comprendere le dinamiche, le decisioni affrettate o le valutazioni errate che hanno guidato un determinato momento, per poter trarre una consapevolezza più nitida.

È proprio attraverso questa revisione lucida che la memoria del passato smette di condizionare il presente e diventa uno strumento per orientare con maggiore chiarezza le scelte future.

Non è una semplice scorciatoia né un ripiego guidato dal caso.

Rappresenta una scelta di autonomia intellettuale, un modo per riappropriarsi dei tempi e dei percorsi della conoscenza senza subire le direttive dei percorsi precostituiti.

Praticare questo approccio significa trasformare la curiosità in un cantiere aperto, dove ogni lettura, ogni visione e ogni appunto personale contribuiscono a costruire una visione del mondo singolare e irripetibile.

Non si tratta di accumulare nozioni in modo nozionistico, ma di intrecciare saperi apparentemente distanti per rintracciare un filo conduttore strettamente personale.

La ricerca si libera così dagli schemi accademici o dalle tendenze del momento per diventare un’esperienza quotidiana e viva.

Ogni testo esplorato, ogni intuizione annotata a margine e ogni confronto diventano i tasselli di un mosaico espressivo che riflette fedelmente la propria sensibilità e la propria libertà di pensiero.

Il punk oggi non è più il movimento di rottura rumorosa e nichilista nato alla fine degli anni Settanta tra Londra e New York.

È diventato una condizione pulviscolare, un atteggiamento diffuso che ha smesso di indossare la divisa codificata delle giacche di pelle chiodate e delle creste colorate per mimetizzarsi nel tessuto contemporaneo.

Negli anni Settanta il punk era una rivolta frontale contro l’industria musicale e le convenzioni borghesi sintetizzata nello slogan del No Future.

Oggi quella stessa urgenza si è frammentata in una miriade di micro-resistenze quotidiane che rifiutano l’omologazione algoritmica e la mercificazione totale dell’esperienza umana.

I punk di oggi sono spesso invisibili a un primo sguardo perché non rispondono più a un’estetica unica e riconoscibile.

Vivono nelle nicchie digitali e materiali, praticano il fai da te culturale attraverso la gestione indipendente di spazi, etichette discografiche minuscole, fanzine digitali o cartacee e forme di economia di prossimità che evitano le grandi piattaforme commerciali.

Sul piano ideologico e sociale, l’attitudine punk si è spostata verso la difesa radicale della privacy, il rifiuto del lavoro inteso come unica realizzazione esistenziale, il ritorno a forme di autoproduzione materiale e l’opposizione critica nei confronti di un mondo dominato dalla sorveglianza tecnologica e dalla velocità artificiale.

È un punk riflessivo, a volte disincantato, che ha perso la rabbia adolescenziale per trasformarsi in una forma di resistenza civile e sotterranea.

Non si tratta più di distruggere il sistema con un accordo distorto di chitarra, ma di trovare spazi di autonomia mentale e fisica in un presente che tende a fagocitare ogni forma di diversità.

Oggi è punk chi sceglie la lentezza contro la frenesia, chi pratica l’autenticità in un’epoca di simulacri digitali e chi continua a pensare con la propria testa ai margini dei grandi flussi dell’opinione pubblica.

La cultura queer underground è prima di tutto uno spazio di resistenza, un ecosistema politico, estetico e sociale nato nell’ombra per necessità di sopravvivenza e libertà.

Storicamente, quando le identità non conformi erano criminalizzate o emarginate dalla società egemone, la dimensione “underground” non rappresentava solo una scelta stilistica, ma l’unico rifugio possibile in cui costruire comunità, inventare nuovi linguaggi ed esprimere la propria esistenza senza censure.

I luoghi fisici e simbolici di questa cultura sono stati gli speakeasy, i club sotterranei, i centri occupati, i cabaret clandestini e le piste da ballo alternative.

È in questi contesti marginali che si sono sviluppati alcuni dei fenomeni artistici e culturali più dirompenti del Novecento e della contemporaneità.

Un esempio centrale è la ballroom culture, nata ad Harlem tra le comunità afroamericane e latine marginalizzate.

Nelle ballroom, l’invenzione di pratiche performative come il voguing o la strutturazione in Houses (famiglie elettive che offrivano riparo ai giovani cacciati di casa) trasformavano la discriminazione in un’estetica della celebrazione e della provocazione.

Nel campo delle arti visive e della musica, la cultura queer underground ha costantemente decostruito le norme borghesi.

Dal movimento Queercore negli anni ’80 e ’90 — una risposta polemica sia alla commercializzazione della musica che all’omofobia della scena punk ortodossa — fino alla fotografia intimista di Nan Goldin o al cinema di Derek Jarman, il corpo, la sessualità e il trauma sono stati rielaborati come strumenti di critica politica e poetica.

I tratti distintivi della cultura queer underground si possono riassumere in alcuni assi fondamentali.

La creazione di spazi sicuri e zone temporaneamente autonome, in cui ridefinire i concetti di genere, affettività e appartenenza al di fuori delle logiche del mercato.

L’uso della performance e del travestimento non come puro intrattenimento, ma come smantellamento delle categorie rigide di maschile e femminile.

L’intersezionalità nativa, poiché le radici dell’underground queer sono indissolubilmente legate alle lotte di classe, alle minoranze razziali e ai movimenti controculturali ed esplicitamente politicizzati.

Con la progressiva integrazione di molti elementi queer nella cultura mainstream e nella comunicazione di massa, il carattere squisitamente underground si è continuamente riposizionato.

Oggi la vera matrice underground sopravvive negli spazi indipendenti, nelle etichette musicali autoprodotte, nelle fanzine e nelle forme di arte comunitaria che rifiutano la mercificazione dell’identità, continuando a rivendicare il valore della provocazione e della disubbidienza estetica.

L’oceano Atlantico non custodisce semplicemente la fine del giorno, ma apre uno spazio visivo dove la luce si scompone in infinite gradazioni di blu profondo e di fuoco.

Osservare il sole che scivola oltre l’orizzonte oceanico significa assistere a un mutamento continuo della materia cromatica, un’esperienza che richiama la solennità e l’immensità degli spazi aperti.

Le coste sferzate dal vento, dalle scogliere aspre del Portogallo fino alle distese sabbiose che guardano verso le Americhe, diventano il teatro silenzioso di questo rito quotidiano.

Il cielo si incendia di tonalità calde che vanno dall’ocra al carminio, riflettendosi sulla superficie mobile dell’acqua in un gioco di tensioni e armonie.

In quel preciso istante la linea dell’orizzonte svanisce, dissolvendo i confini tra cielo e mare e restituendo allo spettatore un senso di quiete assoluta.

TORNANO IN ATTIVITÀ

La vicenda delle iconiche torri razionaliste dell’Eur progettate da Cesare Ligini giunge a una svolta decisiva dopo circa vent’anni di abbandono e di vicende alterne.

Il complesso architettonico, restituito alla città a seguito di un importante intervento di rigenerazione urbana curato dal Gruppo Cassa Depositi e Prestiti, si appresta ad accogliere a partire dal 2027 la sede centrale dell’Agenzia delle Entrate.

Questo recupero rappresenta un tassello fondamentale per la trasformazione del distretto dell’Eur, restituendo centralità e valore storico a uno dei luoghi simbolo del moderno tessuto direzionale della capitale senza ricorrere a ulteriore consumo di suolo.

SVOLTA ESPOSITIVA DI PALAZZO GRASSI A VENEZIA

A vent’anni dalla riapertura veneziana avvenuta nel 2006, François Pinault decide di ridefinire radicalmente l’assetto espositivo delle sue sedi in Laguna.

Palazzo Grassi abbandonerà la fortunata formula delle mostre temporanee a rotazione per trasformarsi, a partire dal marzo 2027, nella dimora permanente della Collezione Pinault.

La decisione del collezionista e mecenate francese segna il passaggio da una dimensione dinamica ed effimera a una vera e propria musealizzazione duratura.

Il percorso della nuova esposizione permanente raccoglierà oltre cento opere chiave di cinquantaquattro artisti centrali della scena contemporanea, permettendo di offrire ai visitatori uno sguardo consolidato sui capolavori costitutivi della raccolta.

Mentre Palazzo Grassi assumerà questo ruolo di scrigno permanente, l’attività temporanea non si fermerà affatto a Venezia ma troverà un suo nuovo equilibrio a Punta della Dogana.

La sede prospiciente il Bacino di San Marco continuerà infatti a essere il motore della sperimentazione e delle grandi mostre temporanee, accogliendo in concomitanza anche un imponente progetto espositivo dedicato all’architetto Tadao Ando, figura indissolubilmente legata alla trasformazione spaziale dei musei della Pinault Collection.

Questa evoluzione istituzionale riflette il desiderio di non congelare le opere in una fruizione statica, bensì di permettere loro di dialogare nel tempo con lo spazio storico del palazzo patrizio.

Si consolida così un modello curatoriale capace di unire la permanenza della memoria artistica alla continua rigenerazione dello sguardo critico contemporaneo.

CAPITALE DEL VIETNAM

Si adagia lungo le anse del Fiume Rosso rivelando un’identità complessa, intessuta di stratificazioni storiche, memorie coloniali e un dinamismo contemporaneo che attraversa ogni suo angolo.

È una metropoli in cui il tempo sembra muoversi a due velocità distinte: da un lato la frenesia della vita quotidiana che scorre fluida tra le strade, dall’altro la contemplazione silenziosa custodita all’interno dei suoi templi millenari e attorno ai suoi bacini d’acqua.

Il cuore pulsante della città risiede nel Quartiere Vecchio, un labirinto urbano formato da trentasei vie storiche, ciascuna originariamente dedicata a una specifica arte o corporazione artigianale.

Camminando tra questi vicoli si percepisce ancora il richiamo di quell’antica organizzazione commerciale, dove le botteghe di tessuti, di spezie, di carta e di metalli lavorati si susseguono senza soluzione di continuità.

Le architetture tipiche, denominate “case-tubo” per la loro struttura stretta e profonda sviluppata nei secoli per ottimizzare lo spazio fiscale sulla strada, convivono con la presenza costante di mercati all’aperto e piccoli scorci di vita domestica che si proiettano direttamente sui marciapiedi.

Accanto all’eredità indigena si innesta il segno tangibile dell’epoca coloniale francese, visibile nei grandi viali alberati e negli edifici in stile neoclassico e neogotico.

Il Teatro dell’Opera, con le sue forme ispirate all’architettura parigina, e la Cattedrale di San Giuseppe, che richiama le linee di Notre-Dame, rappresentano testimonianze visive di questa sovrapposizione culturale.

Poco distante, la piazza Ba Đình costituisce invece il centro politico e monumentale della nazione, dominata dalla presenza austera del Mausoleo di Ho Chi Minh e dagli ampi spazi dedicati alle cerimonie civiche.

La dimensione acquatica è un altro elemento essenziale che definisce la geografia e l’atmosfera di Hanoi.

Il lago Hoàn Kiếm, situato al confine con il Quartiere Vecchio, rappresenta un punto di riferimento simbolico e sociale, ideale per le passeggiate mattutine e per la meditazione urbana.

Al suo interno sorge l’isolotto con il tempio Ngụ Sơn, raggiungibile attraverso il caratteristico ponte di legno rosso Hướng Thê.

Più a nord, il vasto Lago dell’Ovest offre uno sguardo più ampio e rilassato, ospitando sulla sua sponda la pagoda Trấn Quốc, la più antica della città, risalente al VI secolo.

Dal punto di vista culturale e intellettuale, Hanoi conserva uno dei complessi storici più significativi del Paese : il Tempio della Letteratura. Fondato nel 1070 e dedicato a Confucio, l’edificio ha ospitato la prima università imperiale del Vietnam, testimoniando la profonda venerazione della cultura locale per lo studio, la calligrafia e l’insegnamento scolastico.

I suoi cortili interni, le stele in pietra adagiate sulle sculture di tartaruga e i giardini curati offrono un’esperienza immersiva nella tradizione classica vietnamita.

La vita sociale della città trova una delle sue espressioni più autentiche nella cultura culinaria di strada.

Le vie si animano a qualsiasi ora del giorno grazie a piccoli banchi di ristoro dove si preparano pietanze tradizionali rigorosamente fresche.

Oltre al celebre phở, la tipica zuppa di noodle in brodo aromatico, la cucina locale si distingue per il bún chả, con maiale grigliato su carboni attivi e spaghettini di riso, e per le particolari bevande come il caffè all’uovo, nato dalla creatività artigianale per unire l’intensità della miscela robusta alla morbidezza di una crema montata.

La tecnica di neutralizzazione è un concetto fondamentale della sociologia della devianza e della criminologia, introdotto nel 1957 dai sociologi statunitensi Gresham Sykes e David Matza.

La tesi centrale degli autori è che le persone che compiono atti devianti o illeciti non rifiutano necessariamente i valori e le norme della società dominante.

Al contrario, condividono spesso i principi morali comuni, ma sviluppano una serie di razionalizzazioni psicologiche e sociali per giustificare i propri comportamenti scorretti prima o dopo averli commessi.

In questo modo, riescono a neutralizzare il senso di colpa, la vergogna e l’autocensura morale, preservando un’immagine positiva di se stessi.

Sykes e Matza hanno individuato cinque tecniche principali di neutralizzazione.

•Negazione della responsabilità

L’individuo definisce se stesso come una vittima incontrollabile delle circostanze, dell’ambiente sociale, della povertà o della sfortuna.

Il gesto deviante viene rappresentato come un evento inevitabile, causato da forze esterne più grandi del singolo.

•Negazione del danno

La persona minimizza le conseguenze reali dell’azione, sostenendo che nessuno si sia fatto male o che il danno economico sia insignificante.

L’illecito viene riqualificato come una semplice bravata, un gioco o un atto privo di reali conseguenze negative.

•Negazione della vittima

L’atto viene giustificato sostenendo che la vittima meritasse la punizione o la sofferenza subita.

La vittima viene trasformata nel vero colpevole, mentre chi compie l’azione si percepisce come un vendicatore morale o un distributore di giustizia.

•Condanna di chi condanna

L’attenzione viene spostata dall’atto deviante al comportamento di chi giudica, come le forze dell’ordine, i magistrati o le istituzioni.

Chi compie l’illecito accusa la società e le autorità di corruzione, ipocrisia o parzialità, delegittimando così la loro autorità morale.

•Richiamo a lealtà superiori

Le norme sociali generali vengono violate per soddisfare le richieste o le aspettative di un gruppo di appartenenza ristretto, come la famiglia, un clan o una banda.

La lealtà verso il gruppo circoscritto viene considerata un valore morale prioritario rispetto alla legge o alle regole collettive.

In seguito, la sociologia e la criminologia contemporanea hanno ampliato questo modello, applicando le tecniche di neutralizzazione anche allo studio dei reati colletti bianchi, dei crimini informatici e delle dinamiche di razionalizzazione nella politica e nell’economia.

Un locale senza fronzoli, un’insegna sbiadita dal tempo, tavoli di formica e quell’odore inconfondibile di caffè lungo e frittura che si mescola alla carta dei giornali del mattino.

Nel Regno Unito la chiamano greasy spoon.

È l’istituzione del comfort food popolare, del bacon croccante, delle uova al tegolino e delle salsicce sfrigolanti servite senza cerimonie su piatti di ceramica spessa.

Non c’è design, non c’è ricerca estetica se non quella involontaria della ruggine e del vissuto.

C’è solo la certezza di un pasto calorico, immediato, democratico, rifugio di operai, tassisti e nottambuli in cerca di tregua.

Negli Stati Uniti corrisponde al diner di periferia, quello aperto ventiquattr’ore su ventiquattr’ore lungo le strade secondarie, con i banchi in ecopelle rossa e la tazza di caffè sempre piena.

In Italia assume le forme più diverse ma conserva lo spirito: la vecchia trattoria di scalo merci, il bar di paese dove il bancone è un parlatorio e la cucina non ha segreti.

Spazi che resistono alla patina del moderno custodendo una forma di autenticità ruvida e rassicurante.

FESTA METROPOLITANA DELLA TRASCURATEZZA

In mezzo alla vertigine dei grattacieli di Midtown, l’ossessione tutta americana per l’efficienza e la pulizia formale crolla spesso dietro il banco di certe tavole calde e greasy spoons sottratti all’estetica patinata.

Anche nel cuore battente di Manhattan resistono spazi sotterranei o incastrati tra due palazzi di vetro dove il tempo sembra essersi fermato negli anni Settanta.

Il bancone in Formica consunta e opaca porta i segni di decenni di gomiti, tazze strisciate e stratificazioni di grasso.

Sulle piastre in acciaio mai completamente prive di incrostazioni frigge un’interminabile sequenza di uova, bacon e hamburger, diffondendo un odore denso che penetra nei vestiti e nell’aria stantia del locale.

Non è solo una questione di trascuratezza; è una precisa liturgia urbana.

La fretta imposta dalla città cancella l’igiene visiva in favore di una velocità brutale: il barista pulisce il bancone passandoci sopra uno straccio umido e già saturo, lasciando aloni lucidi che si asciugano sotto la luce al neon fredda dei tubi a soffitto.

I vetri delle vetrinette espositive, opacizzati dalle ditate e dai vapori di frittura, custodiscono fette di torta e sandwich pronti per essere afferrati e consumati in pochi minuti da un’umanità eterogenea — impiegati in giacca, operai, turisti di passaggio.

È la New York che rifiuta la sterilizzazione del gentrificato modernismo, conservando nei suoi angoli più centrali una rozza, autentica e talvolta sconcertante decadenza quotidiana.

SPESSO DIVENTA POESIA

Il colore acrilico, steso con spessore e materia sulla superficie, smette di essere soltanto un mezzo pittorico per diventare presenza tridimensionale.

La corposità del pigmento trattiene la traccia del gesto e l’energia dell’impatto con il supporto.

Trasforma la densità della materia in un linguaggio visivo denso di significato.

Nelle stratificazioni e nei rilievi geometrici o informali, la luce incontra la superficie increspata creando ombre vive.

Ombre capaci di mutare al variare dell’angolo di visuale.

Questa tensione costante tra consistenza fisica e suggestione lirica permette alla pittura di superare la pura rappresentazione.

La materia si fa canto, architettura silenziosa, poesia autonoma.

La spatola incide il tempo sul legno e sulla carta.

I rilievi si sollevano come faglie di un territorio interiore.

Il colore non descrive più il mondo, ma costruisce un mondo. Diventa corpo, memoria solida, vibrazione pura che parla nel silenzio.

I cinturoni western rappresentano un elemento iconico dell’immaginario della Frontiera americana, unendo fin dall’Ottocento funzionalità pratica e identità visiva.

Origini e Funzione Tradizionale

Nati per l’uso pratico nei ranch e lungo le rotte dei bovari, i cinturoni erano concepiti per sostenere il peso della fondina e distribuire il carico sul bacino.

La struttura classica prevede cuoio ad alto spessore, finiture cucite a mano e passanti integrati per le cartucce.

Caratteristiche Costruttive

Cuoio Rigido e Lavorato

Utilizzo prevalentemente di cuoio bovino conciato al vegetale, spesso lavorato con incisioni artigianali (floral tooling o sheridan style).

Fibbia Intercambiabile

Presenza di bottoni a pressione o viti per sostituire rapidamente la fibbia, elemento distintivo in argento, ottone o leghe decorate.

Fondina Integrata o Sospesa

Configurazione classica con fondina ad estrazione rapida (low-slung o ad altezza vita).

Tipi di Utilizzo Oggi

Artigianato e Collezione

Pezzi realizzati da sellerie storiche, apprezzati per la fattura e la qualità della pelle.

Sport e Rievocazione

Utilizzo nelle discipline di tiro dinamico western (Cowboy Action Shooting) e nelle manifestazioni equestri.

Moda e Costume

Cinturoni riadattati con linee più leggere per uso quotidiano, conservando stilemi e dettagli della tradizione americana.

Quando la cromia canta a squarciagola non si tratta più soltanto di colore o di accostamento visivo.

È l’istante in cui la materia pittorica rompe ogni indugio e si fa suono puro, un urlo necessario che squarcia il silenzio della superficie.

Le tonalità non si accontentano di stare al loro posto o di decorare uno spazio, ma avanzano con violenza espressiva e con una forza acustica visibile.

È la vibrazione di una tinta che rifiuta la misura e la prudenza, imponendosi come presenza viva e innegabile.

In quel canto teso e scoperto la forma passa in secondo piano, cedendo il passo al ritmo e alla pulsione interiore di chi ha steso il colore.

Rimane soltanto una risonanza spinta all’estremo, un’esplosione cromatica che chiede di essere ascoltata prima ancora di essere guardata.

L’esistenza non si misura con la superficie levigata delle cose ma con la profondità delle ferite che sa accogliere.

C’è un momento preciso in cui il semplice segno tracciato sulla materia cessa di essere un esercizio estetico e si trasforma in una testimonianza organica.

Il graffio è l’irruzione della coscienza nel caos del mondo.

Quando è superficiale appartiene alla cronaca della distrazione.

Quando affonda la sua lama invisibile fino a toccare il pulviscolo dell’esperienza umana muta la sua natura.

Diventa sangue

Non nel senso macabro della cronaca ma come metafora assoluta della verità che affiora.

Ogni artista autentico scava nella propria carne prima ancora che sul supporto.

Il colore non è mai un semplice rivestimento decorativo ma la crosta protettiva sopra un taglio mai del tutto rimarginato.

Il supporto ligneo o la carta accolgono questo spasmo e lo trattengono restituendolo allo sguardo sotto forma di geometria dolente o di segno irriducibile.

La civiltà contemporanea anestetizza il dolore per renderlo digeribile e consumabile.

Il pensiero critico e l’arte vera fanno esattamente il contrario.

Riaprono le cicatrici per ricordarci che siamo vivi.

Il graffio che diventa sangue è il marchio indelebile di chi non accetta la neutralità del visibile.

È la traccia lasciata da un passaggio che non ammette sconti.

Chi guarda quell’opera non osserva soltanto una composizione cromatica ma partecipa a un rito di svelamento.

La materia grida ciò che le parole non riescono più a contenere.

In quel punto esatto l’arte smette di essere rappresentazione e ritorna a essere ferita aperta nel corpo del mondo.

Namsal Siedlecki è una delle figure più originali e rigorose nel panorama dell’arte contemporanea italiana della sua generazione.

La sua ricerca si muove al confine sottile tra scultura, alchimia e trasformazione della materia, interrogando continuamente il concetto di tempo, consumo e permanenza dell’opera d’arte.

•Processo e Trasformazione Materica

Al centro della prassi artistica di Siedlecki vi è il trattamento dei materiali non come elementi statici, ma come entità vive e in costante evoluzione.

Attraverso processi chimici, galvanici e soluzioni di vasca, l’artista sottopone manufatti, reperti archeologici o oggetti quotidiani a trasmutazioni che ne alterano l’identità superficiale e la natura strutturale.

I metalli, i sali, i cera e i residui organici diventano strumenti per far affiorare la stratificazione temporale insita nell’oggetto.

•Archeologia del Presente e Passato

Il lavoro di Siedlecki esplora la tensione tra il manufatto storico e il rifiuto contemporaneo, trattandoli con un medesimo approccio fenomenologico.

Non vi è una gerarchia tra ciò che è antico e ciò che è industriale o effimero; ciò che interessa all’artista è il valore di deposito che la materia porta con sé.

L’opera diviene così un dispositivo di attesa e reazione, dove il gesto dell’autore si dissolve per fare spazio al libero agire degli agenti chimici e temporali.

•Riduzione ed Essenzialità Formale

L’estetica di Siedlecki si caratterizza per una profonda sobrietà formale, dove l’apparente essenzialità nasconde un processo concettuale denso e stratificato.

La forma non è mai imposta a priori, ma emerge come risultato alchemico e naturale del trattamento a cui il supporto viene esposto.

Il prelato disattento cammina tra le navate d’ombra della sua chiesa antica con il passo lento di chi conosce a memoria ogni singola piastrella di marmo consumato.

Ha le mani intrecciate dietro la schiena e la mente smarrita in un labirinto di pensieri terreni che poco condividono la solennità delle sacre scritture.

Mentre una luce fioca e polverosa filtra dalle vetrate istoriate tagliando la penombra in diagonale egli sfila davanti agli altari laterali senza dedicare nemmeno uno sguardo ai santi dipinti sulla tela.

Un fedele sosta in silenzio nell’ultimo banco in attesa di un segno o di un gesto di conforto umano ma il prelato gli passa accanto distratto sfiorando appena il legno intagliato senza cogliere quella richiesta muta.

La sua veste talare produce un fruscio secco e ritmico lungo il pavimento freddo interrompendo un silenzio che pare solido e immutabile come le pietre della sagrestia.

È una figura incapsulata nei propri frammenti di quotidianità incapacitata a scorgere i piccoli dettagli del mondo circostante che pure continua a fluire a un millimetro dalle sue dita.

Quando giunge finalmente davanti all’altare maggiore si ferma per un istante fugace come se avesse dimenticato l’origine stessa del suo cammino o la parola esatta per iniziare la preghiera.

Dall’esterno giunge il rumore sordo della città che vive mentre all’interno rimane soltanto quel movimento meccanico di un uomo avvolto dal proprio silenzio invisibile.

Bari è una città che racchiude in sé una geografia di forze opposte, un laboratorio urbano dove l’ordine e l’imprevisto si sovrappongono senza mai annullarsi a vicenda.

Da una parte c’è la struttura del quartiere Murat, un tracciato di linee dritto e sequenziale che risponde a una logica di rigore formale, di commercio e di compostezza borghese.

Dall’altra parte sopravvive l’impianto viscerale della città vecchia, una massa di vicoli chiusi e sovrapposti che risponde soltanto a leggi arcaiche, a un ritmo sociale che rifiuta la fretta e difende la propria identità dietro pareti d’intonaco bianco e pietre consumate dal sale.

Il rapporto con la costa accentua questo corto circuito visivo.

Il lungomare, imponendosi con la sua ampiezza scenografica e la sua apertura verso l’orizzonte mediterraneo, suggerisce un’idea di cosmopolitismo e di grande respiro culturale.

Eppure, basta addentrarsi di pochi metri verso l’interno per ritrovare una dimensione domestica, quasi paesana, dove la vita privata si riversa senza filtri sulla strada e il quotidiano esibisce le proprie abitudini con disarmante naturalezza.

Bari non tenta mai di ricomporre queste fratture in una sintesi pacifica.

La sua bellezza risiede proprio nella coesistenza di queste difformità, in una tensione continua tra l’aspirazione al moderno e la persistenza di una memoria popolare che resiste a qualunque omologazione.

Il vino non è soltanto la memoria di una vendemmia né un semplice esercizio di cantina, perché prim’ancora di essere sorso e materia esso conserva l’impronta geologica del suolo da cui germoglia.

Comprendere il terroir significa addentrarsi nella stratificazione delle rocce, ascoltare le trasformazioni millenarie del paesaggio e riconoscerne la sagoma profonda all’interno di ogni sfumatura di sapore.

La pratica dell’enogeoturismo

traccia un cammino inedito lungo la penisola italiana, unendo la percezione del paesaggio alla lettura della terra sottostante.

Nelle Langhe il circuito outdoor del Bar to Bar attraversa terreni sedimentari nati dal fondale di antichi mari, dove l’alternarsi di arenarie, marne e argille definisce la natura del Barolo e del Barbaresco.

In Toscana il tracciato dell’Eroica svela la composizione argillosa e limosa delle colline del Chianti Classico e del Brunello di Montalcino, trasformando il percorso cicloturistico in una riflessione visiva sul profilo della terra.

In Sicilia l’incontro tra le argille scagliose dei Peloritani e le calcareniti di Floresta restituisce linfa al vitigno autoctono del Nocera, unendo la persistenza della pietra marina al paesaggio antico di Tindari.

La danza del ventre, nota nel mondo arabo come raqs sharqi o danza orientale, rappresenta una delle espressioni corporee più antiche e stratificate della storia umana.

Le sue radici storiche affondano nei riti di fertilità e nelle celebrazioni sacre del bacino del Mediterraneo e del Vicino Oriente.

Lontana dall’essere una semplice forma di intrattenimento, questa pratica nasceva originariamente come un linguaggio gestuale profondo, legato ai cicli della natura e alla celebrazione della vita.

I movimenti rotatori del bacino e la fluida articolazione del tronco richiamano la gestualità simbolica di antiche devozioni rivolte al femminile sacro.

Nel corso dei secoli la disciplina ha attraversato molteplici trasformazioni sociali e culturali.

L’Egitto ha svolto un ruolo centrale nella definizione della sua estetica contemporanea, muovendosi tra la dimensione popolare delle ḡawāzī e la raffinata tradizione musicale delle awālim.

Durante il Novecento la danza orientale ha vissuto un’ulteriore evoluzione scenica, integrando elementi della danza classica e moderna e conquistando un respiro internazionale.

Sul piano corporeo e percettivo la danza del ventre si fonda sulla tecnica dell’isolamento muscolare e sul controllo del centro di gravità.

Il movimento non viene imposto dall’esterno ma si sviluppa dal centro del corpo, generando una tensione dinamica tra stasi e movimento, grazia e forza strutturale.

Attraverso questa architettura di gesti la danzatrice esplora la propria presenza nello spazio, trasformando l’espressione corporea in un’indagine formale sulla fluidità e sul ritmo.

PALAZZO MINCUZZI / TESTO

Il Palazzo Mincuzzi sorge nel cuore del quartiere Murat di Bari, all’angolo tra la celebre via Sparano e via Putignani, e rappresenta uno dei massimi e più originali esempi di architettura tardo-liberty (o eclettica) del Sud Italia.

•Genesi e costruzione

L’edificio fu fortemente voluto dalla famiglia Mincuzzi, originaria di Conversano e affermatasi a Bari nel settore commerciale e tessile.

Il progetto fu affidato all’architetto Aldo Forcignanò e all’ingegnere Gaetano Palmiotto, mentre i lavori materiali vennero eseguiti dall’impresa costruttrice di Giuseppe Garibaldi e fratelli.

I cantieri si aprirono nel 1926 e procedettero con grande rapidità per l’epoca.

Il palazzo fu fastosamente inaugurato il 28 ottobre 1928, alla presenza delle principali autorità cittadine e di una folla numerosa, consacrandosi immediatamente come il tempio della modernità e dell’eleganza commerciale barese.

•Caratteristiche architettoniche

L’aspetto più straordinario del palazzo risiede nella sua cifra stilistica sfarzosa e scenografica, che rompeva con la rigorosa geometria circostante del tessuto murattiano attraverso un uso sapiente di volumi e decorazioni:

•La cupola angolare

L’elemento più iconico è la cupola traforata e riccamente decorata che sovrasta l’angolo dell’edificio, conferendogli una forte verticalità e un profilo inconfondibile nello skyline cittadino.

•I prospetti e le decorazioni

Le facciate sono un tripudio di elementi ornamentali, fregi, balconi con ringhiere in ferro battuto dalle linee sinuose e grandi vetrate che riflettono il gusto floreale e le influenze eclettiche del periodo.

•La struttura interna

Storicamente concepito come edificio polifunzionale, i piani inferiori ospitavano i grandi magazzini della famiglia Mincuzzi, mentre i piani superiori accoglievano eleganti appartamenti privati dotati di ampi saloni di rappresentanza e persino di una cappella privata, serviti da un monumentale scalone interno.

•Il valore simbolico

Nel corso dei decenni, Palazzo Mincuzzi ha legato indissolubilmente il proprio nome alla storia economica e di costume di Bari, testimoniando la vivacità imprenditoriale della borghesia locale tra le due guerre mondiali.

Anche in seguito ai cambi di destinazione e di gestione commerciale che ne hanno interessato gli spazi interni nel tempo, l’edificio rimane un punto di riferimento visivo e sentimentale imprescindibile per la città, capace di attrarre l’attenzione di studiosi, appassionati d’arte e visitatori che ne ammirano i dettagli alzando lo sguardo lungo la via dello shopping.

PALAZZO MINCUZZI.BARI.PHOTO

•Quadri generali e profilo geografico

La Repubblica di Serbia è uno Stato sovrano situato nel cuore della penisola balcanica.

Confina a nord con l’Ungheria, a est con la Romania e la Bulgaria, a sud con la Macedonia del Nord e il Kosovo, e a ovest con il Montenegro, la Bosnia ed Erzegovina e la Croazia.

•Capitale

Belgrado (Beograd), principale centro politico, finanziario e culturale del Paese.

•Lingua ufficiale

Serbo (alfabeto cirillico come grafia ufficiale di Stato, con un uso diffuso della grafia latina).

•Ordinamento politico

Repubblica parlamentare.

•Quadro geopolitico e istituzionale

Il Paese occupa un nodo strategico e complesso nelle dinamiche diplomatiche e geopolitiche europee :

•Relazioni internazionali

La Serbia è storicamente orientata verso un delicato bilanciamento geopolitico tra l’integrazione europea, il mantenimento di forti legami economici e culturali con la Russia, e un crescente volume di investimenti e infrastrutture legate alla Cina.

•Processo di adesione all’Unione Europea

Il Paese è ufficialmente candidato all’adesione all’UE, pur affrontando costanti negoziati in materia di riforme giudiarie, libertà d’informazione e stabilizzazione dei rapporti regionali.

•La questione del Kosovo

La sovranità sul territorio del Kosovo rimane l’asse centrale della politica estera e interna serba, con negoziati periodici facilitati dalla diplomazia internazionale per la normalizzazione dei rapporti istituzionali e commerciali.

•Profilo economico e infrastrutturale

L’economia serba ha attraversato negli ultimi anni una fase di modernizzazione focalizzata sull’attrazione di investimenti esteri diretti e sullo sviluppo tecnologico :

•Settori chiave

Manifesta una rilevante crescita nei settori ICT (tecnologie dell’informazione), della manifattura industriale, dell’automotive e dell’agricoltura (specialmente nella regione autonoma della Voivodina).

•Infrastrutture e snodi di trasporto

Il corridoio balcanico rappresenta un’arteria fondamentale per i collegamenti viari e ferroviari tra l’Europa centrale, l’Europa sud-orientale e il Bacino del Mediterraneo.

Società, cultura e panorama mediatico

•Patrimonio culturale

La cultura serba integra una profonda eredità ortodossa — visibile nei complessi monasteriali medievali e nell’architettura religiosa — con influenze storiche mitteleuropee e ottomane.

•Informativa e dibattito pubblico

Il sistema informativo comprende una rete diversificata di testate storiche (come Politika e Danas), emittenti radiotelevisive pubbliche (RTS) e private, affiancate da un dibattito dinamico sull’indipendenza dei media e la trasparenza delle istituzioni.

La faldacchea (o faldacchea di Turi) è uno dei più celebri e raffinati dolci della tradizione pasticcera pugliese e della Terra di Bari, storicamente conosciuta anche come il “dolce della sposa”.

•Origine e storia conventuale

Le radici della faldacchea risalgono al Settecento e si legano all’antica tradizione dolciaria di derivazione conventuale.

Nata all’interno dei monasteri di clausura — le cui testimonianze d’archivio ne documentano la presenza nella diocesi tra Turi e la vicina Conversano — la ricetta venne poi custodita, perfezionata e tramandata dalle maestre dolciaie locali nella prima metà del Novecento.

Il legame con i matrimoni nasce dal fatto che un tempo la faldacchea veniva donata dagli sposi agli invitati a fine banchetto, avvolta nel tulle come una vera e propria bomboniera edibile.

•Struttura e composizione

La particolarità della faldacchea sta nel contrasto di consistenze e nell’equilibrio di sapori tra la pasta di mandorla, il liquore, l’amarena e la glassatura esterna.

•Involucro di pasta cotta

diversamente dalla classica pasta reale a crudo, la base è composta da pasta di mandorle (rigorosamente del territorio) e tuorli d’uovo, lavorata a caldo sul fuoco con sciroppo di zucchero.

•Il cuore sobrio e aromatico

al centro dell’impasto viene racchiuso un pezzetto di pan di Spagna (o biscottino) imbevuto di liquore (tradizionalmente Alchermes o Maraschino) insieme a un’amarena sciroppata.

•La copertura

il dolcetto viene infine modellato e rivestito con una sottile glassa di zucchero montato a neve (gileppe o naspro) oppure, nella variante contemporanea diffusa a partire dal secondo Novecento, con una copertura di finissimo cioccolato bianco.

•Riconoscimento e identità

Oggi la faldacchea è riconosciuta come Prodotto Agroalimentare Tradizionale (P.A.T.) della Regione Puglia e rappresenta un vero simbolo di maestria artigianale e memoria gastronomica pugliese.

La storia della Chiesa Russa di Bari (dedicata a San Nicola e situata nel quartiere Carrassi) rappresenta un capitolo fondamentale nei rapporti spirituali e culturali tra l’Europa orientale e la Puglia.

La sua origine si intreccia direttamente con il profondo culto che la Chiesa ortodossa nutre per San Nicola, le cui reliquie sono custodite a Bari dal 1087.

•Le origini e la devozione russa

Nel corso dell’Ottocento e nei primi anni del Novecento, il flusso di pellegrini ortodossi provenienti dall’Impero Russo verso Bari crebbe in modo esponenziale.

I fedeli affrontavano lunghi e faticosi viaggi per venerare le spoglie del Santo.

Per garantire un’adeguata accoglienza e un luogo di culto idoneo, nel 1911 la Società Imperiale Ortodossa di Palestina, patrocinata dalla famiglia reale dei Romanov e dallo zar Nicola II, promosse l’edificazione di un complesso che comprendesse un tempio ortodosso e un grande ospizio per i pellegrini.

•La progettazione e la posa della prima pietra

La progettazione venne affidata al celebre architetto russo Aleksej Viktorovič Ščusev, uno dei massimi interpreti dello stile neo-russo.

Ščusev si ispirò alle forme tradizionali dell’architettura di Novgorod e Pskov dei secoli XIV-XV, caratterizzate da volumi bianchi e compatti e coperture a carena.

La cerimonia per la posa della prima pietra si tenne il 22 maggio 1913 (data della festa di maggio di San Nicola secondo il calendario giuliano), alla presenza delle autorità cittadine e di delegazioni diplomatiche e religiose russe.

•La guerra, la Rivoluzione e il passaggio al Comune

L’insorgere della Prima Guerra Mondiale e il successivo scoppio della Rivoluzione d’Ottobre del 1917 interruppero i finanziamenti e stravolsero i piani iniziali.

I lavori vennero completati a fatica negli anni successivi, ma il flusso dei pellegrini dalla Russia si bloccò quasi totalmente a causa delle vicende politiche sovietiche.

Priva di sostegno e di risorse finanziarie dalla madrepatria, nel 1937 la struttura fu ceduta al Comune di Bari.

La municipalità barese si impegnò a preservare la destinazione d’uso religiosa del tempio e a destinare parte degli ambienti dell’ospizio a scopi sociali e assistenziali.

•Il valore ecumenico nel Novecento

Nel corso del secondo Novecento, specialmente dopo il Concilio Vaticano II e le aperture ecumeniche avviate nel 1969, la presenza della Chiesa Russa a Bari divenne un simbolo centrale di dialogo interconfessionale tra la Chiesa Cattolica e le Chiese Ortodosse. La struttura ha continuato a servire da punto di riferimento per la comunità ortodossa locale e per i pellegrini dell’Europa dell’Est.

•La restituzione alla Russia

All’inizio del XXI secolo sono state avviate le trattative diplomatiche tra le autorità italiane e la Federazione Russa per la restituzione del complesso edilizio al Patriarcato di Mosca.

Dopo gli accordi preliminari del 2007-2008, la cerimonia ufficiale di consegna ha avuto luogo nel 2009, alla presenza dei Capi di Stato dei due Paesi, fino al formale passaggio di proprietà completato nel 2012.

Oggi il complesso della Chiesa Russa di Bari costituisce un bene storico e architettonico tutelato, nonché uno snodo religioso e culturale tra la città di Bari e il mondo ortodosso.

•Il Teatro del Banchéro

Realtà culturale, scuola di teatro e associazione di produzione artistica fondata nel 1996 a Taggia (in provincia di Imperia).

•La visione e il progetto culturale

Nato come spazio di incontro e di sperimentazione attorno alle arti performative, il Banchéro non si limita alla semplice produzione di spettacoli, ma agisce come un vero e proprio laboratorio permanente. La sua identità si articola su diverse direttrici:

•La scuola di teatro (“Officina”)

propone percorsi formativi rivolti a bambini, ragazzi e adulti. La peculiarità della scuola risiede nel coinvolgimento diretto di attori, registi e professionisti del panorama teatrale e cinematografico nazionale.

•I laboratori di scrittura narrativa

percorsi artigianali e creativi in cui la scrittura viene intesa come costruzione collettiva e ricerca espressiva.

•Produzioni e spettacoli

la compagnia produce allestimenti da sala e spettacoli itineranti, attingendo sia ai classici della drammaturgia riletti in chiave contemporanea, sia a drammaturgie originali nate all’interno dei propri laboratori.

•Il legame con il territorio

L’associazione costituisce un presidio culturale fondamentale nella Riviera di Ponente, promuovendo rassegne, incontri letterari, spettacoli e collaborazioni con enti e castelli dell’imperiese.

E’ stato una delle figure più rilevanti e controverse della fotografia del Novecento.

La sua opera si distingue per una ricerca formale rigorosa, dove il rigore della composizione classica si unisce a un’esplorazione cruda e diretta dei soggetti.

•La formazione e gli esordi

Nato nel Queens nel 1946 e cresciuto in un ambiente cattolico conservatore, Mapplethorpe studia inizialmente pittura, disegno e scultura al Pratt Institute di Brooklyn.

Negli anni Sessanta stringe un legame profondo con la poetessa e musicista Patti Smith, con la quale condivide gli anni della formazione artistica a New York e la vita al Chelsea Hotel.

I suoi primi lavori fotografici nascono nei primi anni Settanta attraverso l’uso della Polaroid, utilizzata inizialmente per realizzare immagini da inserire nei suoi collage e assemblaggi.

•Lo stile e la visione estetica

Passato successivamente al formato medio con una fotocamera Hasselblad, Mapplethorpe sviluppa un linguaggio visivo caratterizzato da un controllo assoluto della luce e del contrasto in bianco e nero.

Il suo lavoro si muove lungo direttrici tematiche ben definite :

•Il nudo e la scultura del corpo

Tratta la figura umana, in particolare il corpo maschile e afroamericano, come se fosse una scultura classica, enfatizzando linee, rilievi muscolari e simmetrie.

•I fiori e le nature morte

Le sue celebri immagini di gigli, orchidee e tulipani restituiscono una sensualità fredda e geometrica, caricandosi di una forte tensione erotica attraverso la pura forma.

I ritratti

Fotografa artisti, intellettuali, celebrità e figure della sottocultura newyorchese, restituendo immagini sobrie e prive di orpelli scenografici.

•I temi feticisti e BDSM

Negli anni Settanta documenta la comunità sadomasochista di New York con il celebre X Portfolio, un ciclo di opere che suscita accesi dibattiti culturali.

•La polemica e l’eredità

La sovrapposizione tra la perfezione formale neoclassica e contenuti spesso ritenuti espliciti o trasgressivi ha reso la sua opera oggetto di accesi dibattiti sulla libertà d’espressione e sulla censura negli Stati Uniti.

Scomparso nel 1989 a soli 42 anni per complicazioni legate all’AIDS, ha fondato prima di morire la Robert Mapplethorpe Foundation, destinata alla tutela della sua opera e al finanziamento della ricerca medica contro il virus.

ROMA

Via del Macao si trova nel cuore di Roma, situata nel rione Castro Pretorio, non lontano da importanti snodi come la stazione Termini e via XX Settembre.

Questa strada storica deve il suo nome a memorie geografiche legate alle esplorazioni e alle missioni gesuitiche in Estremo Oriente, in particolare alla colonia portoghese di Macao in Cina.

Nell’area circostante si concentrano importanti edifici istituzionali, ministeri e testimonianze architettoniche che riflettono lo sviluppo urbanistico della capitale tra la fine dell’Ottocento e il Novecento.

I Padri Camilliani, formalmente noti come Ordine dei Chierici Regolari Ministri degli Infermi, costituiscono una congregazione religiosa cattolica fondata nel 1582 da San Camillo de Lellis.

Questo istituto nacque a Roma con la missione originaria e centrale di assistere i malati, soprattutto i più emarginati, gli ultimi e i sofferenti negli ospedali e a domicilio.

La loro opera si distingue storicamente per il voto solenne e caratteristico di dedicare la propria vita al servizio dei infermi, anche a rischio della propria incolumità fisica.

Nel corso dei secoli la presenza dei religiosi si è estesa a livello internazionale, dando vita a strutture sanitarie, centri di assistenza e ospedali in tutto il mondo.

Oggi l’ordine continua a coniugare la tradizione spirituale della cura globale della persona con le sfide moderne della bioetica, della pastorale sanitaria e del supporto psicologico ai sofferenti e alle loro famiglie.

DOVE VENGONO SEPPELLITI?

La domanda si ricollega a una delle più note leggende metropolitane diffuse in Italia, secondo cui “i cinesi non muoiono mai” o scomparirebbero misteriosamente.

In realtà, le dinamiche di sepoltura delle persone di nazionalità o origine cinese seguono prassi concrete, culturali e burocratiche :

1. Sepoltura o cremazione nei cimiteri italiani

Le persone di origine cinese residenti stabilmente in Italia o appartenenti alle seconde e terze generazioni vengono sepolte o cremate regolarmente nei cimiteri comunali della città in cui vivono.

Nei principali cimiteri delle grandi città (come Milano, Roma, Prato o Torino) sono presenti lapidi recanti cognomi e iscrizioni in lingua cinese.

2. Rimpatrio della salma o delle ceneri

Per la cultura tradizionale cinese, il legame con la terra d’origine e il culto degli antenati sono fondamentali (落叶归根, “le foglie cadute ritornano alle radici”).

Molti cinesi giunti in Italia da adulti chiedono di tornare nel proprio paese natale.

In questi casi, la famiglia — spesso supportata da associazioni di categoria della comunità cinese — sostiene i costi del trasporto aereo per rimpatriare il corpo o le ceneri dopo la cremazione.

3. Rientro in patria prima del decesso

Molti immigrati della prima generazione, una volta raggiunta l’età avanzata o in presenza di malattie gravi, scelgono di rientrare in Cina per trascorrere gli ultimi anni di vita insieme alla famiglia d’origine e morire nella propria terra natia.

Perché si è creata la leggenda dell’invisibilità?

•Demografia della comunità

La popolazione cinese residente in Italia è storicamente molto giovane rispetto alla media italiana, composta per lo più da persone in età lavorativa e bambini, registrando quindi un tasso di mortalità fisiologicamente basso.

•Riti privati e senza affissioni pubbliche

A differenza delle consuetudini italiane, la comunità cinese non utilizza i manifesti a lutto affissi per strada.

Le cerimonie funebri avvengono in forma strettamente privata all’interno della cerchia familiare e comunitaria.

Jerzy Grotowski è stato uno dei più radicali rivoluzionari del teatro del Novecento.

La sua ricerca non si è limitata alla messa in scena, ma ha scavato fin dentro la natura stessa dell’atto scenico, trasformando il rapporto tra attore e spettatore.

Il punto di svolta del suo pensiero risiede nell’elaborazione del Teatro Povero.

Strippando la scena da ogni artificio tecnologico, scenografico e decorativo, Grotowski riconduce la rappresentazione all’unico elemento essenziale e insostituibile: l’incontro vivo, quasi sacrale, tra il corpo dell’attore e la presenza del pubblico.

L’attore non dev’essere un mero esecutore di battute, bensì un “attore santo”, capace di compiere un atto di autosagrificio organico attraverso il totale dominio della propria voce e del proprio fisico.

Nel corso dei decenni la sua traiettoria teorica e pratica ha attraversato varie fasi, evolvendosi dal rigore formale delle produzioni del Teatr Laboratorium di Opole e Breslavia verso il Teatro Parateatrale e il Dramma Obiettivo.

In quest’ultima stagione di ricerca, culminata con la fondazione del Workcenter a Pontedera, in Italia, il fuoco si è spostato dall’esibizione per un pubblico all’Arte come veicolo : un lavoro interiore e rituale sul sé attraverso strumenti di derivazione drammaturgica e antropologica.

Grotowski resta una figura di riferimento imprescindibile per chiunque intenda la pratica teatrale come strumento di indagine esistenziale e antropologica.

Max Paiella è un eclettico comico, cantante, imitatore, musicista e attore italiano, noto al grande pubblico per la sua versatilità e per la sua storica presenza nel programma radiofonico di Rai Radio 2 Il Ruggito del Coniglio.

La sua carriera unisce in modo originale satira, musica e teatro comico.

•La caricatura e la satira radiofonica

Attraverso le frequenze di Il Ruggito del Coniglio, Paiella ha creato una galleria memorabile di personaggi e parodie.

Le sue imitazioni spaziano da figure della politica e della cultura a esilaranti tipi umani stereotipati. Tra i suoi personaggi più celebri figurano:

•Nikolay Fricov

l’improbabile cantautore sovietico.

•Turi Amore

il cantante neomelodico.

•Demetrio Parapanos

il musicista greco.

•Le parodie di personaggi reali come Franco Battiato, Vinicio Capossela, Roberto Giacobbo e Gigi D’Alessio.

•Musica, teatro e televisione

Oltre alla radio, Paiella vanta una solida formazione musicale come cantante e polistrumentista.

•Ha collaborato a lungo con la banda di Lillo & Greg e con diverse formazioni musicali, portando in scena spettacoli teatrali in cui la comicità si fonde costantemente con l’esibizione dal vivo.

•In televisione è stato tra i protagonisti di trasmissioni satiriche di culto come Parla con me e The Show Must Go Off al fianco di Serena Dandini, contribuendo con i suoi sketch musicali e le sue parodie in diretta.

•Con il suo stile arguto e mai volgare, Max Paiella si conferma una delle voci più brillanti e complete del panorama umoristico e teatrale italiano.

Ivan Vazov (1850-1921) è considerato il padre fondatore della letteratura bulgara moderna, al punto da essere unanimemente definito il Patriarca della letteratura bulgara.

La sua opera abbraccia poesia, narrativa e teatro, intrecciandosi con la storia della Bulgaria, dalle lotte per l’indipendenza dall’Impero Ottomano fino alla nascita dello Stato moderno.

•Il capolavoro : Sotto il giogo

Il suo testo più celebre è il romanzo Sotto il giogo (Pod igoto, 1888-1889), la prima grande opera in prosa della letteratura bulgara.

Racconta le vicende legate all’Insurrezione di aprile del 1876, offrendo un affresco corale del popolo bulgaro, diviso tra la brutalità della dominazione e l’aspirazione alla libertà.

•Temi e produzione poetica

In ambito poetico si distingue per le raccolte d’ispirazione civile e patriottica.

Tra queste spicca L’epopea dei dimenticati (Epopeya na zabravenite), un ciclo di poesie dedicato agli eroi del Risorgimento bulgaro e alle loro figure di martiri.

•Lo stile e il ruolo culturale

Vazov adotta uno stile prevalentemente realista e descrittivo, attento ai paesaggi naturali e alla vita popolare.

Il suo contributo è stato fondamentale non solo sul piano artistico, ma anche nella fissazione e codificazione della lingua letteraria bulgara post-liberazione.

ROMA

A Roma, il punto di riferimento principale per la comunità e la Chiesa slovacca è il :

•Pontificio Collegio Slovacco dei Santi Cirillo e Metodio (Slovenský ústav sv. Cyrila a Metoda)

che svolge un ruolo storico e pastorale fondamentale per i cattolici slovacchi nella capitale.

Ecco i dettagli principali :

•Punto di riferimento spirituale e culturale

Il Collegio e il rispettivo istituto sono storicamente legati all’accoglienza dei pellegrini, alla formazione e alla conservazione della cultura e della spiritualità slovacca a Roma, con un forte legame con la memoria dei santi patroni Cirillo e Metodio.

•L’Istituto Slovacco a Roma

Per gli aspetti culturali e di scambio istituzionale, è attivo l’Istituto Slovacco in via dei Colli della Farnesina 144, che promuove eventi, mostre e iniziative legate alla Slovacchia.

•Collegamenti storici (Itinerario Europeo)

Nelle mappature giubilari e storiche della città, la figura dei Santi Cirillo e Metodio e la loro missione a Roma vengono spesso ricordate anche attraverso luoghi storici come la :

Basilica di Santa Prassede

dove i due santi trovarono accoglienza durante la loro permanenza a Roma nel IX secolo per consegnare al Papa le reliquie di San Clemente.

Il Bhagavata Purana rappresenta uno dei testi sacri più straordinari e influenti della tradizione spirituale e letteraria dell’India.

Questa monumentale opera sanscrita si colloca tra i Maha Purana e focalizza la sua attenzione sulla devozione intensa, nota come bhakti, rivolta principalmente a Krishna nelle sue molteplici manifestazioni divine.

Il testo si compone di dodici skandha, ovvero libri o sezioni, che intrecciano narrazioni cosmologiche, genealogie regali, insegnamenti filosofici e canti lirici di profonda bellezza estetica.

Al centro dell’impianto narrativo spicca la figura di Krishna, la cui vita pastorale a Vrindavana e le vicende terrene diventano il simbolo dell’anima umana che cerca l’unione con l’assoluto attraverso l’amore puro.

La struttura poetica del Bhagavata Purana si distingue per la straordinaria ricchezza delle immagini e per la capacità di fondere la speculazione metafisica con il racconto mitologico accessibile.

Attraverso dialoghi illuminanti tra saggi e sovrani, l’opera esplora il senso del tempo, la natura dell’illusione cosmica e le vie per trascendere il ciclo dei dolori terreni.

Nel panorama della spiritualità induista, questo testo ha ispirato nei secoli correnti mistiche, poeti devozionali e forme d’arte visiva e performativa, rimanendo un punto di riferimento ineguagliabile per comprendere l’essenza della grazia divina.

Catena Fiorello è una scrittrice, autrice televisiva e conduttrice italiana, nata a Catania nel 1966.

Cresciuta ad Augusta, in Sicilia, è la sorella minore dello showman Rosario Fiorello e dell’attore Giuseppe Fiorello.

Nel corso della sua carriera ha lavorato per la televisione come autrice di programmi di successo, prima di dedicarsi con continuita alla narrativa.

Tra i suoi romanzi più noti si ricordano Picciridda, L’amore a due passi, Tutte le volte che ho pianto e I Ciatu.

Le sue opere sono spesso caratterizzate da un forte legame con la Sicilia, raccontando storie di formazione, memoria e relazioni umane.

Claudio Salvagni è un noto avvocato penalista italiano, iscritto all’Albo degli Avvocati di Como e patrocinante in Cassazione.

Nato a Roma e trasferitosi da giovane a Como, ha affiancato agli studi universitari in Giurisprudenza un’intensa attività sportiva nel canottaggio, gareggiando anche tra le fila delle Fiamme Gialle.

Nel 1999 ha fondato lo Studio Salvagni a Como, specializzandosi in diritto penale dell’economia, reati finanziari, societari e tributari.

La sua figura è salita al centro delle cronache giudiziarie e mediatiche nazionali per il ruolo di legale di fiducia e difensore di Massimo Giuseppe Bossetti nel lungo e complesso processo relativo all’omicidio di Yara Gambirasio.

Nel corso della sua carriera ha inoltre seguito la difesa di numerosi esponenti del mondo della finanza e dello sport, mantenendo un costante impegno anche nell’ambito delle istituzioni sportive.

L’omosessualità ha svolto un ruolo centrale nel percorso di numerosi maestri dell’arte del secondo Novecento e della contemporaneità.

L’espressione dell’identità di genere e dell’orientamento sessuale si manifesta attraverso forme visive che spazzano via i pregiudizi e ridefiniscono il concetto di corpo, intimità e lotta sociale.

•Francis Bacon e l’angoscia della carne

L’artista britannico Francis Bacon ha esplorato la vulnerabilità dell’esistenza attraverso figure umane deformate e tese.

Le sue opere riflettono spesso il travaglio interiore e la passione vissuta nelle sue relazioni sentimentali e omosessuali, come quella tormentata con George Dyer, trasformando il corpo maschile in uno spazio di tensione drammatica e viscerale.

•Robert Rauschenberg e Jasper Johns

Tra gli anni Cinquanta e Sessanta, Robert Rauschenberg e Jasper Johns hanno segnato il passaggio dall’Espressionismo Astratto alla Pop Art.

Il loro sodalizio sentimentale e intellettuale si è tradotto in una ricerca visiva fondata sul linguaggio dei codici, del frammento e del non-detto, rispondendo al clima repressivo dell’era McCarthy negli Stati Uniti.

•Andy Warhol e la cultura queer underground

Andy Warhol ha integrato la propria identità omosessuale all’interno del processo di scomposizione della società di massa.

Attraverso la Factory, Warhol ha dato spazio e visibilità a un’ampia comunità marginalizzata, tra cui drag queen, icone trans e figure della subcultura Newyorchese, come documentato celebremente nella serie Ladies and Gentlemen.

•Robert Mapplethorpe e la scultura del corpo

Negli anni Settanta e Ottanta, il fotografo Robert Mapplethorpe ha trattato il nudo maschile e la cultura BDSM con un rigore formale classico.

La sua ricerca della perfezione geometrica e della luce ha nobilitato soggetti fino ad allora considerati tabù, sollevando accesi dibattiti sulla censura e la libertà espressiva nell’arte.

•Keith Haring e l’attivismo visivo

Keith Haring ha impiegato un linguaggio grafico immediato e accessibile per denunciare le discriminazioni e sensibilizzare l’opinione pubblica sull’epidemia di AIDS negli anni Ottanta.

Il suo lavoro unisce l’arte pubblica al supporto attivo della comunità LGBTQIA+, trasformando la pittura in uno strumento di protesta civica e solidarietà.

Quanto lavoro serve per rendere davvero possibile l’opera d’arte, al di là dell’immagine patinata e del mito romantico dell’artista interamente dedito alla propria ispirazione?

A questa interrogativo risponde la mostra “Come vivono gli artisti?”, ospitata dal 13 ottobre all’11 dicembre 2026 presso l’Istituto Italiano di Cultura di Varsavia in collaborazione con Gruppo21.

Curata da Santa Nastro e Alex Urso, l’esposizione sposta la prospettiva dalla sola opera visibile all’infrastruttura di vita e di lavoro che ne permette la nascita.

La pratica artistica si incrocia costantemente con una pluralità di mansioni collaterali : l’insegnamento, la scrittura, la curatela, la gestione burocratica o professioni estranee al sistema culturale, necessarie a garantire la sostenibilità economica quotidiana.

A questa frammentazione si sommano l’instabilità dei redditi, l’assenza di tutele strutturali, fino alle responsabilità familiari e al lavoro di cura, fattori che incidono direttamente sulla disponibilità di tempo e sulla continuità della ricerca.

Il percorso espositivo riunisce le opere e le riflessioni di nove artisti italiani e polacchi (Maess Anand, Alicja Bielawska, Eva Frapiccini, Piotr Hanzelewicz, Igor Kubik, Luana Perilli, Alessandro Scarabello, Giuseppe Teofilo e Alex Urso, a cui si affianca la performance conclusiva di Veronica Vagnoni).

Ognuno di loro affronta la tensione costante tra identità professionale, precarietà e vita quotidiana.

L’iniziativa consolida un’indagine teorica e visiva già avviata dai curatori. Santa Nastro ha esplorato questi temi nei volumi “Come vivono gli artisti? Vita, economia, rapporto con il settore e pratica” (2022) e “Mamme nell’arte.

Artiste e operatrici culturali nella sfida della maternità” (2026), entrambi pubblicati per Castelvecchi nella collana Fuoriuscita.

Alex Urso porta in mostra “Dipingere le nuvole” (2021-2022), sequenza di 365 scatti quotidiani in cui trasfigura poeti ed elementi di un suo precedente impiego in un gesto rituale e costante.

I dati statistici confermano la concretezza della questione: se un’indagine condotta in Italia da AWI-Art Workers Italia mostra come l’80% degli artisti svolga altre attività oltre alla ricerca, la ricerca polacca “Policzone i policzeni” rileva che circa il 90% degli operatori registra redditi discontinui e solo l’11% possiede un contratto stabile.

Mettere a nudo la dimensione materiale dell’arte non ne sminuisce il valore, ma restituisce dignità e trasparenza a un processo umano ed economico complesso.

Costanza Cavalli è una giornalista e saggista italiana, nota per le sue collaborazioni con testate nazionali e per il suo percorso eclettico che unisce cultura, musica e giornalismo politico.

Nata a Brescia nel 1992, si è diplomata in arpa al Conservatorio e si è laureata in Lettere Moderne presso l’Università Cattolica del Sacro Cuore di Milano.

Ha iniziato la sua attività pubblicistica scrivendo d’arte e di musica classica, per poi ampliare i suoi interventi verso la cronaca culturale, il costume e l’analisi politica.

Ha scritto e collaborato per diverse testate e periodici, tra cui Libero e Panorama, distinguendosi per uno stile di scrittura brillante, diretto e dal taglio analitico.

Ettore Tito (Castellammare di Stabia, 15 dicembre 1859 – Venezia, 26 giugno 1941) è stato un pittore e scultore italiano, tra i protagonisti della pittura veneta a cavallo tra la fine dell’Ottocento e la prima metà del Novecento.

Nato in Campania da padre pugliese e madre veneziana, si trasferì con la famiglia a Venezia da bambino, diplomandosi giovanissimo all’Accademia di Belle Arti sotto la guida di Pompeo Marino Molmenti.

Formazione e stile

La cifra stilistica di Ettore Tito si caratterizza per una straordinaria perizia tecnica e un grande dinamismo compositivo, affinato sia nella rappresentazione della vita quotidiana sia nei temi figurativi più complessi :

•Pittura di genere e verismo lagunare

Le sue prime opere ritraggono spaccati di vita popolare veneziana, mercati, pescatori e scene di mare permeati da una luce vivace e da una pennellata fluida e brillante.

•Evoluzione simbolista e decorativa

Con il passare dei decenni la sua ricerca visiva si apre a soggetti mitologici, allegorici e a grandi decorazioni murali, risentendo del gusto simbolista e neoclassico di inizio secolo.

Grandi opere e commissioni

Nel corso della sua carriera partecipò con regolarità alle principali esposizioni nazionali e internazionali, compresa la Biennale di Venezia fin dalla prima edizione del 1895.

•La pescheria vecchia a Venezia (1887)

Conservata alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma, è un’opera chiave del suo periodo giovanile per la resa luministica e la naturalezza dell’ambiente.

•Sulla laguna (1897)

Premiata alla Biennale veneziana, testimonia la sua capacità di catturare il paesaggio marino e la vita della laguna.

•L’affresco degli Scalzi

Tra le sue imprese decorative più rilevanti figura il grande soffitto affrescato per la chiesa di Santa Maria di Nazareth (degli Scalzi) a Venezia, realizzato nel 1933 per sostituire l’opera di Giambattista Tiepolo distrutta durante la prima guerra mondiale.

Attività didattica e retaggio

Dal 1895 al 1927 ricoprì la cattedra di pittura di figura all’Accademia di Belle Arti di Venezia, influendo sulla formazione di diverse generazioni di artisti veneti.

Le sue opere sono oggi custodite nei principali musei italiani e internazionali, tra cui Ca’ Pesaro a Venezia, la Galleria d’Arte Moderna di Milano, il Museo d’Orsay di Parigi e il Brooklyn Museum di New York.

Delio Cantimori (Russi, 1904 – Firenze, 1966) è stato una delle figure più complesse e influenti della storiografia e della vita intellettuale italiana del Novecento.

La sua traiettoria accademica ed esistenziale si articola attorno al rigore del metodo storico, allo studio del Rinascimento e della Riforma, e a una costante inquietudine politico-ideologica.

Formazione e profilo intellettuale

Cresciuto in una famiglia di tradizioni mazziniane e repubblicane, si formò alla Scuola Normale Superiore di Pisa.

In quegli anni risentì profondamente dell’influenza dell’idealismo di Giovanni Gentile e del clima dell’attualismo.

La sua ricerca si indirizzò precocemente verso la storia religiosa e politica del Cinquecento, con una spiccata attenzione alle dinamiche delle idee e alle vicende umane dei protagonisti del periodo.

La storiografia sugli eretici e la Riforma

Il contributo storiografico più celebre di Cantimori è rappresentato dallo studio sui dissidenti religiosi del XVI secolo.

•Eretici italiani del Cinquecento (1939)

Quest’opera pionieristica ricostruì le vicende degli esuli italiani che, rifiutando sia il dogmatismo cattolico della Controriforma sia l’ortodossia protestante (calvinista e luterana), diffusero in Europa idee di tolleranza, libertà di coscienza e razionalismo religioso.

•Contributo all’Umanesimo e al Rinascimento

Cantimori evidenziò come l’ “eresia” italiana non fosse un mero episodio marginale, ma un tassello fondamentale per la genesi della cultura moderna europea e dell’idea di tolleranza.

L’itinerario politico e ideologico

Il percorso ideologico di Cantimori riflette le drammatiche fratture del Novecento ed è stato oggetto di vasto dibattito :

•Adesione al fascismo

Negli anni ’20 e ’30 guardò al fascismo con l’illusione che potesse rappresentare una forza rivoluzionaria e rigeneratrice contro la prassi liberale, collaborando a riviste come Vita Nova e approfondendo la cultura politica tedesca.

•Transizione e secondo dopoguerra

Riconosciuto il vuoto ideologico e la deriva reazionaria del regime, maturò un netto distacco.

Nel 1948 si iscrisse al Partito Comunista Italiano, vedendo nel marxismo una chiave interpretativa e uno strumento di trasformazione sociale.

•L’uscita dal PCI

Nel 1956, a seguito dei fatti d’Ungheria e di crescenti dissenso culturali e di metodo, abbandonò la militanza di partito per dedicarsi esclusivamente all’insegnamento e alla ricerca.

Opere principali

•Eretici italiani del Cinquecento. Ricerche storiche (1939)

•Utopisti e riformatori italiani. 1794-1847 (1943)

•Studi di storia (raccolta in più volumi)

•Prospettive di storia ereticale italiana del Cinquecento (1960)

•Conversando di Storia (1967)

•Storici e Storia. Metodo, caratteristiche e significato del lavoro storiografico (1971)

L’eredità di Cantimori resta centrale per la storia della storiografia italiana, non solo per il valore delle sue indagini filologiche e concettuali, ma anche per la profondità con cui interpretò il rapporto tra impegno intellettuale e coscienza storica.

Giulio Bollati di Saint Pierre (Parma, 1924 – Torino, 1996) è stato una delle figure centrali della cultura e dell’editoria italiana del secondo Novecento.

In formazione alla Scuola Normale Superiore di Pisa con maestri quali Luigi Russo e Delio Cantimori, ha intrecciato per decenni un sodalizio profondo con la casa editrice Einaudi, di cui è stato a lungo condirettore generale e direttore editoriale.

Nel suo lavoro di redazione ha affiancato la progettazione delle grandi opere enciclopediche e storiche della casa torinese a una costante attenzione all’equilibrio tra rigore intellettuale e visione d’impresa.

Nel 1987 ha acquisito la casa editrice fondata da Paolo Boringhieri, dando vita al marchio Bollati Boringhieri.

Sotto la sua guida la casa editrice ha rinnovato il proprio catalogo unendo la saggistica scientifica, la psicoanalisi e le scienze umane a nuove collezioni di letteratura e storiografia.

Accanto alla professione di editore, Bollati si è distinto come acuto italianista e saggista.

Tra le sue opere principali spicca L’italiano. Il carattere nazionale come storia e come invenzione (pubblicato originariamente all’interno della Storia d’Italia Einaudi e poi in volume), un’indagine fondamentale sull’identità morale, civile e culturale dell’Italia contemporanea, oltre ai suoi studi su Manzoni, Leopardi e la prosa civile tra Settecento e Ottocento.

La casa editrice Boringhieri, fondata a Torino nel 1957 da Paolo Boringhieri, nasce come uno dei progetti editoriali più rigorosi e innovativi del secondo Novecento italiano.

Nata da una costola dell’editore Einaudi, dove Paolo Boringhieri aveva a lungo diretto le collane scientifiche, la casa editrice si è imposta sin dalle origini con l’obiettivo di abbattere il muro tra cultura umanistica e cultura scientifica, promuovendo un rigoroso umanesimo scientifico.

Dalla fondazione alla Bollati Boringhieri

L’identità del catalogo si è strutturata storicamente attraverso grandi pilastri intellettuali:

•La psicoanalisi e le scienze umane

La Boringhieri è stata la prima casa editrice a pubblicare in Italia le Opere complete di Sigmund Freud e i testi di Carl Gustav Jung, diventando il punto di riferimento imprescindibile per la psicologia, la psicoanalisi e l’antropologia.

•Il pensiero scientifico ed epistemologico

Ha portato in Italia le opere fondamentali dei più grandi fisici, matematici e logici del Novecento, tra cui Albert Einstein, Niels Bohr, Kurt Gödel e Werner Heisenberg.

•Il sodalizio con Giulio Bollati

Nel 1987, con l’ingresso di Giulio Bollati (storico direttore editoriale dell’Einaudi), il marchio ha assunto la denominazione di Bollati Boringhieri, ampliando ulteriormente la proposta verso la storiografia, la filosofia, la saggistica critica e la narrativa di qualità.

Dal 2009 la casa editrice fa parte del Gruppo editoriale Mauri Spagnol (GeMS), mantenendo inalterata la sua vocazione per l’alta divulgazione e il rigore saggistico.

La LeRoy E. Hoffberger School of Painting è uno dei più prestigiosi programmi di perfezionamento artistico (MFA – Master of Fine Arts) dedicati esclusivamente alla pittura negli Stati Uniti.

Fa parte del MICA (Maryland Institute College of Art) di Baltimora, una delle istituzioni d’arte più antiche e rinomate d’America.

Origine e Storia

La scuola prende il nome da LeRoy E. Hoffberger, mecenate e filantropo che ne sostenne la creazione.

È stata fondata nel 1965 con la direzione della celebre pittrice espressionista astratta Grace Hartigan, che ha guidato l’istituto per oltre quattro decenni fino al 2007, plasmandone la forte identità rigorosa, critica e focalizzata sulla ricerca pittorica individuale.

Caratteristiche del Programma

•Focus esclusivo sulla pittura

A differenza di molti Master contemporanei orientati alla multimedialità, il percorso della Hoffberger School rimane fortemente centrato sul linguaggio della pittura.

•Atelier privati e ricerca indipendente

Ogni studente dispone di uno studio personale all’interno del campus MICA per sviluppare un corpo di opere in totale autonomia.

•Critica e dibattito

La didattica si fonda su un’intensa attività di critica individuale e collettiva con il direttore, i docenti e un ricco programma di visiting artists e critici d’arte di rilevanza internazionale.

•Selezione rigorosa

Si tratta di uno dei percorsi di studio più selettivi nel panorama delle accademie d’arte americane, pensato per artisti già formati e motivati a definire una propria visione poetica.

Giordano Bruno (Nola, 1548 – Roma, 16 febbraio 1600) è stato una delle figure più affascinanti, complesse e drammatiche del Rinascimento.

Nato come Filippo Bruno, entrò giovanissimo nell’ordine dei Domenicani prendendo il nome di Giordano.

La sua insofferenza verso i dogmi e la sua fame irrefrenabile di conoscenza lo portarono ben presto a scontrarsi con le autorità ecclesiastiche.

Abbandonato l’abito talare, iniziò una vita di continue peregrinazioni attraverso l’Europa : Parigi, Londra, Oxford, Wittenberg, Francoforte e infine Venezia.

Tradito dal nobile veneziano Giovanni Mocenigo, fu consegnato all’Inquisizione e, dopo sette anni di prigionia e un lungo processo durante il quale rifiutò di ritrattare le sue tesi filosofiche, venne arso vivo in Campo de’ Fiori a Roma.

La visione filosofica: Dio, Natura e Infinito

Il pensiero di Bruno rappresenta una sintesi rivoluzionaria tra misticismo, filosofia naturale e intuizione scientifica.

•Panteismo e immanenza (Dio come Mens super omnia e Mens insita omnibus)

Per Bruno, Dio non è un creatore esterno e trascendente che governa il mondo dall’alto.

Dio è Mens super omnia (Mente sopra tutte le cose) in quanto principio inaccessibile alla sola ragione umana, ma è soprattutto Mens insita omnibus (Mente intrinseca a tutte le cose).

La natura è la manifestazione vivente di Dio, un organismo animato e unitario in cui materia e forma si fondono indivisibilmente.

•L’Universo infinito e la pluralità dei mondi

Superando la visione cosmologica aristotelico-tolemaica di un universo chiuso e geocentrico, e spingendosi ben oltre la stessa rivoluzione copernicana, Bruno intuisce che l’universo, essendo effetto di una causa infinita (Dio), deve essere anch’esso infinito.

Non esistono centri né periferie : lo spazio è illimitato e popolato da infiniti sistemi solari e mondi abitati.

•L’Arte della Memoria (Mnemotecnica)

Nei suoi primi scritti e lungo tutta la sua opera, Bruno sviluppa complessi sistemi mnemotecnici e combinatori (influenzati da Raimondo Lullo).

La memoria non è un semplice esercizio meccanico, ma uno strumento magico-speculativo per rispecchiare la struttura simbolica e le connessioni dell’intero cosmo nella mente umana.

•Gli “Eroici Furori” e la ricerca della verità

L’uomo non risponde a una morale passiva o all’ozio contemplativo.

Nel dialogo De gli eroici furori, l’unione con la natura infinita richiede un atto di slancio passionale e razionale ad un tempo.

Il “furioso” è colui che, come nel mito di Atteone, caccia la verità finché non ne viene trasformato e immedesimato con la natura stessa.

Le Opere principali

Bruno ha scritto opere sia in latino (destinate agli ambienti accademici) sia in volgare, sotto forma di dialoghi filosofici ricchi di vigore satirico e poetico.

Dialoghi italiani

•La cena de le ceneri (1584)

Difesa e ampliamento della teoria copernicana, in cui sostiene la fisica di un universo dinamico e privo di centro.

•De la causa, principio et uno (1584)

Trattato ontologico sulla coincidenza tra materia, forma e sostanza unica dell’universo.

•De l’infinito, universo e mondi (1584)

Esposizione dettagliata della sua cosmologia infinitistica.

•Spaccio de la bestia trionfante (1584)

Opera di critica morale e civile contro la pigrizia e la superstizione, con un’esaltazione del lavoro e dell’ingegno umano.

•De gli eroici furori (1585)

Dialogo sull’amore filosofico e sul cammino dell’anima verso l’infinito.

•Il Candelaio (1582)

Commedia teatrale in volgare, impietosa spaccatura della società dell’epoca, popolata da pedanti, alchimisti e ruffiani.

Scritti latini e mnemotecnici

•De umbris idearum (1582)

•De triplici minimo et mensura (1591)

•De monade, numero et figura (1591)

L’eredità di Giordano Bruno rimane quella di un pensatore libero e incompromesso, il cui sacrificio è divenuto simbolo dell’autonomia della ricerca scientifica e filosofica di fronte ai dogmatismi di ogni epoca.

Antonio Attisani, nato a Bari il 22 aprile 1948, è uno dei più autorevoli studiosi, critici e storici del teatro contemporaneo in Italia.

La sua carriera attraversa molteplici dimensioni del linguaggio scenico :

•Formazione e primi passi

Diplomato come attore presso la Scuola del Piccolo Teatro di Milano, dagli anni Sessanta ha operato attivamente sul campo come attore, critico teatrale e direttore artistico di progetti e rassegne internazionali.

•Attività accademica

È stato professore ordinario di Culture del teatro e Storia del teatro, insegnando a lungo presso l’Università Ca’ Foscari di Venezia e successivamente all’Università degli Studi di Torino.

Linee di ricerca e saggistica

La sua indagine teorica e antropologica si è concentrata sulle avanguardie del Novecento, sul rapporto tra teatro e filosofia, sulle forme performative orientali (in particolare il teatro tibetano), sul teatro yiddish e sul lavoro di maestri del Novecento come Antonin Artaud, Jerzy Grotowski e Jean-Paul Sartre.

•Tra i suoi volumi di riferimento si ricordano Corpi all’opera. Teatro e scrittura in Antonin Artaud (2001), Far danzare l’anatomia (2007) e L’invenzione del teatro.

Edmondo Bacci (Venezia, 21 luglio 1913 – Venezia, 16 ottobre 1978) è stato una delle figure più singolari e incandescenti dello Spazialismo e dell’Informale italiano nel secondo dopoguerra.

La sua formazione si compie all’Accademia di Belle Arti di Venezia sotto la guida di maestri come Ettore Tito e Virgilio Guidi.

Tra la fine degli anni Quaranta e l’inizio degli anni Cinquanta la sua ricerca vive una fondamentale metamorfosi : parte dalle visioni industriali delle Fabbriche e dei Cantieri di Marghera, per poi spingere l’osservazione dei bagliori e dei fuochi degli altiforni verso un’astrazione pura.

Nel 1953 firma il manifesto dello Spazialismo veneziano, affiancando artisti come Tancredi Parmeggiani e Mario Deluigi.

È proprio in questo periodo che nascono i celebri Avvenimenti, la serie di opere che segna la piena maturità del suo linguaggio pittorico.

Nei suoi quadri la superficie diventa il luogo di vere e proprie detonazioni cromatiche, dove la materia, la tempera e la sabbia si fondono in impasti intensi, attraversati da una luce cosmica e da rossi di straordinaria potenza.

La sua pittura attira ben presto l’attenzione di Peggy Guggenheim, che ne diventa grande mecenate e sostenitrice.

La collezionista americana intuisce la forza magnetica della sua visione e promuove il lavoro di Bacci negli Stati Uniti, facendolo entrare nelle collezioni di istituzioni prestigiose come il MoMA e il Guggenheim Museum di New York.

Nel 1958 gli viene dedicata una sala personale alla XXIX Biennale di Venezia, consacrando la sua posizione nel panorama internazionale.

Negli anni successivi, affianca all’attività espositiva l’insegnamento, ottenendo nel 1974 la cattedra di Pittura all’Accademia di Belle Arti di Venezia, ruolo che ricoprirà fino alla sua scomparsa.

In diverse tradizioni filosofiche e spirituali dell’India, come l’Induismo, il Buddhismo e lo Yoga, Avidya (in sanscrito: અવિદ્યા) rappresenta l’ignoranza metafisica o la nescienza.

Non si tratta di una semplice mancanza di nozioni o di cultura generale, ma di una fondamentale incomprensione della vera natura della realtà e del sé.

Significato nelle tradizioni principali

•Nello Yoga e nell’Induismo (Advaita Vedānta)

Nei Yogasūtra di Patañjali, Avidya è considerata la radice di tutti i kleśa (i veleni della mente e le cause della sofferenza).

Consiste nel :

•Scambiare il non-eterno per eterno.

•Confondere l’impuro con il puro.

•Scambiare la sofferenza (duḥkha) per felicità (sukha).

•Scambiare il non-Sè (anātman) per il vero Sè (ātman).

•Nell’Advaita Vedānta

Avidya è il velo dell’illusione (māyā) che impedisce all’individuo di percepire la fondamentale unione tra la propria anima individuale (Ātman) e la Realtà Assoluta (Brahman).

•Nel Buddhismo

Avidya (o Avijjā in Pali) è il primo anello della catena della Pratītyasamutpāda (la coproduzione condizionata).

Rappresenta l’incomprensione delle Quattro Nobili Verità e l’illusione dell’esistenza di un’entità permanente e immutabile (il sé o “io”).

È la causa primaria del ciclo delle rinascite (saṃsāra) e del perpetuarsi della sofferenza.

•Il superamento di Avidya

Poiché Avidya è l’oscuramento della comprensione profonda, l’unico rimedio efficace non è una fede cieca, ma Vidyā (la conoscenza intuitiva, la saggezza) o Jñāna.

Il superamento dell’ignoranza si ottiene attraverso la meditazione, la ricerca interiore, la disciplina e la visione diretta della realtà senza i filtri delle proiezioni mentali.

Il Parco Nazionale del Circeo, istituito nel 1934 ed situato lungo la costa tirrenica del Lazio (nel territorio che va da Latina a Terracina), rappresenta uno dei nuclei naturalistici più antichi e affascinanti d’Italia.

Ciò che rende unico questo territorio è la straordinaria concentrazione di ambienti diversi in uno spazio relativamente ristretto, dove la natura incontaminata si fonde profondamente con il mito e la storia antica.

Il promontorio calcareo del Monte Circeo domina l’intero paesaggio.

Visto da lontano, il suo profilo richiama la leggendaria figura di una donna addormentata, un dettaglio che ha alimentato nei secoli il mito omerico della Maga Circe.

Il promontorio si divide climaticamente in due versanti : il Quarto Caldo, più arido e soleggiato, e il Quarto Freddo, caratterizzato da una fitta lecceta mediterranea.

Alle pendici del monte e lungo la costa si aprono numerose grotte marine e terrestri, tra cui la celebre Grotta Guattari, di inestimabile valore paleoantropologico per il ritrovamento di resti fossili di uomo di Neanderthal.

Alle spalle della fascia costiera si estende la Selva del Circeo, ciò che resta dell’antica Selva di Terracina.

Si tratta della più estesa foresta planiziale di pianura rimasta in Italia, un ecosistema suggestivo caratterizzato dalle cosiddette “piscine” (depressioni del terreno che si riempiono d’acqua piovana nei mesi autunnali e invernali) e dalle “lestre”, antichi insediamenti temporanei di boscaioli e pastori.

Il sistema delle zone umide comprende quattro laghi costieri salmastri : Fogliano, Monaci, Caprolace e Sabaudia (o Lago di Paola).

Questi specchi d’acqua, separati dal mare da un cordone di dune sabbiose finissime tra le meglio conservate d’Italia, costituiscono un’area di sosta fondamentale per numerose specie di uccelli migratori.

Per gli appassionati di birdwatching è possibile osservare aironi, cormorani e colonie di fenicotteri rosa.

Il parco custodisce anche importanti testimonianze storiche, come i resti della magnifica Villa di Domiziano sulle sponde del Lago di Paola e i percorsi che ricalcano l’antica Via Severiana.

A completare la tutela dell’area protetta concorre l’isola di Zannone, la più settentrionale delle isole Ponziane, inclusa amministrativamente nel perimetro del parco per la sua incontaminata ricchezza biologica e vulcanica.

Durante il regime nazista, il controllo della sessualità e la gestione della prostituzione vennero trasformati in uno strumento di ingegneria sociale, controllo politico e sfruttamento economico.

L’atteggiamento del nazionalsocialismo verso la prostituzione fu caratterizzato da una profonda contraddizione tra la retorica ideologica puritana e una spietata gestione pragmatica.

La Politica Nazista sulla Prostituzione

Inizialmente, il regime nazista ostentò una linea d’intransigenza morale ed eugenetica nei confronti della prostituzione.

•Repressione e persecuzione

Negli anni ’30 la prostituzione informale venne duramente perseguita. Molte donne dedite al lavoro di strada vennero arrestate e classificate sotto la categoria di «asociali» (Asoziale), finendo internate nei campi di concentramento o sottoposte a sterilizzazione forzata.

•Regolamentazione di Stato

Dal 1939-1940 l’orientamento cambiò drasticamente per ragioni pratiche. Il regime centralizzò la gestione dei bordelli under il controllo diretto della Gestapo e delle forze di polizia, al duplice scopo di prevenire la diffusione di malattie veneree e impedire rapporti interrazziali contrari alle leggi di Norimberga.

I Bordelli di Guerra e il Sistema Militare

Con l’espansione bellica, il Terzo Reich istituì una vasta rete di bordelli militari (Wehrmachtsbordelle) nei territori occupati e all’interno del Reich.

•Controllo della truppa

La creazione di questi luoghi rispondeva al desiderio del comando militare di mantenere alto il morale dei soldati, limitare i casi di diserzione o indisciplina e contrastare l’omosessualità.

•Segregazione razziale e gerarchica

L’accesso ai bordelli era rigidamente regolato secondo criteri di grado e di appartenenza etnica.

Esistevano strutture distinte per ufficiali, sottufficiali e soldati semplici.

Le prostitute di origine ariana o assimilata erano destinate ai soldati tedeschi, mentre alle truppe di occupazione e ai lavoratori forzati stranieri venivano assegnate strutture separate.

I Bordelli nei Campi di Concentramento (Lagerbordelle)

Una delle pagine più oscure della storia del sistema concentrazionario fu l’istituzione, a partire dal 1942 per iniziativa di Heinrich Himmler, dei bordelli all’interno dei campi di concentramento (Sonderbauten).

•Scopo e Funzionamento

I bordelli vennero allestiti in dieci campi principali, tra cui Mauthausen, Buchenwald, Dachau e Auschwitz-Monowitz.

•Incentivo al lavoro

L’accesso al bordello fu concepito come un sistema di premialità destinato a una ristretta fascia di prigionieri privilegiati (soprattutto i Kapos, i prigionieri politici tedeschi e gli operai specializzati) per incrementare la produttività del lavoro forzato.

•Esclusione sistematica

L’accesso era tassativamente vietato ai prigionieri ebrei e ai prigionieri di guerra sovietici.

•Le Vittime dello Sfruttamento

Le donne costrette a lavorare nei bordelli dei Lager venivano reclutate principalmente nel campo di concentramento femminile di Ravensbrück.

•Inganno e coercizione

Molte di esse accettavano la registrazione dietro la falsa promessa che un periodo di lavoro nel bordello avrebbe garantito la liberazione dal campo al termine di sei mesi, promessa che non venne mai mantenuta.

•Condizioni disumane

Sottoposte a continui abusi, controlli medici invasivi e trattamenti sanitari degradanti, le donne che si ammalavano o rimanevano incinte venivano rimandate a Ravensbrück o destinate allo sterminio.

Memoria Storica e Rimozione

Nel dopoguerra la vicenda dello sfruttamento sessuale nei bordelli nazisti è rimasta a lungo taciuta o trattata con imbarazzo.

•Stigmatizzazione duratura

Per decenni le sopravvissute non ottennero alcun riconoscimento come vittime del nazismo né risarcimenti ufficiali, rimanendo segnate dalla reclusione e dal giudizio sociale.

•Riscoperta storiografica

Solo a partire dagli anni ’90, grazie al lavoro di storici e ricercatori orientati agli studi di genere e alla storia sociale del Terzo Reich, la realtà dei bordelli di regime e dei Lagerbordelle è stata collocata al centro dell’analisi sulle violenze di massa dell’epoca nazista.

Roma possiede una tradizione mercatale straordinaria che affonda le radici nella storia popolare della città.

I mercatini rionali, le mostre-mercato d’antiquariato e le fiere dell’usato rappresentano veri e propri presidi di socialità e scrigni di memoria urbana.

I Mercati Storici e Rionali

Il cuore pulsante della vita quotidiana romana batte nei mercati di quartiere, dove l’offerta alimentare si unisce all’incontro sociale.

•Mercato di Campo de’ Fiori

Uno dei più celebri e antichi al mondo, attivo dal 1869 nella piazza omonima.

Sebbene oggi sia fortemente orientato al turismo, conserva il fascino dei banchi storici di ortofrutta, fiori e spezie sotto lo sguardo della statua di Giordano Bruno.

•Mercato di Testaccio

Spostato nella moderna struttura coperta di via Aldo Manuzio, rappresenta l’autentica romanità gastronomica.

Oltre ai banchi storici di generi alimentari, ospita spazi dedicati allo street food di qualità e alla cultura popolare del quartiere operaio per eccellenza.

•Mercato Trionfale

Situato in via Andrea Doria, è uno dei mercati coperti più grandi d’Europa.

Con centinaia di box, offre un’incredibile varietà di prodotti freschi, specialità regionali ed eccellenze artigianali.

Antiquariato, Vintage e Modernariato

La capitale è una meta d’elezione per collezionisti, amanti del design retrò e cercatori di tesori nascosti.

•Porta Portese

Il mercato delle pulci più famoso di Roma, attivo ogni domenica mattina a Trastevere lungo via Portuense e viale di Trastevere. Nato nel dopoguerra come mercato di beni di seconda mano, offre oggi un caleidoscopio caotico e affascinante di abbigliamento vintage, libri usati, piccoli mobili, curiosità e cianfrusaglie.

•Mercato Monti

Nato come spazio dedicato ai giovani creativi, ai designer emergenti e all’artigianato indipendente, si tiene regolarmente nel cuore del rione Monti.

È il punto di riferimento cittadino per la moda vintage selezionata, il vinile e gli accessori di ricerca.

•Via Sannio

Storico mercato adiacente a San Giovanni in Laterano, noto storicamente per l’abbigliamento militare surplus e oggi specializzato in abbigliamento vintage, capi d’occasione e stoffe.

Fiere e Mercatini Tematici

Accanto ai mercati stabili, la città ospita appuntamenti periodici dedicati a nicchie specifiche della cultura materiale.

•Ponte Milvio (Mercato dell’Antiquariato)

Si svolge la prima domenica del mese lungo le banchine del Tevere e a piazzale di Ponte Milvio, riunendo antiquari e rigattieri con mobili d’epoca, argenti, stampe e oggetti da collezione.

•Mercatini di Natale a Piazza Navona

Storico appuntamento festivo che anima la piazza barocca durante il periodo natalizio, tradizionalmente legato alla figura della Befana, con banchi di giocattoli, dolciumi e decorazioni artigianali.

Geografia e Identità Urbana

I mercatini di Roma non sono semplici luoghi di scambio commerciale, ma veri e propri spazi antropologici.

•La voce della città

Il brio dei banchieri, il dialetto romanesco e la stratificazione delle merci raccontano l’anima multiforme di una metropoli che sa rinnovarsi senza perdere le proprie radici popolari.

•Rigenerazione e tradizione

Dal banco ortofrutticolo di quartiere al mercato di design contemporaneo, la rete mercatale continua a presidiare il territorio urbano come antidoto alla standardizzazione commerciale.